Michelangelo Merisi da Caravaggio는 9월 28일에 태어났습니다. 1571년 베르가모 근처의 작은 마을에서 그의 이름은 세계 예술사에 남아있는 Caravaggio라는 이름을 얻었습니다. 위대한 예술가의 생년월일은 그의 훈련에 대한 생존 계약 덕분에 알려졌습니다. 그 당시 다소 유명한 화가 Simone Peterzano와 미래 예술가의 부모가 결론을 내렸습니다. 문서, 1584년, 그는 결론을 내릴 때 다음과 같이 말합니다. 미켈란젤로 메리시는 13세였습니다. Peterzano는 위대한 Titian의 제자였으며 밀라노에 살았습니다. Caravaggio의 창의적인 경력이 시작된 곳입니다.
창조적 인 길의 시작
미켈란젤로의 어머니, 루시아 아라토리, 건축가이자 장식가인 Fermo Merisi의 두 번째 부인이었습니다. Francesco I Sforza와 함께 봉사한 사람, 그는 Marquis da Caravaggio의 칭호를 지녔습니다. 전체적으로, 가족에게는 5명의 자녀가 있었습니다. 미켈란젤로의 생애 첫 해는 밀라노에서 지나갔다. 가족이 베르가모로 도망친 곳에서 전염병을 피해. 진실, 전염병은 미래 예술가의 아버지와 삼촌을 아끼지 않았고, 온 가족이 어머니의 보살핌 속에 남아 있었고, 큰 도움이 필요한 사람.
1584년 시모네 페테르자노의 작업장에 들어가 미켈란젤로는 콜로나 공작과 계약을 체결하고, 1583년에 사망한 Marquis da Caravaggio의 후계자. 칼럼, 젊은 화가의 모든 작품을 사기로 결정한 Peterzano의 작업장에 들어가자마자 평생 동안 카라바조의 충실한 후원자가 되었습니다.
가톨릭교회의 수장, 그림의 가장 큰 고객 중 하나였던 교황 식스토 5세, 예술의 새로운 경향을 선호하는 사람, 롬바르디아에서 막 나타나기 시작한 것입니다. 이때, 밀라노 공국, 스페인 통치하에, 엄격한 예술과 종교 교리의 중심이 되었습니다. 특히, 유럽과 이탈리아의 예술은 매너리즘의 지배를 받았고, 그러나 그와 병행하여 볼로냐-로마 아카데미즘이 있었습니다. 위대한 베네치아와 로마 화가의 모방으로 제한됩니다. 롬바르디아에서는 반면에, 예술가들은 매너리즘에서 벗어나 삶의 현실적인 반영에 초점을 맞추기 시작했습니다. 이러한 경향은 미켈란젤로 메리시(Michelangelo Merisi)의 창작 양식 형성에 큰 영향을 미쳤다.
안타깝게도, 우리는 Caravaggio가 거기에 왔을 때 밀라노 워크샵 Simone Peterzano의 활동에 대해 거의 알지 못합니다. Giovanni Paolo Lomazzo는 1584년에 Peterzano가 큰 요구에 기뻐했다고 썼습니다. 그의 작품을 꾸준히 즐겼던, "우아하고 쉽게" 만들었습니다. 밀라노 근교 가레냐노 교회에 있는 그의 프레스코화를 보면, 또는 "비너스" 또는 "큐피드와 두 명의 사티로스"(Corsini Collection, 뉴욕), 매너리즘의 영향을 확연히 볼 수 있고, 새로운 롬바르드 리얼리즘과 혼합.
Caravaggio의 초기 작품에서, Peterzano 스타일의 영향을 명확하게 볼 수 있습니다. 르네상스의 거장들의 그림과 관련하여 연속성이 있지만, 티치아노와 같은 조르조네, 조반니 벨리니 또는 레오나르도 다빈치, 도 분명합니다. 후자의 작품, 즉 "바위의 마돈나", 카라바조, 물론이야, 산 프란체스코 그란데 성당에서 본 밀라노. 또한, 다시 베르가모로, 예술가는 Lorenzo Lotto의 그림에 감탄했고, 특별한 감정적 긴장감이 돋보였다.
미술사가 Mina Gregory는 젊은 예술가가 Andrea Mantegna의 작품을 신중하게 연구했음을 설득력있게 증명합니다. Caravaggio가 그린 유일한 프레스코를 명확하게 보여줍니다. 의심할 여지 없이 이 장엄한 원근법 대가의 그림 스타일의 영향을 받아 그린 것입니다. Caravaggio도 Mantua에 있었고, 그는 Giulio Romane의 기념비적 인 작품을 조사했습니다.
그 동안에, 밀라노에서, 실제 학교가 형성되었고, 그것은 Campi 형제의 그림 같은 방식의 영향을 받았습니다. 그 안에, 젊은 예술가들은 작품의 주제를 발전시켰고, 주로 실생활에 초점을 맞추고, 영감을 얻었습니다. 이 크리에이티브 그룹의 그림은 당시 순수 예술의 모든 혁신을 통합했습니다.
chiaroscuro의 효과를 발견하기 위해, Caravaggio는 르네상스 시대의 거장 Giovanni Girolamo Savoldo의 작업으로 도움을 받았을 수 있습니다. 젊은 화가가 존경했던 사람. 그런 다음 그는 유명한 예술가 Sofonisba Anguissola의 초상화를 만들었습니다. 젊었을 때 위대한 미켈란젤로와 친숙한 사람. Sofonisba는 일상 생활에서 가져온 장르 장면을 만들었습니다. 우리는 그녀의 그림 중 하나에서 볼 수 있습니다. 석탄과 분필로 만든 그녀의 어린 아들의 이미지, 손가락에 암이 물린 사람. 어린 카라바조가 그의 첫 번째 그림을 구상하게 된 계기가 된 것은 바로 이 그림이었습니다. 그는 로마에 도착한 직후에 그렸습니다.
안타깝게도, 우리는 Caravaggio의 창조적 형성에 대해 가설적으로만 이야기할 수 있습니다. 미술사가 베렌슨에 따르면, 조르조네는 카라바조 양식의 발전에 핵심적인 역할을 했습니다. Lombard 학교의 영향도 명확하게 읽힙니다. Roberto Longy는 "밀라노에서 오랫동안 단순한 민주주의적 예술을 창조한 롬바르디아 출신의 예술가들이 존경을 받았고… 내면의 빛과 종교적 황홀경이 전혀 없습니다. 색채 결정, 흑백 효과가 서로 조화를 이루고 자연과 함께 검증되었습니다. 자연과 인간을 단순하고 진정성 있게 표현하고자 하는 리얼리즘 예술이었다. "
페테르자노, 당대에는 매우 진보적인 교사였으며, 또한 Caravaggio의 예술적 스타일을 형성하는 데 중요한 역할을 했습니다. 훈련 중, 그는 회화 기법에 중점을 두었고, 그것 없이는 탁월함의 높이를 달성하는 것이 불가능합니다.
18세에 거의 도달하지 않고, 카라바조, 독립적으로 일하고 싶은 갈망으로 가득 차 있고, 로마로 옮겼다. 그의 여행 경로는 알려지지 않았지만, 우리는 그가 그 과정에서 위대한 거장의 작품을 많이 보았다고 추정할 수 있을 뿐입니다. 로마에서, 고위 판돌포 푸치(Pandolfo Pucci)는 한 청년에게 피난처를 제공합니다. Caravaggio의 첫 번째 작품에는 "도마뱀에게 물린 소년"(1594, 국립 미술관, 런던), "과일 바구니를 든 청년"(1593, 보르게세 갤러리, 로마), "배를 청소하는 소년"(1593).
Caravaggio의 첫 번째 자화상은 "Musicians"(1595, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕), 예술가가 두 명의 다른 젊은 음악가와 큐피드를 배경으로 자신을 묘사했습니다. 많은 미술사가들은 아무르의 이미지를 일종의 동성애적 상징으로 간주하고, 동성애에 대한 카라바조의 성향을 나타냅니다. 곧, 화가는 중병에 걸리고, 그러나 기적적으로 회복되고, 거의 즉시, '아픈 바쿠스'(1953, 보르게세 갤러리, 로마), 그의 두 번째 자화상이다.
카라바조는 강력한 델 몬테 추기경이 후원합니다. 예술가는 종교 그림의 숫자를 만듭니다. 그림 "회개하는 막달라"(1595-1597, 도리아 팜필리 갤러리, 로마) 우리는 작가가 만든 최초의 여성 이미지를 봅니다. 같은 기간, 화가는 두 번째 "박카스"(1596, 우피치 갤러리, 피렌체), 이번에는 건강이 가득합니다. 곧, Caravaggio는 그의 첫 번째를 자극하고, 하지만 마지막과는 거리가 멀다. 정의와 충돌합니다.
그러나 젊은 예술가는 왜 로마를 선택 했습니까? Caravaggio 전기 작가들은 이탈리아의 문화 수도의 선택에 동의합니다. 그러므로 전 세계, Caravaggio의 비범한 야망 때문이었습니다. 역사상 가장 위대한 예술가가 되기를 꿈꾸던 사람. 주변 사람들보다 하나님의 은사를 받은 자신이 모든 것을 허락받았다고 믿었기 때문에 법을 여러 번 범했기 때문일까요?
그 당시 로마는 정말 번영했습니다. 성 베드로 대성당 건설, 그 해에 전 세계에서 가장 큰 건축 구조였습니다. 방금 완료되었습니다. 대성전이 세워지고, 산 조반니 라테라노와 같은 산타 마리아 마조레, 테베레 강의 리페타 항구 개항, 진정으로 세계의 관문이 된 것입니다. 교황 식스투스 5세는 반도의 모든 재능 있는 화가들을 로마로 초대했습니다. 그리고 많은, 롬바르디아를 비롯한 이 항소를 따랐다. 이 모든 것은 기독교의 승리를 전 세계에 알리기 위한 것이었습니다.
Caravaggio의 삶에 대해 많이 그렇듯이, 우리는 그가 로마에 도착한 정확한 날짜를 모릅니다. 아마도 1591년이나 1592년이었을 것입니다. 예술가가 교황 클레멘스 8세의 통치 아래 영원한 도시에 도착했다는 많은 증거가 있습니다.
로마에 도착한 젊은 예술가는 밀라노에서 그린 캔버스 몇 점을 가지고 있었을 것입니다. 하지만 이 작품들은, 캐릭터와 플롯에 대한 현실적인 해석으로, 지역 대중의 관심을 끌기 어려웠고, 그의 취향은 매너리즘과 고전주의를 결정했습니다. 로마의 큰 사랑은 미켈란젤로와 라파엘로의 작품을 즐겼습니다. 당시 큰 인기를 끌었던 화가들이 아그네스티와 같은 시오란테, 타데오 주카로, 구원하다, 라파엘리노 다 레지오, Cesars Nebbia 또는 Giuseppe Cerzi, 세계 미술사에 작은 흔적만을 남겼습니다.
미술사학자 칼라브는 “16세기 말에 로마에 도착한 젊은 예술가들은 노련한 대가들이 그린 그림을 온순하게 모방하는 데 그쳤을 뿐만 아니라, 그들의 이상주의를 계승하기도 하고, 예술적 소심함, 그리고 텅 빈 표면적 묘사 방식을 포기하는 것에 대한 두려움. 회화에서, 이 예술가들은 외형적인 유사성에만 만족했습니다. "어떻게든 살아남기 위해, 그들은 대중의 취향에 굴복하고 삶을 꾸미는 일에만 몰두해야 했습니다. Annibale Carracci의 작품이 그 예입니다. 볼로냐에서 로마로 온 사람. 그는 Palazzo Farnese의 갤러리를 장식하도록 위임받았습니다. 이미 그의 창의적인 계획을 실행하는 과정에서, 그는 고객과 대중의 큰 어려움과 불신에 직면했습니다.
카라바조도 마찬가지였습니다. 그는 도시의 가난한 지역에 웅크리고 있었고, 롬바르디아에서 온 다른 많은 이민자들과 같은 장소에서, 같은 실직 예술가, 명령을 기대하며 생존을 시도한 조각가와 석공. 곧, 화가는 Lorenzo Siciliano의 서비스에 들어갔다. 동포들을 만났던 스튜디오에서 롱고 형제.
이 기간 동안, Caravaggio와 그의 동료들은 직장에서 하루를 보냈습니다. 시골을 탐험하고 재미. 연구원들은 헛되이이시기의 예술가의 작품을 찾았습니다. 아마도 그는 자신을 위해 무언가를 썼을 것입니다. 하지만, 확실히, 이 그림은 구매자를 찾지 못했습니다.
그리고 아직, Caravaggio는 부유한 박애주 의자에서 행운에 미소를 지었습니다. 예술적 감각이 뛰어난 사람, 그러나 의심스러운 평판으로 교황청의 고위 성직자, 몬시뇰 판돌포 푸치. 그는 추기경의 형제였으며, WHO, 그런데, 또한 "소심한" Benvenuto Cellini를 돌보았습니다.
고위 성직자는 손재주에 매료되었고, 젊은 예술가의 재능과 그의 불굴, 폭발적인 성격. 푸치는 카라바조를 자신의 집으로 초대했고, 그 존재를 보장합니다. 아티스트, 그의 부분을 위해, 성직자의 친절에 감사하며, 그를 위해 최고의 경건한 교회 그림을 베끼는 일을 해야 했습니다. 푸치 몬시뇰은 그의 모든 작품을 레카나티의 카푸친 수도원으로 보냈습니다. 그가 한 번 태어나 인생의 초기 몇 년을 보냈던 곳. 이 시리즈의 단 하나의 작품도 우리에게 도달하지 않았습니다.
스타일 및 테마
많은 자유시간과 완전한 창작의 자유로, Caravaggio는 그의 작품에 대한 어떤 플롯을 선택하고 오랫동안 그것에 대해 숙고할 수 있었습니다. 이제 우리는 작가의 그림 "도마뱀에게 물린 소년"(1954년경, 내셔널 갤러리, 런던과, 두 번째 옵션, Longy Foundation in Florence)는 Monsignor Pucci와 함께 머무는 동안 만들어졌습니다. 그 그림은 Sofonisba Anguissola의 유명한 목탄화에 대한 일종의 회상이었습니다. 캔버스 위의 청년은 도마뱀이 그를 물어뜯는 순간, 그리고 그는 두려워서 손을 빼냅니다. 회화에서 처음으로, 순간의 움직임을 잡아내 기록했다.
베렌슨에 따르면, Caravaggio의 이 작업에는 "혁신에 대한 보편적인 필요, " 관습을 파괴하려는 욕망. 아마도 여기에도 비유가 숨어있을 것입니다. 소년의 맨 어깨와 귀 뒤에 꽃, 젊은이가 로마 하층 계급에 속한다는 것을 나타냅니다 - 매춘부와 도둑의 세계, Caravaggio는 육체적 고통과 사랑에 필연적으로 수반되는 고통과 관련이 있습니다. 아티스트의 경력 전반에 걸쳐 육체적 고통의 이미지는 영적, 정신적 고통과 불가분의 관계가 있습니다.
Caravaggio는 또한 Pucci에 머무는 동안 그의 유명한 "Lute Player"를 썼습니다. 이제 사진은 Hermitage에 있습니다. 상트페테르부르크에서. 뮤지션의 이미지는 아티스트가 선택한 모델의 매우 전형입니다. 캔버스의 다른 버전이 있습니다. 메트로폴리탄 미술관에 소장되어 있으며, 뉴욕에서. 그 위에 우리는 같은 노는 소년을 봅니다. 그러나 우리는 그 옆에 어떤 꽃이나 과일도 보이지 않습니다.
작가가 악기를 써내려가는 솜씨가 놀랍다. 류트 연주자의 꿈꾸는 듯한 얼굴, 그의 시선의 나른함, 모두가 그 청년이 상상 속 깊은 내면의 세계로 빠져들고 있음을 시사합니다. Hermitage의 그림에 있는 악보에 "Voi sapete chio vato"("당신은 내가 당신을 사랑하는 것을 알고 있습니다")라는 흥미로운 비문을 읽을 수 있습니다. 누가 이 표창장을 보냈는지 궁금합니다. "Musicians"사진에서, 전경은 또한 관객에게 펼쳐진 악보를 보여주고, 반쯤 벗은 가수가 들고 있습니다. 그러나 여기에 그의 손으로 쓴 비문, 지금까지 아무도 읽을 수 없었습니다.
이 시기의 모든 작품이 Caravaggio는 젊은이들에게만 영감을 받았으며(여성 이미지는 없음), 작가의 파격적인 지향성을 암시하기도 한다. 그의 작품에서 첫 번째 여성 이미지는 "회개하는 막달라"라는 그림이었습니다. 1596년경에 그렸다.
Caravaggio가 Monsignor Pucci의 집을 떠난 이유는 알려져 있지 않습니다. 아마도 고위 성직자는 매우 무거운 기질을 가지고 있었을 것입니다. 예술가는 다시 로마의 거리에 나타나며, 생계를 박탈당함. 다행스럽게도, 화가의 오랜 친구, 로렌조 시칠리아노(Lorenzo Siciliano)의 작업실에서 그와 함께 일한 사람 - 예술가 Antiveduto Gramatica, 노숙자와 가난한 카라바조를 보호했습니다. 문법은 대중에게 어느 정도 성공을 거두었고, 그래서 정기적으로 주문을 받았습니다.
그러나 불행은 가난한 Caravaggio를 괴롭혔습니다. 그는 로마 열병에 걸렸다. 반도 전역에 만연한 일이었다. 예술가 Longo의 친구는 그를 Santa Maria della Consolation의 수녀원 병원으로 데려갔습니다. 그들이 치료비를 지불할 수단이 없는 사람들을 데려온 곳. 거기, Caravaggio는 지하에 배치되었고, 사형수로 간주되었던 것입니다.
아주 우연히, 작가는 병원 원장님의 눈을 사로잡았고, 스페인 세뇨르 콘테라스, Monsignor Pucci의 좋은 친구, 지나가다가 카라바조를 알아본 사람. Conteras는 불치병에 걸린 화가를 다른 방으로 옮기고 간호사를 떠나지 말라고 명령했습니다. 이것만으로도 작가의 생명을 구할 수 있었다.
그러나 죽음과 질병의 주제, 금후, 경험의 먼 메아리처럼 그의 많은 캔버스에서 볼 수 있습니다. 예를 들어, 마리아의 승천에서. 그의 구원에 감사하며, Contares 그림을 위해 그린 Caravaggio, 하지만, 안타깝게도, 그들, 그의 다른 많은 작품들처럼 우리 시대에 이르지 못했습니다.
병원에서 보낸 6개월, 고통과 두려움, 수반되는 질병은 예술가의 영혼에 깊은 흔적을 남겼습니다. Caravaggio는 그의 가장 유명한 작품 중 하나를 만들었습니다. “아픈 바쿠스.” Bacchus의 모습은 거울 이미지에 표시됩니다. 창백한 얼굴과 칙칙한 눈은 병후의 작가 자신의 심각한 상태를 나타냅니다. "병든 박카스"에서 우리는 더 이상 삶의 즐거움을 즐길 수 없는 신을 봅니다. 그것을 즐기십시오.
이 그림은 로마의 가장 유명한 화가 중 한 사람의 작업실에서 그렸습니다. 무심한 체사레 다르피노, 그의 집에서 Caravaggio를 보호했던 사람. Cesare d'Arpino는 Caravaggio 자신보다 나이가 많지 않았습니다. 그러나 이미 상류 사회에서 가장 좋아하는 것으로 알려졌으며 교황 궁에서 채택되었습니다. 이탈리아 수도에서 가장 인기 있는 예술 협회 중 하나인 무모한 아카데미(Battista Laura, 미래의 교황 우르반 17세와 토르콰토 타소), d' Arpino는 이성보다 신성을 선호했습니다. 쉼터에 감사의 마음을 담아, Caravaggio는 Cesare d'Arpino의 프레스코화를 위해 나뭇잎과 꽃 화환을 들고 다녀야 했습니다. 이 기회에, 계약을 체결하기도 했다. 카라바조 동시대인의 벽화는 완벽하다고 인정되었습니다.
Cesare d'Arpino Caravaggio는 로마의 부유한 자선가들을 만났습니다. 추기경, 상인, 대사, 뿐만 아니라 좋은 평판을 누리는 유명 예술가:Van Dyck, 얀 브뤼겔, 혹시, 루벤스. 그 중에는 발렌타인, 최근 프랑스의 젊은 예술가로부터 주목을 받은 인물. 나중에 Valentin이 Cesare d' Arpino의 작업장에서 비밀리에 제거하고 Caravaggio의 여러 작품을 판매했다는 가정이 있습니다.
그 무렵, 화가는 자신의 또 다른 걸작인 "과일 바구니를 든 청년"을 만들었습니다. 교황 바오로 5세는 나중에 조카 시피오네 보르게세에게 선물했습니다. 두 그림(이 그림과 "Sick Bacchus")은 1607년 Cavalier Cesare d'Arpino의 작업장에 있었습니다. 그 다음에, 그들은 교황 바오로 5세의 대리인들에 의해 압수되었고, 교황 클레멘스 8세 이후 왕위를 계승한 부채 상환에.
영구적인 소득이 없는 경우, Caravaggio는 Valentin에게 도움을 요청했습니다. 그리고 그는 나에게 종교화를 쓰라고 조언했다. 물론, 교회 그림에 대한 수요는 엄청났습니다. 카라바조는 그 제안을 받아들였고, 그는 물감과 붓을 받았고, 그러나 잠시 후 그는 두 번째 "Bacchus"에서 에이전트 비종교적 작업을 가져 왔습니다.
이 캔버스에서 우리는 건강이 가득한 두꺼운 피부 청년의 형태로 고대 신을 봅니다. 수세기 동안 약간 무거웠던 많은 예술가의 캐릭터에 대한 특징이 있습니다. Bacchus의 머리는 덩굴의 전통적인 화환으로 장식되어 있습니다. 그의 손에는 포도주 잔이 있고, 그리고 탁자 위에는 반쯤 비어 있는 디캔터가 있습니다. 그러나 다른 뉘앙스가 있습니다-화환에 약간 시든 잎, 상한 부패한 과일, 주의 깊게 보는 사람이 생각하게 만듭니다.
전기 작가 Caravaggio Giovanni Ballone은 다음과 같이 썼습니다. 뿐만 아니라 어떤 날카로움과 건조함을 가지고 있습니다. 이 그림은 Caravaggio가 자신의 돈으로 살기 위해 노력했을 때 나온 것입니다. 그의 그림을 판매합니다. " 1916년, 이 작품은 Roberto Longy에 의해 재발견되었으며, 누가 우피치 미술관의 보관소에서 그것을 발견했습니다.
Caravaggio의 탁월한 재능은 300년의 지연으로 평가되었습니다. 고객이 Bacchus를 수락했는지 또는 작품이 판매되지 않았는지 확실하지 않습니다. 어쨌든, 그것의 구현은 주인이 그의 물질적 문제를 해결하는 데 도움이 될 수 없었습니다. 발렌틴, 카라바조의 엄청난 예술적 재능을 믿었던 예술가를 설득하여 종교적인 내용의 작업 실행 명령을 수락하고, 그러나 완고한, 모든 것에도 불구하고, 새로운 작업을 시작했습니다 - 그는 점쟁이를 썼습니다.
캔버스에서 우리는 거리 풍경을 봅니다. 또는 민속 극장의 에피소드 중 하나. 발렌타인은 카라바조에게 탈러 30개를 대가로 지불했습니다! 그후, 이 작품은 Doria-Pamphili 왕자가 프랑스 왕 루이 14세에게 기증했으며 현재 루브르 박물관에 보관되어 있습니다.
작품을 X선으로 조사한 결과, 젊은 점쟁이의 이미지 아래에 체사레 다르피노와 비슷한 방식으로 초기 그림이 있음이 밝혀졌습니다. 아마도 Caravaggio는 단순히 캔버스에 돈을 아꼈을 것입니다. 이 장면의 천박함은 동시대 예술가들을 충격에 빠뜨렸고, 그러나 나중에 또 다른 화가인 프랑스인 Georges de Latour에게 영감을 준 것은 바로 그녀였습니다. 같은 이름과 같은 플롯에 그림을 만듭니다. 돈을 받고, Caravaggio는 즉시 모험을 향해 돌진했고, 싸움, 그리고 말다툼, 교황 경찰이 그의 삶에 대한 엄격한 감독을 다시 수행하도록 강요했습니다.
다음에 무슨 일이 일어났습니까? 발렌타인은 어떻게 변덕스러운 예술가가 올바른 길로 돌아오도록 설득할 수 있었습니까? 아마, 카라바조의 반항적 기질과의 이 투쟁에서, 그는 이 시기의 가장 부유한 미술 수집가 중 한 명인 프란체스코 마리아 델 몬테 추기경의 이름을 사용했습니다. 마침내, 화가는 추기경을 위해 종교적인 주제에 관한 그림을 쓰기로 동의하고, 그것은 그의 작품에서 첫 번째가되었습니다.
진실, 예술가는 주제 선택의 완전한 자유라는 조건을 설정했습니다. Caravaggio는 십자가 처형과 순교의 전통적인 장면을 쓰기를 즉시 거부했습니다. 이미지의 오브제로, 작가는 황홀경이라는 주제를 선택했고, 그의 회화적 태도와 그의 예술적 기질 모두와 일치한다. 그는 기념비적인 작품인 성 프란치스코의 황홀경을 시작합니다. 카라바조는 캔버스의 창작을 단호하게 착수하고, 이 어려운 일을 가능한 한 빨리 끝내기 위해 발렌타인의 집 지하실에 정착했습니다.
작품은 고도로 예술적이어야 했고, 카라바조의 문을 로마의 주요 예술 애호가들의 컬렉션에 개방할 수 있는 걸작. 동시에, 그녀는 그를 유명하게 만들고 부유하고 권위 있는 사람들에게 호감을 얻는 데 도움을 주었을 것입니다. 예술가의 작품에 대한 현대 연구자들은 성 프란치스코의 황홀경을 Caravaggio의 첫 번째 성숙한 작품으로 간주합니다.
혁신의 천재
"성프란치스코의 황홀경"이라는 작품은 많은 논란과 토론을 불러일으켰습니다. 작가 Dominic Fernandez는 그녀에게서 진정한 바로크의 탄생을 봅니다. 그림의 줄거리는 밤의 숲을 배경으로 펼쳐진다. 백그라운드에서, Caravaggio는 불을 피우는 단순한 양치기를 그렸습니다. 그의 빛 속에서, 잠자는 동반 성인의 모습, 레온 형제, 분명히 나옵니다. 성 프란치스코는 신비한 황홀경의 상태에서 낙인을 드러냅니다.
Caravaggio 이전의 누구도 다음과 같이 종교적 황홀의 장면을 묘사하지 않았습니다. 성인은 천사의 팔에 안겨 있고, 매혹적인 청년의 모습을 형상화한, 화가가 가장 좋아하는 모델을 강하게 연상시킵니다. 천사의 모습, 그 뒤에 날개가 있음에도 불구하고, 치솟지 않는다, 그러나 그대로, 땅에 떨어지는. 새로운 표현 수단과 표현 수단을 찾기 위해 노력하고, 작가는 빛의 유희를 높이고 전체 구성을 연극적 재연으로 해결하며, 이러한 방식으로 상당한 예술적 효과를 얻을 수 있을 뿐만 아니라, 그러나 또한 더 많은 설득력이 있습니다.
성 프란치스코의 황홀경은 그의 작업을 수행하여 종교 화가로서 카라바조의 명성을 위한 토대를 마련했습니다. 작가의 다른 기념비적인 작품들이 그 뒤를 이었습니다. 산타 마리아 델 폴로로 교회에서 사울의 개종과 같은. 델 몬테 추기경, 화가의 혁신성을 높이 평가하고, Palazzo Madama에 Caravaggio를 초대합니다.
프란체스코 마리아 델 몬테(Francesco Maria del Monte)는 판티펙스 막시무스(Pantifex Maximus) 궁정에서 토스카나 공작의 대사였다. 그의 거주지는 빌라 메디치에 있었습니다. 추기경은 매우 교육받은 사람이었습니다. 그는 히브리어를 알고, 고대 그리스어 및 기타 동부 언어. 그는 음악과 그림의 열렬한 팬이었고, 항상 새로운 아이디어에 열려있습니다. 이 덕분에, Caravaggio는 그에게 좋은 인상을 남겼습니다. 추기경은 그에게 창조적 자유와 완전한 내용을 주었습니다. Madama의 궁전에 살면서 추기경의 제자로 인식되고, Caravaggio는 인기 있고 유명한 예술가로 변했습니다. 진실, 그들은 그를 존경했을 뿐만 아니라 그러나 그를 미워하기도 했다.
모든 역경으로부터 보호받고, 잘 제공되는, 그리고 어쩌면 사랑에 예술가는 조용한 삶에 익숙해지기 시작했습니다. 어느, 하지만, 그의 그림 언어의 선명도와 선명도에 영향을 미치지 않았으며, 끊임없이 갈고 닦은 것. 그는 가장 극적인 장면을 찾는 데 몰두했고, 그의 아이디어를 구현하고, 그는 풍부한 대조에 의지했고, 빛과 그림자의 놀이, 그의 그림에 활력과 설득력을 부여합니다.
그 동안에, 세기의 변화가 다가오고 있었다. 예술 운동으로서의 매너리즘은 점차 쇠퇴했습니다. 르네상스는 역사가 되었습니다. 낭트 칙령의 시대였다. 유럽의 종교 전쟁을 종식시킨 것입니다. 프랑스와 이탈리아는 동맹을 맺었습니다. 헨리 4세는 마리아 메디치와 결혼했습니다. 미켈란젤로 메리시, 이제 Caravaggio라는 이름을 얻은 사람, 이때 나이는 25세.
추기경의 제자가 되어, 대부분의 작품을 행복하게 구입한 사람, 예술가는 "순간의 분노"라는 영감에 완전히 굴복할 수 있습니다. 그는 종교적인 글을 쓰기 시작했을 뿐만 아니라, 뿐만 아니라 장르 그림. Caravaggio의 "회개하는 막달라"는 놀랍게도 현실적입니다. 그런데, Julia라는 이름의 거리 모델이 화가의 모델로 봉사했습니다. 2 년 후, 그는 "막달라의 순환"이라는 그림을 그렸습니다. 모든 세부 사항에 대한 훨씬 더 힘든 연구로 구별됩니다.
몬테 카라바조 추기경의 집에서 그의 유명한 정물화 "과일 바구니"를 씁니다. 탁자 위에 떠 있는 바구니는 비정상적으로 재료처럼 보입니다. 상큼한 과일과 함께, 주인은 그것을 너무 익은 과일과 시든 잎으로 "채웠다". 이 캔버스는 델 몬테 컬렉션을 장식한 적이 없습니다. 추기경은 Cesare d'Arpino 신사의 작업장에서 나중에야 그것을 발견했습니다. 예술가 자신이 그것을 준 것, 채무에 대한 보상으로. 나중에 그들은 Caravaggio의 정물을 잊었습니다. 최근까지, "과일 바구니"는 네덜란드 회화 학교의 일부였습니다. Longy가 수행한 1919년 과학 연구만이 Caravaggio의 저자임을 증명했습니다.
곧, 예술가는 Palazzo Madama를 떠나 추기경 Maffeo Barberini의 집으로 이사했습니다. Valentin의 고객 중 한 명이었습니다. 친구의 끊임없는 조언과 지도에 영향을 받아, Caravaggio는 다시 종교적 주제의 발전으로 눈을 돌립니다. 그의 아이디어와 원칙에 대한 믿음을 잃지 않고. 작가는 역사와 삶의 극적인 상황을 찾고, 구성 솔루션의 극도로 그들을 강화하고, 빛과 그림자의 놀라운 대비로 그의 작품에 완전히 새로운 사운드를 제공합니다.
작품 “그리스도를 구금”(내셔널 갤러리, 더블린, 아일랜드)와 "이삭의 기증"은 성경 역사의 이야기에 전념합니다. '이삭의 증여'에서 가장 매력적인 것은 아브라함에게 나타난 천사의 형상에 대한 높은 인본주의적 해석이며, 그의 아들에게 단검을 가져옵니다. 천사가 숫양에게 손짓을 하고, 그 소년 대신에 제단 위에 놓아야 합니다.
"알렉산드리아의 성 캐서린" 그림에서 작가는 강철 스파이크가 있는 무서운 고문 바퀴를 배경으로 묘사합니다. Caravaggio는 어두운 부분과 밝은 부분을 연결하여 구성의 균형을 훌륭하게 조정합니다. 작품, 그것은 얼마 동안 델 몬테의 컬렉션에 있었고, 그의 상속자들에 의해 Barberini 가족에게 팔렸고, 그 후 1935년 Thyssen-Bornemisza 컬렉션에 포함되었습니다.
그림 "세례자 요한"은 같은 시기에 속하며, 시스티나 예배당에 있는 미켈란젤로의 벌거벗은 젊은이들의 모습에서 영감을 받은 작품입니다. 그는 또한 또 다른 막달라 마리아를 기록합니다. 베네치아 마스터의 방식으로 수행되었습니다("막달라의 개종"). 이 캔버스에는 막달레나 외에 동그란 커다란 거울에 기대어 우리는 또 다른 캐릭터인 마르타를 봅니다. Caravaggio가 소개한 사람입니다. Martha의 모델은 Filis Melandrone이었습니다. 예술가와 함께 일하면서 St. Catherine을 쓰는 동안.
추기경의 끈질긴 개인적인 요청과 종교적 그림에 대한 큰 요구로 인해 화가는 성서적 주제에 대한 작업을 계속해야 했습니다. 그의 모든 후속 작업은 유럽 미술의 근본적인 방향인 매너리즘에 큰 타격을 입혔습니다.
곧, Caravaggio는 구약에 묘사된 유대 역사의 최악의 순간 중 하나에 캔버스를 쓰기로 결정합니다. 그는 Judith와 Holofernes를 씁니다. 그는 Judith가 아시리아의 폭군 Holofernes에게 잘려진 순간을 묘사합니다. Judith의 모델도 Filis Melandrone이었습니다. 처음에는, 작가는 맨 가슴으로 Judith를 묘사했습니다. 그러나 이후에, 그녀를 코사지로 "덮어야" 했습니다. 여주인공에게서 조금 떨어진 곳에서 노인 하인을 기다리고 있습니다. 그녀는 희생자의 머리를 감쌀 린넨 냅킨을 기꺼이 쥐고 있습니다. 늙은 하녀의 이미지는 레오나르도 다빈치의 "노인의 머리"의 인상으로 Caravaggio에 의해 만들어졌습니다.
"이집트로의 도피 중 휴식"이라는 그림은 종교화의 전통에 대한 수용과 부정을 생생하게 보여줍니다. 하느님의 어머니의 갈색 머리는 아기 예수의 연한 붉은색 곱슬머리와 대조를 이룹니다. 뒤에서 쓰여진 천사가 첼로를 연주합니다. 그의 시선은 요셉이 들고 있는 악보에 고정되어 있습니다. 작가는 성모 마리아의 남편을 맨발의 회색 수염으로 묘사했으며, 그는 가방에 앉아 그 옆에는 반쯤 취한 와인 한 병이 있습니다. 배경으로 삼아, 풍경은 전체 구성을 구성합니다. 그와 꽃과 잎의 패턴은 조르조네의 그림과 문체적으로 가깝고, 하지만, 물론이야, Caravaggio는 그의 재능의 힘으로 그를 능가합니다.
'이집트 가는 길에서 휴식'이라는 캔버스는 대중에게 모호하게 인식되어 다양한 평가를 받았습니다. 하지만, 추기경은 Caravaggio에게 그의 거주지의 천장을 그리는 새로운 명령을 내렸습니다(현재, Boncompany Ludovisi의 빌라가 있습니다). 작가는 1590년대 중반에 주문을 완료했습니다. 이 프레스코는 여전히 벽화 분야에서 카라바조의 유일한 알려진 작품입니다. 화가는 원근법을 소유하는 놀라운 기술을 보여줍니다. 목성의 인물, 해왕성과 명왕성, 프레스코화로 묘사한 26세 예술가의 비범한 능력을 증언한다. 이 작품은 계몽된 미술 감정가들에게 매우 호평을 받았지만, 발렌타인은 예술가에게 더 많은 것을 기대했습니다. 그는 Caravaggio가 San Luigi dei Francesi의 가장 큰 로마 교회의 사도 Matthew의 삶에서 장면을 그리는 주요 계약을 체결하는 데 도움을 줍니다.
이 계약에 따라, 작가는 "사도 마태의 순교"와 "사도 마태의 부름"이라는 두 개의 기념비적인 캔버스를 만들었습니다. San Luigi dei Francesi 교회를 여전히 장식하고 있는 작가의 시대에 확인된 같은 장소에 있다. 그들은 Caravaggio의 삶과 작업에서 새로운 단계의 생생한 증거입니다.
이 그림 같은 앙상블은 예술가의 생애에서 공연된 모든 것 중 가장 큰 것이었습니다. 그리고 그의 작업 결과는 놀라웠습니다. 그가 쓴 기념비적인 작품들, 성경 주제에 대한 혁신적인 시각을 기반으로 한 열띤 토론을 펼쳤고, 성직자들과 예술 감정가들 사이에서. 이것은 놀라운 일이 아니며, XVII 세기 초에 교회 그림과 프레스코가 주목을 받았고 성직자들 사이에서뿐만 아니라 예리한 관심을 일으켰다는 점을 감안할 때, 뿐만 아니라 모든 그림을 사랑하는 사람들 사이에서, 그래서 모두가 화가들의 새로운 작품을 보고 싶어했습니다.
이 주문의 이야기는 다소 이례적입니다. 마테오 콘타렐리 추기경, 예배당을 성 마태에게 헌정하기를 원하는 사람, 그의 하늘 후원자, 교회를 장식하기 위해 화가와 조각가를 초대했습니다. 추기경이 세상을 떠날 당시에는 아직 공사가 끝나지 않았고, 그리고 그 완성에 대한 문제는 수많은 교회 공의회에서 더 논의되었습니다. 콘타렐리 예배당에 소속된 예술가들 중에는 지롤라모 무지아노와 신사 체사레 다르피노, 그는 성인의 삶의 장면으로 교회의 금고와 천장을 그렸습니다. 주의해야 합니다. 그는 예배당의 모든 벽을 프레스코화할 예정이었습니다. 그러나 알 수 없는 이유로 계속 작동할 수 없었습니다. 완성은 Caravaggio에게 맡겨졌습니다. 6월 25일자 계약, 1599년, 작가와 맺은 인연, 살아남았다. 그의 말에 따르면, Caravaggio는 400 스쿠도의 보상을 받았습니다.
사실로, 왜 카라바조에게 선택이 떨어졌는지는 분명하지 않다. 다른 사람이 아니라 그 해에 더 유명해진 로마의 주인. 아마, 예술가의 전능한 후원자인 델 몬테 추기경과 부유한 제노바 자선가이자 귀족인 Vincenzo Giustiniani가 여기서 큰 역할을 했습니다. 물론이야, 화가는 그에게 주어진 영예에 아첨을 했고, 그리고 즉시 작업에 착수했습니다. But here one problem became clear:Masses regularly served in the chapel of Contarelli, and therefore it was impossible to establish the forests necessary for creating large-format compositions. Caravaggio offered his way out of the situation - he decided to make large-format oil paintings on canvas of 3.40 x 3.24 meters in oil! None of his contemporaries have yet completed orders of this magnitude. After a little thought, the clergy agreed.
The painter did not meet the deadlines stipulated by the contract and submitted his work several months later. He completed the “Martyrdom of the Apostle Matthew” in time for early 1600. Caravaggio repeatedly changed the composition of the canvas in search of the most successful solution. The painter depicted the scene, which took place in the courtyard of the king of Ethiopia, who ordered the execution of St. Matthew, who preached the gospel there. The executioner, holding his sword at the ready, was already bending over the resisting martyr to kill him. An angel extends to the saint a palm branch - the emblem of martyrdom for faith. In the distance stands a young man with a tender face, involuntarily trying to distance himself from the terrible scene that is taking place. The fleeing boy turns away, his face expresses unspeakable horror. In one of the characters of the canvas, Caravaggio himself can be seen as a witness to this crime - a middle-aged man with a beard and an exhausted expression on his face. This is the artist’s third self-portrait.
The painting “Martyrdom of the Apostle Matthew” conquers, first of all, with realistic authenticity, emotional richness and utmost convincingness of images. Hermann Foss writes:“At a time when Caravaggio began to use the lighting method he invented in developing multi-figure compositions, he felt the need to abandon the linear-planar image means used by Zuccaro and Giuseppino. His competitors did not hesitate to make critical judgments. One of the theorists of Roman mannerism, the artist Zuccaro, spoke as follows:“A lot of noise from nothing! I see nothing here but a copy of the Giorgione style! "
Recognition of talent
The painting “The Calling of the Apostle Matthew”, executed a few months later and set in a chapel next to the composition “Martyrdom”, provided further food for conversation. The artist showed the mystery of “Calling” in the form of a scene from Roman everyday life. Realizing his bold plan, Caravaggio chooses the location of one of the Roman taverns, in which gamblers are usually found. In the original, an episode of the gospel story takes place in a room that meets modern customs. 결국, it is about the main tax collector, the chief tax collector who controls the collection of taxes.
In the canvas, light falls from above and illuminates only the right side of the room. The only window is tightly closed and appears walled up. The painter depicted a situation completely unsuitable for performing the sacrament of conversion, 하지만, it is here that Jesus appears. Entering, he points with his hand to the chosen tax collector, and this gesture is somewhat reminiscent of the movement of the hand of the god of hosts, from the fresco "Creation of the World" by Michelangelo.
마침내, Caravaggio becomes famous. He convincingly proved that in painting a harmonious combination of the divine with the everyday is possible. Jesus’ appearance in the tax collection office, shown on his canvas, does not look blasphemous. 진실, this innovation in church painting caused endless debate. 그럼에도 불구하고, the executors of the will of Cardinal Contarelli were satisfied and immediately instructed the artist to fulfill the central image for the church altar. The motive of the last image was determined in advance - the Apostle Matthew and the angel. The painter on time presented the work to customers, but it was rejected due to the fact that Caravaggio endowed the image of the saint with the characteristic features of a simple peasant, depicting him bearded, bald, with bare and dirty legs.
Under the pressure of the clergy, Caravaggio presents the second version of the picture, with a completely different interpretation of the plot. In the second version of the work, the painter refuses to demonstrate the emotional closeness between the apostle and something an angel whispering in his ear. The altar image of St. Matthew, created by Caravaggio, can still be seen today in the chapel of the church of San Luigi dei Francesi. The artistic ensemble of three monumental canvases for a long time remained in the darkness of the basement of the chapel of Contarelli in complete oblivion, until he was "revived" from oblivion by Roberto Longa. The first show of these works took place in 1922 at an exhibition organized in Florence.
These sensational paintings brought Caravaggio unprecedented success. He immediately received a new order. Now the artist had to do work on a religious theme for another chapel, standing on the most beautiful square of Rome - Cherazi in the church of Santa Maria del Popolo. The chapel, located to the left of the altar, was bought by the Cherazi family for the family tomb.
It was 1601, Caravaggio finally had students, one of whom, Giovanni, even moved to his teacher, in the basement of the Palazzo del Monte. The artist, meanwhile, was completing the Assumption of Mary painting for the chapel of Cherubini in the church of Santa Maria della Scala in Trastevere, commissioned by the mendicant Carmelite monks with the direct mediation of Marquis Giustiniani.
The canvas "Assumption of Mary" was to become the largest in the altar of the chapel. The composition of the picture shows us the dying Mary. Her room is poor, the whole wretched environment consists of a towering bed, a chair and a washing vessel. The deathbed is covered by a large red curtain that hangs directly from the ceiling beam. Longy notes:“The picture tells us what the death of a woman from the common people looks like… The pain of everyone standing by the bed is impressive and receives unlimited power of influence thanks to a stream of light that fights shadows, falling from the left and illuminating the flickering flaming colors from the inside. The sorrow and shock of those present, expressively emphasized by the lighting, seem infinitely huge, inexhaustible. "
당연하지, the Carmelite monks rejected the picture. It was not without rumors. Did the artist not invite a woman of easy virtue as a model for the main character? Caravaggio depicted the body of the deceased Maria in such a way that everything indicated a severe illness. Even the foreground image of a bowl of vinegar water, designed to wash the dead, was itself blasphemy and alerted the church. It should be recalled that a year earlier in Rome, Giordano Bruno, who rejected religious dogmatism, was burnt at the stake of the Inquisition.
The Assumption of Mary product did not find a buyer for a long time, until the Mantuan Duke of Vincenzo Gonzaga purchased it for his own collection on the advice of Rubens. Rubens was delighted with the courage and power of Caravaggio’s painting, his skill in transmitting light and shadow. The Assumption of Mary work, like most of the duke’s collection, was sold to Charles I in England in 1628. For some time after the death of the king, the painting belonged to a Paris banker, then it was acquired by Louis XIV.
이 기간 동안, Caravaggio again begins to meet with his friends from poor neighborhoods, and does not at all try to conclude a profitable contract with the church of Santa Maria del Popolo, which Valentine is very worried about. 그럼에도 불구하고, the painter agrees to write a monumental painting for the wealthy banker Marquis Giustiniani - “Crowning with a crown of thorns”. The original version of the picture, which was long considered a copy, was identified only in 1974, it is in the Prato Art Gallery.
In addition to her, the master, for an incredibly short time, writes another large-sized work - “The Position in the Coffin”, which is now in the Vatican. In this work, his extraordinary vision of light and shadow and his talent for working with “revived” colors were surprisingly manifested. The painting was Caravaggio’s only work on a religious theme, without delay and positively received by customers from the church of Santa Maria in Vallicella, speaking on behalf of Monsignor Vitrici. 나중, Rubens made a copy of this work, slightly changing the composition.
곧, an important contract with the church of Santa Maria del Popolo for 400 scudos, with the direct assistance of Valentine, was concluded. This money allowed Caravaggio to pay off debts and gain some independence. 처음에는, according to the contract, the artist was supposed to write paired works of small format, executed on cypress boards, 하지만, 결국, Caravaggio painted them on canvas with oil paints. The plots were proposed by Senor Cherazi:“The Crucifixion of the Apostle Peter” and “The Conversion of Saul”. Most likely, the painter enthusiastically fulfilled this order, which was classical in every respect.
그럼에도 불구하고, the clergy strongly rejected the first version of the paintings created by the artist, which gave rise to the creation of their second versions. The original version of the painting “The Crucifixion of the Apostle Peter” is in the Hermitage, in St. Petersburg, while the first version of the “Conversion of Saul” is lost. The second version of The Crucifixion was created with such utter realism and so convincing that the Carmelite monks accepted it with fear. Caravaggio portrays executioners who are trying to raise a large cross with the saints nailed to it. The artist painted the apostle Peter with a sitter, who posed for him for the painting "Rest on the Flight into Egypt" and paintings located in San Luigi Lei Francesi. The "Crucifixion of the Apostle Peter" was accepted by customers, although with some discontent.
The painting “The Appeal of Saul” was twice rejected by the monks before it was placed in the chapel of Cherazi. The fact was that such an interpretation of the biblical plot, as in the painting “Assumption of Mary, ” was an unthinkable provocation. It is enough to note that almost the entire space of the canvas is reserved for the image of the horse. One of the prelates of the church of Santa Maria del Popolo stubbornly disputed this artistic decision with Caravaggio himself. A church servant recorded this conversation for the story:“Why is the horse in the middle, and does the Apostle Saul lie on the ground?” - “So it is necessary!” - “Should this horse replace God?” - “No, but it stands in the light of God.”
Berneson notes that "… Caravaggio anticipates something from the sculptors of our time…". Roberto Longi believes that both canvases from the church of Santa Maria del Popolo are vivid proof of the artistic genius of the master. “Caravaggio’s experiments in the field of painting finally allowed him to apply the reduction of deep shadows, and this, 물론이야, increased the impact of his tragic and courageous realism… Caravaggio completely changes the traditional iconography. Perhaps this is the most revolutionary picture in the history of religious art, which helped to make an important turning point in the colossal spiritual development of society, ”he writes. Anthony Blunt is more concise, but argues that it was this painting by Caravaggio that inspired Georges de Latour to create the painting "St. Joseph the Carpenter."
Due to being late with the execution of the order, Caravaggio was fined 100 scudos. Works from Santa Maria, as well as paintings from San Luigi, were gradually forgotten. One of the reasons for this was the too high placement of paintings in the premises of the church. Both the "Conversion of Saul" and the "Crucifixion of the Apostle Peter" were located in partial shade under the ceiling, so that it was almost impossible to make out. Only in the 20th century did their rebirth take place.
The artist was very sensitive to criticism. Absorbed in indignation and resentment, he plunges headlong into a wild life. For months, Valentine had not heard anything about him. And Caravaggio wandered around the outskirts of Rome with a young groom named Benedetto and his friend Lionello Spada. 하지만, Valentine still managed to get on his trail. Having sought out the painter, he suggested that he create a series of paintings on famous mythological subjects. So the paintings “Narcissus” and “Cupid the Victor” (1603) were born.
The canvases put up for sale provoked extremely hostile criticism from art dealers, who considered them indecent. Perhaps the model for the figure of Amur, depicted by the painter as a very earthly, playful child, was the groom Benedicto. Armed with arrows, the little boy, unashamedly, taunts the symbols of love, 미술, power and power. The work has a meaningful inscription:Amor vinciti omnia ("Love conquers all"). 게다가, there were rumors that Amur the Conqueror was created as a parody of Michelangelo’s famous Victory statue in the Vecchio Palace in Florence. Others saw in it a hint of the image of St. Bartholomew from the fresco "The Last Judgment" of the Sistine Chapel. 물론이야, Caravaggio laid bare the homosexual theme in the work of his great predecessor.
Spoiled reputation
The period from 1602 to 1606 was filled not only with creativity, but also with adventurous adventures, constant clashes with the servants of the law, and the payment of countless fines. 예를 들어, a certain Girolamo Spampa painter wounded with a sword for offensive reviews of his works. 조금 후에, he was accused of composing and publishing defamatory verses about the painter and his future biographer Ballon. This happened just when the artist finished the work of Ascension for the Roman Church del Gesu. 그 다음에, for the composition of the sensational libelous libel (which was not forgiven in Rome), the painter was sent to Torre di Nona prison, even there managing to behave in a bad way. The statements of Caravaggio, replete with insolence, lies and slander, did not contribute in any way to the indulgence of the judges.
If it were not for the intercession of two, or even three cardinals and the Marquis Giustiniani, Caravaggio would inevitably have received a long prison term, given the many previous convictions. But the artist repented, promised not to commit any more unseemly acts, and even asked for forgiveness from Ballon, after which he was released. So he had the opportunity to finish the work "David with the Head of Goliath." In it, the artist freed himself from the influence of mannerism and gave a completely new interpretation of space and light. Three years later, Caravaggio wrote another version of this canvas. Soon he signed a contract for the creation of the monumental work "Madonna di Loreto", for the chapel of Cavaletti in the Roman church of Sant Agostino. The artist set to work, but this work did not bring him happiness. Despite the warningsCaravaggio invites him to pose for a prostitute from Piazza Navona named Helen.
The former notary public, Mariano Pascvalone, openly expressed his indignation at this fact. This or something else caused a strong conflict between the painter and the notary, which ended up with the bloodied Pascvalone appearing in the courtyard and explaining that he was beaten up by the artist Caravaggio in front of the palace of the Spanish ambassador. The scandalous and criminally punished incident forced Caravaggio to urgently leave Rome.
He travels to Genoa in 1604 and receives the patronage of the Duke Marzio Colonna, who was his protector since his studies in Milan. 거기, Caravaggio receives an offer from Prince Marcantonio Doria, who wished that the artist painted his residence in frescoes. But the painter refuses a lucrative contract. Now in the gallery of the Palazzo Bianchi is Caravaggio’s work “The Man” (Ecce Homo, 1606), 어느, perhaps, was written precisely at this artist’s visit to Genoa. 진실, this is not proven.
Suddenly, the notary Mariano Pascvalone withdraws his complaint against Caravaggio and the artist returns to Rome. There he ends the Madonna di Loreto. On this incredibly popular painting Virgin Mary is depicted “floating in the sky” inside the space of the altar. The artist decides to present her in a simple peasant guise at the moment when she meets two barefoot, dirty pilgrims with touching meekness and reverence. The face of the Madonna is filled with infinite modesty, and the Baby Jesus, whom she holds in her hands, looks at the elders with a mixed sense of curiosity and anxiety. The interpretation of the pilgrim images is especially impressive in the work.
사진, as always, caused a lot of controversy and endless discussions, during which the painter appeared both new fans and new irreconcilable enemies. The priests of the church of Sant Agostino could not decide to accept the work and, 그러므로, pay for the contract of Caravaggio. A letter from one clergyman is preserved in the state archive of the city of Modena, where he describes the artist’s problems with justice and his trial in the judicial curia.
Soon a new incident occurred, 어느, 물론이야, only exacerbated the situation of the painter. At a fun meal in Albergo del Moro, the boy-waiter indiscreetly and casually served Caravaggio, and he threw a plate of artichokes into it. This led to a brawl and the troublemaker was arrested. The artist again appeared in the court yard, which he left only thanks to his patrons. Trying to somehow rehabilitate himself and justify himself, Caravaggio takes an order for two canvases:"St. Francis with a Skull" and "Writing Jerome", intended for the church of Capuchin monks.
Around the same period, the work “Christ in the Olive Grove”, destroyed in 1945 during the bombing of Berlin, dates back. We can only see copies of it now. During the same years, Longo dates “John the Baptist” from the Borghese Gallery and another version of the painting “Christ at Emmaus”, which is now in the Pinacoteca di Brera in Milan.
This period was the most fruitful for all the time Caravaggio was in Rome. In the second version of the painting “Christ at Emmaus”, the artist achieves supreme mastery in the compositional construction of the picture, in which the figures of five biblical characters fill almost the entire space of the canvas.
The patronage of the Duke of Colonna helped make Caravaggio’s orders increasingly numerous. 지금, his creative genius could be fully revealed, and the award to the artist was not long in coming. Despite the painter’s notoriety, Cardinal Shipione Borghese’s nephew received permission from Pope Paul V himself to entrust Caravaggio with the execution of the image of the Madonna for St. Peter’s Basilica.
Absolutely all the Roman painters of that time dreamed of working in this largest cathedral in the world. According to the terms of the contract, it was necessary to decorate the most important altar of the Palafrenieri chapel, one of the most notable families of Italy, which included Pope Paul V. The commission of the cardinals from the church council specifically Caravaggio was an excellent opportunity for the artist to completely restore the damaged reputation and establish his position as one of the best painters of Rome, and all of Italy.
하지만, as always, Caravaggio’s obstinacy ruined everything. Despite the advice and warnings, the artist again invites street model Helen as a model. He fulfills the order unusually quickly - all work on the canvas was completed in just three days, after which it was presented to the public.
It was an indescribable collapse of all the ambitions and hopes of the painter. Never before had Caravaggio been able to advance so much in a realistic interpretation of the gospel story and the vitality of the images. 예상할 수 있듯이, most of the public considered the work monstrously vulgar. The Madonna Palafrenieri was categorically rejected by the clergy, and the doors that could open the artist the path to fame and fortune were closed forever. “We do not see anything in this picture except vulgarity, sacrilege, lack of divinity and beauty, ” wrote one of the secretaries of the Cardinals Council. 그 다음에, like his rivals:cavalier Cesare d’Arpino, Pomerancho, Passignano and Giovanni Ballone and others, actively climbed to the top of fame - the Academy of Saint Luke herself, on the way being awarded the honor of receiving a knight’s cross, Caravaggio forever lost the opportunity to be recognized by high society and papal authority.
The painter again goes into all seriouss and soon again finds himself in Torre di Nona prison. Now we are talking about a more serious crime. One of the papal guards was found dead, watching the artist at night - someone broke his head with a stone. The painter tried to prove his innocence:he assured that the stone accidentally fell off the roof just at the moment when this man passed there. But the court rejected this version, and Caravaggio was imprisoned.
The artist was shackled and interrogated for a long time, he was even sentenced to beating with sticks. Perhaps this suffering Caravaggio then reflected on the canvas "Flagellation of Christ", which he will write later in Naples. Friends feared for his life and saw his salvation only in flight.
Caravaggio’s escape from prison was a success, but now he has been blacklisted by the papal police. Neither the artist himself, nor his friends, had any idea how to get rid of the persecution. But the most regrettable is the fact that the artist did not want to learn from his mistakes.
In the harbor of Ripetta on the banks of the Tiber River, Caravaggio again resumed his adventures and fights, periodically hiding in the Palazzo Colonna. May 29, 1606, during a ball game on the Field of Mars, the artist accused Ranuccio Tomassoni of deceiving his partner. This led to a fight. Weapons were launched, 결과적으로, Tomassoni fell dead. The painter was also wounded, but managed to escape.
After this scandal, his friends were detained, and he himself was sentenced to death. 그 때 당시, such a sentence meant that every law enforcement officer, anywhere and anytime, upon detection of a fugitive, could execute the sentence.
Caravaggio cried out for help to his patrons, but they were already tired of the endless requests of the artist, who did not want to behave prudently. Weak and sick, the painter had to hide again. He wanted to take refuge in the lands of the Column or in Lacy located outside the Roman limits.
At the age of 35, the painter enters the last period of his life. Rome never promised him wealth, 하지만, but provided him with the means of subsistence sufficient for the development of his genius. Caravaggio never returned to the Eternal City. Although every minute he hoped for a return, hiding in a secret shelter. The fugitive, poisoned by illness, hatred and the threat of death, begins to write his masterpieces at an incredible, “inhuman” pace. His latest works are filled with passion, grandeur and strength.
Balancing on the brink
Having fled from Rome in May 1606, Caravaggio, who had the glory of one of the best painters of the Eternal City, did not expect pardon, so he preferred to move away from the papal detectives. Without hesitation, he headed to Naples - a large, densely populated city, literally glowing with new ideas, artistic movements and revolutionary spirit.
여기, the artist almost immediately receives an order from a wealthy Ragus merchant. Caravaggio creates a large altar image “Madonna with the rosary” for the altar of the Dominican church, which has a second name - “Madonna del Rosario”. This canvas marked the beginning of a new stage in his work.
The finished work caused a conflict between the artist and the Dominican monks, who recognized themselves in the characters depicted on the canvas. This contradicted the traditional concept of religious painting. The painter uses sharp contrasts of chiaroscuro for emphasized volumetric, very material transmission of forms, while the pictorial techniques themselves indicate the artist’s return to his early style of writing.
결과적으로, the painting was bought by the painter Louis Finsonius from Bruges. He sent her to Antwerp, where the art association, which included Rubens, Van Balen and Jan Brueghel, acquired it for the Dominican Cathedral for 1800 guilders. In 1781, Joseph II, king of Austria-Hungary, bought it from the monks, having come in complete admiration.
The new order, soon received by Caravaggio, was also not appreciated by the customer. This time, the artist was supposed to write a canvas for the church of Pio Monte della Misericordia. The customer was the head of the city curia. The painter was instructed to create the monumental trans-altar image “Seven Works of Mercy”.
The master decides to combine seven episodes described in the Gospel of Matthew in one canvas. The painting, like the Madonna del Rosario, is distinguished by a Neapolitan style, which was especially pronounced in the character of the characters and the composition. Rich and poor, plebeians and nobles are united in one night scene. A simple woman from the people at the door of the prison breastfeeds the old man:“for I was hungry, and you gave me something to eat” (“Gospel of Matthew”). Nearby, a thin gentleman takes a sword to cut off a piece of cloth from his cloak and cover him with a beggar. The owner of an overnight stay gives a thirsty person a drink, and the latter, like Samson, uses a donkey’s jaw instead of a bowl. Another character in the picture meets the emaciated wanderer and sacrifices his traveling clothing to him. And the last act of mercy captured by Caravaggio is the burial of the deceased.The deceased is carried out from around the corner of the house, a wall hides part of his body.
Opinions of both contemporaries of the artist and critics of our century differ. Someone considers the picture grotesque, someone sees in it the “last flash” of the genius of Caravaggio. But one thing is obvious, this is an unusually highly artistic, masterful work, which had an undeniable influence on Rembrandt, Velazquez and Franz Hals. Ribera directly borrowed from Caravaggio the figures of the wanderer and the host of the inn, for his painting “Five Senses”.
For an eight-month stay in Naples, the artist created two versions of the painting “The Flagellation of Christ”, which became the artistic embodiment of the torture experienced by Caravaggio in Rome. Mina Gregory writes of the first version:"Darkness emphasizes the inner strength of Christ." The scientist Roberto Longi considers this work one of the most amazing in Caravaggio:"Cruelty, ruthlessness, atrocities and infinite fear of God are in conflict with each other."
On both versions of the picture we see the same faces of the tormentors, which suggests the personal vengeance of the artist to the guards of the prison in which he was imprisoned. For several months, the persecuted criminal Caravaggio became the most fruitfully working and famous artist of Naples. 하지만, he suddenly leaves the city and heads for Malta.
The reasons for this are unknown. Perhaps Caravaggio found out about papal spies, or maybe decided to become an honorary knight of the Order of Malta. In July 1607, the artist sailed on a ship to La Valletta, the capital of the Knights of St. John of Jerusalem, the noble defenders of the Christian faith from Maghreb pirates and Islam. The Maltese period of Caravaggio’s work was remarkable for its unprecedented fertility. The painter spent less than six months on the island, but all this time, he wrote at an incredible pace, creating a number of works on genre and religious themes. The paintings of this period were very different from everything created by Caravaggio earlier. So much so that for a long time, these canvases were attributed to other authors.
As soon as he arrived in Malta, the artist received an offer to write Jerome for one of the chapels of the Cathedral of San Giovanni dei Cavalieri. The work was incredibly liked by the great master of the order - Alofude Vinyakur. He immediately offers Caravaggio to create the monumental painting “The Beheading of the Head of John the Baptist”.
The canvas "The Beheading of the Head of John the Baptist" has received widespread recognition. Artists from all over Europe specially came to see him. The picture is dominated by light and empty space, the viewer almost physically feels the last convulsions of the body of a decapitated martyr, spread out on the floor with his hands chained behind his back. The executioner seemed to have just raised his sword. Salome holds the cup to receive the head of John. An old woman resembling Magda from Caravaggio’s work “Christ at Emmaus” clutched her head in utter despair. Two prisoners are watching through what is happening in their cell. Pietro Ambrodzhiani writes:"The idea itself is born that the artist conveyed his personal memories in this picture." On the original frame of the work is the coat of arms of Alof de Vignacour.
The painting “The Beheading of the Head of John the Baptist” was the only work signed by Caravaggio. The artist’s autograph can be seen in the bloody trail from the head of the martyr. Perhaps this painter equates himself to the victim. The letter “F” in front of his name means “fra” (“brother”), which means that Caravaggio was already included in the Order of Malta at the end of the painting.
The Grand Master instructs Caravaggio to paint his portrait. The artist willingly began work on "Portrait of Alof de Vignacour". But the painter’s restless disposition did not give him rest. He could not resist making a note of sarcasm, scandal and life itself in a solemn and pathos canvas.
Next to the terrifying look of a knight in archaic armament, Caravaggio portrays a beautiful page carrying a train of his master. The work, revolutionary in terms of its influence, really shocked the church environment. The image of a knight vowing celibacy and his attractive page with a provocative look was incredibly famous.
From this picture he made drawings in his Delacroix albums. Manet also turned to this work while working on the painting “The Child with the Ball” (Metropolitan Museum of Art, 뉴욕). Louis XIV bought the “Portrait of Alof de Vignacour” in 1670 for 14, 000 livres. 물론이야, the picture became the occasion for another scandal.
동시에, Caravaggio creates his “Sleeping Cupid”, the artistic image of which resembles a child in the “Madonna Palafrenieri”, but this time it is written more modestly:the penumbra hides its floor. These two works again brought to the painter the wrath of those in power. 곧, the convert “Honorary Knight” was captured, beaten and imprisoned by Sant’Angelo.
The indictment has not been preserved in the archives of the order, but there is other evidence that the "brother of Michelangelo" was convicted in an attempt to seduce the young son of the minister or inspector of the order. The fact that the sentence disappeared may indicate that the clergy tried to hide it. Righteous knights were overcome by anger. In a different version, the artist became a victim of a conspiracy of the brothers of the order, outraged by his “inappropriate” work “Sleeping Cupid”. All this taken together was the reason for the exclusion of the painter from the order “as a spoiled and dishonoring brother”.
Caravaggio managed to escape from prison and move to the island of Sicily. For some time, the painter remained in Syracuse, where he created the painting "Burial of Saint Lucia" for the local church. This was his first order in Sicily.
And here, Caravaggio’s artistic
