위대한 화가이자 뛰어난 외교관인 Diego Rodriguez de Silva Velazquez는 17세기 예술 시대의 가장 빛나는 상징 중 하나가 되었습니다. 재능있는 예술가, 필립 4세 왕의 애무, 바쁜 삶을 살았고 세계 회화의 놀라운 걸작을 만들었습니다. 그의 작품, 다양한 비평가들에게 불리며, 때로는 중요하고 진지하게, 때로는 차갑고 신비롭게, 수세기 동안 전 세계 예술 애호가들의 마음을 사로잡았습니다.
벨라스케스의 모든 그림
초기 청소년
디에고 벨라스케스의 정확한 생년월일, 귀족의 아들, 포르투갈에서 온 이민자, 스페인 세비야에 살았던 사람, 알려지지 않은 채로 남아 있었다. 우리에게 남은 것은 6월 6일의 기록뿐입니다. 1599년, 지방 교회에서 장래의 위대한 스승의 세례를 증거하는 것입니다.
디에고는 처음부터 운이 좋았고, 그의 부모는 그림에 대한 소년의 열정을 좋아했고 일찍 그를 가장 유명한 지역 화가인 Francisco de Herrera Elder(1576-1656)의 스튜디오로 보냈습니다. 그 당시에는 이렇게 말해야 한다. 세비야는 번성하는 항구 도시일 뿐만 아니라 스페인 전역에서 수도원으로 유명했으며, 실크 생산, 뿐만 아니라 시인, 작가와 아름다운 화가.
젊은 예술가는 훈련에 매우 부지런했고, 그리고, 초기 전기 작가들에 따르면, 그는 모든 것을 문자 그대로 "즉석에서" 파악했습니다. 하지만, 불과 1년 후, 그는 Herrera의 작업장을 떠났고, 그것은 유서 깊은 화가의 극도로 어려운 성격 때문이었습니다.
하지만 선생님 없이는 디에고는 머물지 않았다. 그는 다른 재능 있는 예술가이자 매우 정중한 사람인 Francisco Pacheco(1564-1645)의 스튜디오에 즉시 받아들여졌습니다. 교회 회화에 대한 종교 재판의 전문가이자 학자로서, 파체코는 인본주의 사상을 좋아했고, 예의 바르고 반응이 좋기로 유명했다. 다각적인 교육을 받은 교사는 청년의 예술적 능력을 드러냈을 뿐만 아니라, 또한 그를 사회의 상위 계층에 소개했습니다. 앞으로 그에게 후원을 제공합니다. Diego Velazquez가 미래의 유명한 조각가이자 건축가인 Alonso Cano와 재능 있는 예술가 Francesco de Zurbaran을 만난 것은 그의 작업실에서였습니다. 모든 의미에서 Pacheco는 Velazquez를 믿었습니다. 그리고 예술가로서, 그리고 사람으로서. 그는 1618년에 그를 위해 15세 딸과 결혼하기까지 했습니다.
디에고 벨라스케스(Diego Velazquez)가 세비야 예술가들의 회사에 합류했을 때 17세의 나이에, 그 후 그의 독립 경력이 시작되었습니다. 곧, 디에고와 파체코의 딸, 후아나 미란다, 이그나시아와 프란시스코라는 두 딸이 있었습니다. 하지만, 그 중 첫 번째, 이그나시아, 아주 작을 때 죽었다. 그러나 젊은 예술가, 그는 가정적인 가장의 삶을 시작했지만, 그의 경력을 잠시도 잊지 않았습니다.
벨라스케스의 꿈은 스페인 왕의 궁정화가가 되는 것이었다. 목표에 더 가까이 다가가려면, 예술가는 마드리드에 간다. 거기, 1622년 그는 "시인 Luis de Gongor-i-Artte의 초상"(Museums of Fine Arts, 보스턴), 법원의 중요한 사람들로부터 더 많은 관심을 끌고 있습니다. 하지만, 이 시간, 그 화가와 군주 필립 4세의 반가운 만남, 일어날 운명이 아니었다. 벨라스케스는 아무 것도 없이 세비야로 돌아오고, 그가 계속 일하는 곳.
가정 그림
경력 초기에는 벨라스케스, 매우 관찰력이 뛰어난 예술가로서, 풍속화에 관심을 갖게 되었다. 당시 세비야는 매우 활기찬 도시였습니다. 거리의 많은 장인들과 빈민들과 수많은 선술집에서의 바쁜 삶.
마스터의 첫 작품, 명성을 얻은 사람, 수많은 장인들의 일상에 바쳐진 대화에 참여하는 요리사와 견습생, 요리나 청소. 이 장르는 "bodegones"(스페인어로 "bodegon"이라는 단어는 "선술집, 선술집"). 이 시리즈의 캔버스는 어둡고, 가장 자주 전통적인 배경. 서민들의 일상적인 식사는 배열된 항아리로 묘사되었고, 안경, 접시와 빈약한 식량, 테이블이나 흰색 식탁보의 보드에 직접 배치됩니다.
그림 "The Old Cook"(1618년경, 스코틀랜드 국립 미술관, Edinburgh)가 이 장르의 대표적인 예입니다. 어두운 부엌에서 계란 아침을 준비하는 피곤한 할머니. 요리를 기다리는 소년, 보기에, 누군가의 제자 또는 히로인 자신의 하인. 청년은 한 손에 포도주 병을 쥐고 다른 한 손에는 잘 익은 수박을 들고, 분명히 테이블에 모든 것을 제공할 준비를 하고 있습니다. 선술집의 허름한 내부는 거친 블록으로 표현되고, 그 위에 토기 접시가 서 있고, 요리사와 오래된 고리버들 바구니 뒤에 매달려 있는 짧은 국자. 전체 그림은 이 노부인이 이곳에서 보내는 단조로움으로 가득 차 있다.
선술집의 비참한 장식과 함께 덜 우울한 줄거리가 "탁자 위의 두 청년"(1618년경, 웰링턴 박물관, 런던). 여기 전경에서 깨끗한 접시 더미가 어떻게 보이는지 알 수 있습니다. 토기 주전자, 거꾸로 된 철 컵, 나무 푸셔가 건조됩니다. 근처에 구겨진 걸레가 놓여 있고, 분명히 수건 역할을합니다. 한 청년이 그의 술을 마셨고, 그리고, 테이블 위로 구부리고, 조용히 친구와 이야기를 나눈다.
평범한, 단순한, 그리고 이 그림들의 차분한 줄거리는 벨라스케스의 그림에 대한 세비야 청중들의 다소 경멸적인 태도의 이유가 되었습니다. 예술 애호가들은 그림이 "예술"이라는 명성에 비해 너무 "세속적"이라고 생각합니다.
그림 "아침 식사"(1618 년경, 국립 에르미타주 박물관, 세인트 피터스 버그), 같은 계열에 속하는 기분이 약간 다릅니다. 캔버스에, 화가는 존경할만한 노인과 함께 두 명의 쾌활한 젊은이를 묘사했습니다. 선술집에서 열리는 이 삼위일체 잔치 중 적어도 하나는 고귀한 기원을 가지고 있습니다. 이것은 벽 중앙에 걸려있는 챙이 짧은 모자로 증명됩니다. 칼, 그리고 결코 백설 공주 칼라가 아닙니다. 그럼에도 불구하고, 식탁 위의 음식은 매우 부족하다. 회사 전체의 분위기를 망치지 않습니다.
한 청년, 미소, 엄지를 치켜세웠다. 그리고 행복한 표정의 두 번째는 채워진 와인 한 병을 보여줍니다. 수염 난 노인만이 친구들을 싱긋 웃는 얼굴로 바라봅니다. Velazquez의 이 사실적인 그림은 아마도 그의 시리즈 "bodegones"에서 유일한 것일 것입니다. 어디, 묘사된 상황의 둔한 배경과 빈곤에도 불구하고, 캐릭터는 낙천주의와 평온한 젊음으로 빛납니다.
캔버스 "마리아와 마르다의 집에 계신 그리스도"(1620년경, 국립 미술관, 런던)은 완전히 다른 분위기로 포화 상태입니다. 사진에서 우리는 절구에 뭔가를 부수고 있는 젊은 요리사를 봅니다. 그녀 앞의 테이블에는 접시에 계란 두 개, 컵에 담긴 생선과 마늘 머리. 한 여자가 음식을 준비하고 있습니다(여기서 물고기는 그리스도의 상징입니다). 인생에 지혜로운 그녀의 오랜 대화 상대는 복음 이야기를 들려주는 그림을 가리킵니다.
구성으로 따지면, 우리는 "그림 속의 그림"의 고전적인 버전을 우리 앞에 가지고 있습니다. 두 개의 플롯이 의미가 밀접하게 겹칠 때. 자매 마리아와 마르다는 그들의 집에 오신 그리스도의 말씀을 듣고, 집안일을 떠납니다. 게다가, 하나님의 아들의 축복의 몸짓은 묘사된 두 플롯으로 확장됩니다. 그리고 마리아와 마르다의 집으로, 그리고 메인 그림의 줄거리에서 빈약 한 식사. 그래서 작가는 쓰기의 성경적 준비 사이에 평행선을 그립니다. 교사의 말 때문에 정지, 일상적인 장면의 현대적인 거장, 나이든 여자도 물건을 멈춘 곳, 그녀에게 영원한 가치를 상기시킵니다.
삶에 대한 완전히 다른 비유는 "세비야의 물 판매자"(1622, 월리스 컬렉션, 런던). 여기서 우리는 그을린 주름진 얼굴을 가진 평민을 봅니다. 사려깊은 어린 소년에게 물 한 잔을 내밀고 있습니다. 화가는 옆에 서 있는 주전자의 둥근 윤곽을 chiaroscuro로 특별히 강조하고 투명한 그릇의 우아함을 특히 조심스럽게 그렸습니다. 그 밑에 무화과 열매가 있고, 물에 기분 좋은 맛을 줄 뿐만 아니라 그러나 그 당시에는 에로틱한 상징이기도 했습니다. 노인인 것으로 밝혀졌다. 마치 순진한 소년에게 "사랑의 잔"을 맛보라고 아무렇지도 않게 제안하는 것처럼. 백그라운드에서, 캔버스, 강한 청년, 즐겁게 잔을 마셨습니다.
모든 그림은 어둠으로 구별되며, 답답한 배경처럼 깊이가 없습니다. 각 정물의 구성은 엄격하고 간결하며, 그러나 어떤 엄숙함이 없이는 아닙니다. 작가가 선택한 모든 이미지는 생생하고 표현적이며, 그림의 색상은 균형 잡히고 차분합니다.
꿈이 이루어진다
그럼에도 불구하고, 젊은 화가의 관심은 평범한 시민들의 이미지에 국한되지 않고, 그는 유명한 세속 인물의 등장인물에도 똑같이 관심이 있었습니다. 그래서, 1623년 여름, Velazquez는 마드리드로 새로운 여행을 시작합니다.
이 시간, 예술가는 필립 IV의 법원에서 강력한 접촉을 구축했습니다. 예술가 Pacheco의 오랜 친구인 왕실 사제 Don Juan de Fonseca의 후원 아래, Velazquez는 Olivares 백작으로부터 초상화 주문을 받았습니다. 놀라운 성능, 고귀한 기원과 필요한 연결은 화가가 백작의 인물에서 후원자와 친구를 처음 찾는 데 도움이되었습니다. 그런 다음 군주 자신의 선의를 주었다. 어린, 교육받은 다국어와 아름다운 여성을 사랑하는 사람, 왕 필립 4세, Olivares를 전적으로 신뢰하는 사람, 마침내 잘 알려지지 않은 세비야 예술가를 만나기로 합의했습니다.
1734년 왕궁에서 발생한 화재로 궁전 자체와 그 안에 보관되어 있는 방대한 예술품 컬렉션이 모두 파괴되었습니다. 잃어버린 그림 중에는 올리바레스 공작과 필립 4세의 모든 첫 번째 초상화가 있었습니다. Velasquez 소유.
그러나 동시대인들은 그 예술가가 그의 작품에 대해 왕이 가질 수 있는 최고의 찬사를 받았다는 증거가 있습니다. 즉시, 수도에 도착한 첫해, 10월 6일, 1623년, 예술가는 스페인 왕의 궁정 화가로 임명되었습니다. 그의 작업실에서는 스페인 군주의 궁전 날개에 위치하고 있으며, 폐하를 위한 특별한 의자가 설치되었고, 그리고 필립 4세는 그에게 편리한 시간에 그곳에 있었고, 종종 자신의 키로 방을 엽니 다.
당연히, 새로운 예술가의 그러한 빠른 성공은 많은 부러워하고 악의를 가진 사람들의 출현으로 이어졌습니다. Velasquez의 예술적 능력은 끊임없이 질문을 받았고, 그리고 궁정 귀족들은 종종 그의 오만함과 오만함에 불만을 표시했습니다. 그러나 예술가에게는 파괴할 수 없는 후원자가 있었습니다. "가스파르 데 구스만의 초상, 올리바레스 공작"(1624, 미술관, 상파울루), 영웅은 강력하고 강력한 신사처럼 보입니다. 그는 위엄있는 포즈로 서서, 벨벳 식탁보로 덮인 탁자 위에 손을 살짝 기대고 있을 뿐이었다.
스페인의 가장 영향력 있는 두 사람의 후원을 받아, 아티스트, 당대의 대부분의 궁정 화가들과는 달리, 활동적인 귀족이기도 했고, 그 때문에 그는 예술에 완전히 굴복할 수 없었습니다.
가장 엄격한 궁중 예절과 끊임없는 궁궐의 음모에도 불구하고 Velazquez와 젊은 군주 사이에 매우 따뜻한 우호 관계가 발전했습니다. 필립 4세는 자신이 가장 좋아하는 화가가 자리를 비우면 누구에게도 포즈를 취하고 싶지 않았습니다.
예술가는 그의 특별한 편곡을 사용했고, 이것은 "필립 4세의 초상"(1631-1632, 국립 미술관, 런던). 왕은 은으로 가득 찬 옷을 입고 여기에 묘사되어 있습니다. 그의 한 손은 칼자루에 침착하게 놓여 있고, 전통적으로 권력과 권력의 상징이며, 그러나 다른 한편으로 왕은 벨라스케스의 서명이 명확하게 읽혀진 문서를 들고 있습니다. 군주의 모자는 그림 속 깊은 탁자 위에 놓여 있고, Philip IV가 중요한 청중 앞에서 그것을 벗은 것처럼, 1분 전.
장엄한 예술품으로 호화롭게 장식되어 있으며, 수많은 복도의 미로와 왕궁의 우울한 방들, 마스터의 예술적 지평을 크게 확장했습니다. 루벤스와 티치아노의 그림을 알고 그에게 강한 인상을 남겼던 벨라스케스는 왕에게 필립 4세와 그의 아내를 그린 말 초상화를 의뢰했습니다.
군주와 달리 이사벨라 여왕은 예술가를 위해 포즈를 취하는 것을 좋아하지 않았습니다. 그래서 그녀의 이미지 중 일부만이 오늘날까지 남아 있습니다. 부르봉 왕가의 이사벨라 여왕의 승마 초상화(1634-1635, 프라도, 마드리드). 이 그림은 마리아 메디치의 딸이 장엄한 자세로 앉아 있는 모습을 묘사하고 있습니다. 장엄한 수 놓은 담요로 장식 된 백설 공주. 당시의 대부분의 초상화가 그렇듯이, 이것은 분명히 작업장에서 그렸습니다. 배경에 있는 스페인의 자연은 준비된 "배경"에 불과합니다. 아파트에서, 답답한 공간, 여왕은 우아하게 말의 고삐를 잡고 있습니다. 이 작품은 당시 스페인의 전통적인 의식 초상화의 생생한 예입니다.
하지만, 그의 캔버스에 등장하는 인물들의 뻣뻣하고 차가운 모습은 점차 변해갔다. 수년에 걸쳐, 묘사된 자의 심리적 특성은 더욱 복잡해지기 시작했고, 왕족과 귀족의 관습 초상화에서는 특히 분명하지 않았으며, 그러나 광대와 난쟁이의 이미지에서 어느, 확실히, 필립 4세의 궁정에 많이 있었다.
일부 보고서에 따르면, 100명이 넘는 광대들이 있었고, 당시 왕실의 괴물과 난쟁이들. 이 사람들의 찡그린 얼굴과 다양한 신체적 장애는 궁궐 주민들의 단조롭고 쓸쓸한 삶의 유일한 오락이었습니다. 난쟁이와 광대는 왕실의 확립된 질서의 필수적인 부분이었고, 그들은 동정이나 동정을 나타내기에 적합하지 않았고, 그들은 비웃을 수 밖에 없었습니다. 그렇지만, 에티켓의 범위 내에서. 궁정에는 괴물과 난쟁이를 묘사하는 전통이 있었는데, 16세기의 모든 스페인 화가가 작업한 단일 및 그룹 초상화 위에 있습니다.
이 그림 장르에는 Los truhanes라는 별도의 이름이 있습니다. 종종 광대들은 그들의 주인 옆에 있는 의식 초상화에서 묘사되었습니다. Velazquez는 또한 이 장르의 많은 작품을 가지고 있습니다.
예를 들어, 난쟁이와 함께 있는 인판타 발타사르 카를로스의 초상(1631, 미술관, 보스턴), 어린왕자 옆에는 아름다운 옷을 입고, 어깨에 상징이 덧대어진 금 수 놓은 수트, 흰 앞치마를 입은 난쟁이가 있다. 난쟁이는 왼손에 딸랑이를 들고, 그리고 오른쪽으로 사과를 들고 있습니다. 초상화는 작가가 제시한 숨겨진 심리적 의미에 대해 여러 가지 질문을 던진다. 그래서, 난쟁이, 의심할 여지 없이 왕위 계승자의 장난감일 뿐이며, 어떤 이유에서인지 권력과 홀과 매우 흡사한 물건을 손에 쥐고 있습니다. 그리고 그는, 왕위 계승자가 아니라 사진 속 진짜 아이처럼 보이는 사람, 아름답고 차려입은 Balthasar Carlos는 빈 인형처럼 보입니다.
Velazquez의 모든 난쟁이 초상화는 표현력과 깊은 동정심으로 구별됩니다. "난쟁이 엘 프리모의 초상"(1644, 프라도, 마드리드), 그의 얼굴에 있는 인장과 지혜를 알아차리지 않기가 어렵습니다. 보통 드워프는 고귀한 옷으로 묘사되지 않았지만, 그리고 그림에서 영웅이 귀족의 의상을 입고 있다는 사실은 아마도 그의 고귀한 기원을 의미합니다. El Primo는 좋은 교육을 받았고, 그의 광대 임무 외에도, 왕실에서 근무하고, 그래서 작가는 그를 책으로 묘사했습니다.
진실, 꾸미지 않은 광대와 괴물의 초상화는 의뢰받은 작품보다 예술가에 대해 훨씬 더 많은 것을 말해줍니다. Los Truhanes 그림의 또 다른 예는 Francisco Lescano의 초상화(1643-1645, 프라도, 마드리드). 캔버스의 구성은 전면 초상화의 고전적인 설정과 매우 유사합니다. 작가는 광대를 너무 친절하고 직접적으로 묘사하여 그의 명백한 정신적 구별을 어리석음보다는 유치한 순진함과 유사하게 만듭니다.
일부 비평가들은 "돈 후안 칼라바사스의 초상"(1643-1644년경, 프라도, 마드리드) 모호합니다. 꼽추는 어리 석음의 전통적인 속성 - 말린 호박 딸랑이, 스페인어로 "Kalabasas"(따라서 광대의 이름)라고 불렀습니다. 작품의 다른 이름은 '엘 보보', "바보"를 의미합니다. 그럼에도 불구하고, 초상화의 주인공은 전문 예술가에 가깝습니다. 고귀한 귀족들에게 재미로 바보를 묘사하고, 정신지체자라기 보다는
"돈 세바스티안 델 모라의 초상"(1645, 프라도, 마드리드)가 특히 강한 인상을 남겼습니다. 머리가 크고 다리가 유난히 짧은 드워프는 교양 있는 사람의 꿰뚫고 지적인 표정으로 보는 이를 바라보고, 아이러니하고 강력한 남자. 왕실 망토, 드워프의 좁은 어깨 너머로 이 사람에 대한 운명의 조롱처럼 보입니다. 확실히, 아티스트, 당직, 왕실의 모든 주민과 많은 의사 소통을했으며 그들의 성격을 잘 알고있었습니다.
Velazquez가 법원에서 경력을 쌓는 동안, 먼저 궁정 예술가에서 서기까지, 나중에 옷장에서 왕궁 전체의 관리자까지, 그는 많이 보았다. 하나의 애도는 다른 애도로 대체되었습니다. 처음에 이사벨라 여왕이 죽었습니다. 필립 4세의 여동생, 마리아, 사망 한, 그리고 왕위 계승자, 발타사르 카를로스 왕자, 예기치 않게 사망했습니다. 지친 화가는 왕궁을 떠나기로 결심하고, 군주의 호의를 받고 이탈리아로 떠났다, 풍경화 작업을 하기로 했다.
주인의 작품 속 자연
풍경은 Velazquez의 작업에서 다소 무의미한 위치를 차지했습니다. 하지만, 그럼에도 불구하고, 로마 외곽에 있는 유명한 메디치 공원의 그림 같은 구석을 묘사한 예술가의 잘 알려진 스케치가 여러 개 있습니다.
그러한 풍경의 예는 "로마의 빌라 메디치. 그로토 로그집의 정면" 또는 "로마의 빌라 메디치. 아리아드네 파빌리온"(둘 모두 1630, 프라도, 마드리드). 작품은 삶에 대한 직접적인 인식으로 구별되며, 형식의 명확성과 자유로운 글쓰기 방식. 버려진 장소의 독특한 분위기는 강조된 사람들의 직원 모습과 극명하게 대조되며, 마치 칙칙한 공원을 되살리기 위해 주인이 특별히 작곡에 새긴 것처럼. 두 스케치 모두에서 chiaroscuro의 약간 날카로운 전환은 그림에 약간의 낭만적 인 슬픔을줍니다. 오랫동안, 작업은 1650-1651년으로 거슬러 올라갑니다. 그건, Velazquez의 두 번째 이탈리아 여행 기간. 그러나 최근 연구 덕분에 두 스케치 모두 주인이 훨씬 더 일찍 작성했다는 것이 분명해졌습니다. 그의 첫 번째 여행에서.
그림 "필립 4세의 기마 초상화"(1634-1635년경, 프라도, 마드리드)는 벨라스케스가 다소 사실적인 풍경을 배경으로 사용한 작품의 한 예로서, 플랫이 있는 많은 유사한 작품과 달리, 답답한 공간.
작가의 작업은 초상화와 풍경 장르에 국한되지 않았습니다. 위대한 화가는 신화와 역사적 주제에 대해 많은 그림을 그렸습니다. 그는 항상 자신의 방식으로 해석하려고 노력했습니다. 다른 유명한 회화 대가들의 확립된 전통과 업적과 동등하지 않습니다.
종교화
당시 유행하던 전통을 따라 벨라스케스, 경력 초기에도 종종 종교적인 주제로 바뀌었다. 작가의 작품은 원래 해석이 달랐지만, 그가 전통적인 주제를 독립적인 작품으로 묘사했는지 여부와 상관없이, 예를 들어, 그림 "원죄없는 잉태"(1618, 국립 미술관, 런던), 또는 "동방 박사의 숭배"(1819, 프라도, 마드리드), 또는 일반적인 장르 장면에 성경적 줄거리를 삽입하거나, 예를 들어, "마리아와 마르다의 집에 계신 그리스도"(1620년경, 국립 미술관, 런던).
마드리드로 이적한 후, 화가는 주로 초상화를 만들었고 실제로 종교 장르에 호소하지 않았습니다. 예외는 스페인 군주의 명령에 따라 다른 해에 만들어진 몇 가지 작품이었습니다.
전설에 따르면, 한때 필립 4세 왕은 마드리드 베네딕토회 수도원의 한 젊은 수녀에 대한 사악한 열정에 불을 붙였습니다. 산 플라시도. 이 신성모독적인 죄를 속죄하기 위하여, 군주는 수도의 가장 유명한 예술가인 디에고 벨라스케스(Diego Velazquez)의 붓에 속한 웅장한 예술 작품을 수도원에 선물하겠다고 약속했습니다.
주인은 여러 그림을 그렸고, 그 중 가장 유명한 것은 "십자가에 못 박힌 그리스도"(1632년경, 프라도, 마드리드). 예술가의 대부분의 종교 작품과 마찬가지로, 그림은 줄거리의 원래 해석과 다릅니다. 화가는 의도적으로 그리스도의 이미지를 가장 현실적이고 심리적 인 채색을했습니다. 십자가에 달리신 예수님은 매우 침착한 모습으로 묘사되어 있습니다. 눈물 없는 포즈. 아마도 Velasquez는 참을 수 없는 고통을 표현하는 것을 피하려고 했을 것입니다. 그래서 구주의 얼굴의 절반이 늘어진 머리카락으로 가려져 있습니다. 그의 전신은 따뜻한 빛을 발하는 것 같고, 어둡고 투명한 배경과 뚜렷하게 대조됩니다. 이 기술은 예수님의 몸이 우리 세상을 모든 것을 집어삼키는 어둠으로부터 분리시키는 벽이라는 인상을 줍니다.
"마리아의 대관식"(1645, 프라도, 마드리드)는 완전히 다른 음색을 가지고 있습니다. 그 안에, Velazquez는 신약의 삼위일체를 묘사했으며, 아름다운 꽃들로 엮인 면류관을 마리아의 머리에 얹는다. 예수님의 얼굴은 엄숙하고 집중되어 있습니다. 힘과 경험으로 지혜롭게, 백발의 신 아버지는 한 손으로 수정 마법의 구체를 잡고 있습니다. 그리고 중간에, 비둘기가 날개를 펄럭이며, 빛나는 후광에 얼어붙어 마리아의 머리에 황금빛 광선이 쏟아졌습니다. 세심하게 고려한 색채 결정과 구성 구성은 신령과 피로 가득 찬 인간의 마음을 닮았다. 이 캔버스는 당연히 세계 최고의 박물관의 보물이며 그 화려함은 위대한 화가의 소수의 종교 작품을 보완합니다.
신화 음모의 원래 해석
Velazquez의 그림에 대한 신화적인 플롯도 다소 독창적인 해석을 가지고 있습니다. 예술가의 이 장르의 모든 그림에서, 계획 자체의 신화적인 측면은 전혀 관심이 없었던 것 같습니다. 역사적 인물과 신들은 그에게 고귀하고 영웅적으로 해결되지 않았으며, 그러나 오히려 평범합니다. 예를 들어, 그림 "Bacchus의 승리"(두 번째 이름은 "Drunkards"), 1629년, 프라도, 마드리드)는 신과 사티로스의 향연을 보여주지 않으며, 그러나 평범한 스페인 부랑자들의 잔치, 필드에 바로 위치하고 있습니다. 그 중에서 고대 신 바쿠스를 봅니다. 그의 폰과 함께.
젊은 신은 이미 재미 참가자 중 한 명에게 덩굴 화환을 수여했으며 이제 무심코 그 앞에 절하는 군인의 머리에 같은 화환을 놓습니다. 그러나 그림의 구성 중심은 전혀 박카스가 아니라, 챙이 넓은 검은 모자를 쓰고 웃고 있는 거지, 와인이 담긴 잔을 들고. 모든 재미와 함께, 참가자들 모두 피곤해 보인다. 또는 심지어 슬프다. 트램프, 젊은 신의 어깨 너머로 몸을 굽히고, 취하고 거칠어 보인다. 모든 캐릭터는 현실 그 자체에서 가져온 것 같습니다. Bacchus의 얼굴은 고대의 완벽함과 숭고함이 없으며, 그의 몸과 마찬가지로 튀어나온 뱃살과 함께. 동시에, 모든 영웅은 저속한 힌트조차 전혀 없습니다. 독창적인 예술가는 친숙한 일상의 그림을 Bacchic 요소로 아주 잘 둘러쌀 수 있었습니다.
다른 저자의 해석에는 신화적 줄거리에 대한 또 다른 작품이 있습니다. 프라도, 마드리드). 고대 에피소드의 장면은 Apollo가 Vulcan에 도착하는 것입니다. 대장장이의 신, 그의 견습 과정에서 사이클롭스를 가지고 있던, 그리고 무시무시한 신에게 아름다운 금성이 있다는 불쾌한 소식을 전합니다. 벌칸의 아내, 그를 배신했습니다. 하나님의 반응이 분노의 폭풍이 될 것 같지만, 불과 철로 분출합니다.
그러나 Velazquez는 고전적인 플롯을 완전히 다른 방식으로 해석했습니다. 중세 대장간에서 우리는 사이클롭스가 아니라, 그러나 들보를 입은 강한 사람들. 모든 대장장이는 머리에 월계관을 쓰고 골동품 토가를 입은 황금빛 후광으로 갑자기 나타난 황금빛 머리 아폴로를 어리둥절하게 봅니다. 벌컨의 얼굴에는 원한이나 원한이 없습니다. 오직 의심과 놀라움뿐입니다.
빛나는 고대신의 존재가 아니었다면, 우리는 우리 앞에 전형적인 일상적인 그림을 가지고 있을 것입니다. 캔버스에는 우화가 있습니다. 타오르는 산 위의 선반에서 눈처럼 반짝이는 주전자가 보입니다. 물론이야, 이 밝은 수직 지점은 화가가 그림의 색상 구성의 균형을 맞추기 위해 필요했습니다. 그는 하얀 아폴로 작품의 반대편에 있기 때문입니다. 그러나 저그에는 의미론적 로드도 포함되어 있습니다. 아름다운 비너스처럼, 이 완벽하게 하얀 배는 화산에 속합니다. 붉게 달아오른 산 바로 위에 서서도 그을음 철 옆에 땀에 젖은 남성의 몸에 둘러싸여, 그것은 깨끗한 상태로 남아 있습니다. 따라서 진정으로 사랑하는 모든 남성은 배우자가 흠잡을 데 없고 자신에게 충성스럽다고 믿습니다.
두 개의 캔버스 - "Aesop"과 "God of War Mars"(둘 모두 약 1640, 프라도, 마드리드)는 마드리드 토레 데 라 파라다(Madrid Torre de la Parada) 근처에 위치한 왕실 사냥 성을 장식하기 위해 설계된 대규모 시리즈의 일부였습니다. 이 유명한 캐릭터들도 파토스도 없고 완전히 평범해 보이지만, 그건, 아티스트의 방식과 완전히 일치합니다. 전쟁의 신이 지치고 생각에 잠긴 군인처럼 보인다면, 그러면 이솝은 완전히 버려진 사람처럼 보입니다. 숨겨진 슬픔이 두 영웅을 감싸고, 어느, 확실히, 또한 주문을 집행하는 동안 저자 자신의 특징이었습니다. 필립 4세의 시민들은 나라의 쇠퇴에 대처하지 않을 수 없었다.
Velazquez는 고전적인 가톨릭 교육을 받았으며 심지어 종교 재판관과 관련이 있습니다. 하지만, 이것은 이탈리아 고전 작품의 거장들이 남긴 가장 강한 인상을 능가할 수 없습니다. 그래서, 두 번째 이탈리아 방문 후, 작가는 누드 이미지에 관심을 갖게 되었습니다. 당시 스페인 회화와는 완전히 다른 유사한 이미지를 많이 만들었다는 정보가 있습니다. 보기에, 젊은 군주는 사랑하는 화가의 이익을 공유했고, 그러므로, 이 모든 그림은 곧 궁전의 방을 장식했습니다. 그러나 우리 시대까지, 그들, 안타깝게도, 살아남지 못했습니다. 한 가지 예외를 제외하고, 거울 앞의 금성(1648년경, 국립 미술관, London)은 Velazquez의 관능적인 여성 초상화의 독특한 예가 되었습니다.
작가가 구상한 대로, 그림은 국내 장면의 요소가 있는 장르 캔버스입니다. 벌거벗은 여신, 그녀를 시청자에게 등을 돌리고 실크 시트에 놓여 있습니다. 그녀는 날개 달린 큐피드가 그녀를 위해 들고 있는 거울 속 자신을 바라보며, 빨간 벨벳 커튼이 배경으로 사용됩니다. Venus의 실크 침대의 아름답게 칠해진 모든 주름, 그녀의 보들보들한 피부, 그녀의 몸의 부드럽고 매혹적인 굴곡, 거울에 화려하게 던진 리본, 그리고 그려진 빨간 커튼의 방향이 완벽한 구도를 만들고, 그 아름다움과 조화가 인상적입니다.
Velazquez의 다른 신화 캔버스에서와 같이, 그림은 꽤 신이 납니다. 모든 것이 다소 평범하고 평범합니다. 큐피드의 회색, 부자연스러운 날개가 풍족한 몸과 극명하게 대조되는 것처럼, 그리고 불투명 거울의 검은색 와이드 프레임은 청중의 호기심을 높이기 위해 설계되었습니다. 아름다운 비너스의 모습은 무엇입니까? 거울에 비친 모습은 흐릿하고 불명확하고, 그러나 여신의 얼굴은 분명하다. 몇 가지 이유, 아름다움으로 빛나지 않으며, 그녀의 우아한 실루엣을 보면 예상할 수 있듯이.
이 작품에서는 주인은 자신에게 충실했습니다. 그는 다시 한 번 전통적으로 기대되는 신성한 이미지가 아닌 모습을 묘사했습니다. 그러나 단순한 사람. 그 사진에 대해, 라는 전설이 있다. 이탈리아 예술가 Flaminia Trivio가 Velazquez를 위해 포즈를 취했습니다. 그 시절에는 이렇게 말해야 한다. 여성은 거의 그림을 그리지 않습니다. 아마, 트리비오와 아티스트 사이에 로맨스가 싹트고, 그 후 Velazquez는 그의 고국으로 돌아갔다. 그리고 Flaminia는 그에게서 아들을 낳았습니다. 그러므로, '거울 앞의 비너스'는 평소 주인님의 이미지와 너무도 관능적이고 눈에 띄게 다르다. 사실로, 예술가는 사랑하는 사람의 실제 초상화를 자신을 위해 만들었습니다.
2세기 반 동안, 캔버스는 여러 소유자를 변경했습니다. 1914년에 완전히 공격을 받았습니다. 메리 리처드슨, 가장 열렬한 여성의 권리 옹호자 중 한 사람, 항의의 뜻으로 괭이로 캔버스를 자르고, 그 후 그는 매우 오랫동안 복원되었습니다. 놀랍게도, 위대한 예술가의 거의 모든 작품은 어려운 운명을 가지고 있습니다.
스페인 군주국의 군사적 승리
벨라스케스 때, 그가 여전히 그의 왕실 호프마이스터였을 때, 다음 왕궁의 내부 장식에 종사했고, 부엔 레티로, 그는 스페인 군주의 군사적 승리를 노래하기 위해 고안된 일련의 역사적 그림 작업을 시작했습니다. 모든 작품은 1630년대와 관련이 있습니다.
작품 "브레다의 항복"(1634-1635, 프라도, 마드리드)는 아마도 살아남은 모든 것 중 가장 클 것입니다. 6월 2일 스페인군의 승리로 포위된 네덜란드 도시에 열쇠를 넘겨주는 엄숙한 행위를 묘사하고 있으며, 1625년, 스페인이 반항적인 북부 영토를 진정시켰을 때.
키 트랜스퍼 에피소드 자체가 영화의 구성 중심, 위대한 초상화 화가는 두 명의 유명한 군사 지도자에 대한 심리적 묘사를 믿을 수 없을 정도로 정확하게 묘사했습니다. 강제노역에서, 네덜란드 수비대 사령관, 유스기브 나소, 손에 검은 열쇠를 들고 키가 큰 사람에게 절하고, 얇은 암브로시오 스피놀라, 스페인 사령관. 승리한 고귀한 몸짓의 뒷모습은 패배한 상대의 어깨를 두드린다. 두 사령관은 그들의 군대에 둘러싸여 있습니다.
나소 뒤에는 소수의 전사들만 남았고, 그리고 그들은 낙담하여 고개를 숙였다. 그 위로 외로운 갈대 몇 그루만이 솟아 있습니다. 그리고 그들 뒤에, 화염에서 검은 연기가 하늘로 치솟고, 오른쪽으로 떠나고, 따라서 시청자의 시선을 스페인 군대로 돌립니다. Spinola의 장교 그룹 위에는 가느다란 사본의 전체 숲이 있습니다. 그들의 맑은 리듬은 승리한 군대의 힘과 힘의 인상을 강화합니다. 전체 캔버스가 매우 사실적으로 보입니다. 세심하게 쓰여진 공간적 깊이 덕분에, 전사 그룹의 이미지와 풍경 배경 모두에서.
화가는 캔버스에 있는 참가자들의 거의 모든 의상의 질감을 훌륭하게 작업했으며, 전경에 서. 다음은 당시 스페인 귀족의 초상화 갤러리입니다. Ambrosio Spinola 사령관의 이미지에 이르기까지, 예술가가 고귀한 기사도적 심리 묘사를 해준 사람, 그리고 말 머리 근처에 있는 자신의 슬픈 자화상으로 끝맺는다. 승리의 차가운 위엄과는 대조적으로, 패배한 네덜란드인은 간단하고 크게 묘사됩니다. 그들의 자연스러운 자세는 매우 사실적이고 인간적입니다. 여기, 이상하게도, 저자는 패자에 대한 동정을 스스로 허용했습니다. 네덜란드 지방은 독립을 위해 필사적으로 싸웠고, Velazquez가 그림을 만들 때 Brena는 이미 네덜란드에 의해 격퇴되었습니다. 이 작품에서도 숨겨진 아이러니가 읽힌다. 스페인 군주국의 승리와 용맹을 찬양하기 위한 것이긴 했지만.
그림의 오른쪽 "스페인어" 부분에 묘사된 Velazquez는 완벽하게 그려진 말 크룹, 어느, 물론이야, 스페인의 장점과 힘의 상징입니다. 그래서 작가는 관객에게 등을 돌린 것일까? 필립 4세에 대한 그의 모든 헌신에도 불구하고, 화가, 똑똑하고 정치에 정통한 사람으로, 그림을 통해 자신이 사용할 수 있는 유일한 방법으로 자신의 의견을 미묘하게 표현했습니다. 내가 인정해야만한다, 이 Velazquez는 그의 시대의 화가들 사이에서 동등하지 않았습니다.
교황의 초상
In the late 1640s, Velazquez made his second trip to Italy. The official pretext for his visit was the acquisition of an antique sculpture and several masterpieces of Italian painting for the collection of Philip IV. But we must not forget that the artist was at the same time a high-ranking court official of his monarch, whose duties included establishing diplomatic relations with high-ranking officials of Italy. The painter coped well with both tasks, he was favorably received by the new Pope Innocent X in the Vatican, who immediately ordered his portrait for him. The result of the three-month work of the artist stunned the whole of Rome, not to mention the customer.
The canvas “Portrait of Pope Innocent X” (1650, Loria Pamphili Gallery, Rome) instantly gained the widest fame. Although this was not characteristic of that time, many copies were made from the painting. Such success was primarily associated with the achievement of an unusually high correspondence of the psychological portrait of the hero of the canvas.
Against the backdrop of a heavy raspberry curtain, in a red satin cap, an imperious pontiff sits on a gilded throne. The snow-white folds of the cassock, the silk of his scarlet mantle, and even the golden ring with a large dark stone adorning his right hand are very materially and necessarily.
Despite the comfortable position in the chair, the pose of Innocent X carries internal tension. This is noticeable in the slightly bent fingers on the arm of the throne and barely noticeable drops of sweat on the pope’s nose and forehead. Reflexes here are transmitted with great conviction. But the pontiff’s face is especially striking. His tightly compressed curved thin lips and a wide heavy chin with a liquid beard eloquently show secrecy and cruelty of character. A long nose indicates its noble origin. Deep-set eyes carefully and coldly look directly at the viewer. The glance of the head of the church reads arrogance, intelligence, insight and cunning.
As if by chance, the artist emphasizes the big ear of the pontiff, on which light falls. This insignificant detail unexpectedly tells the whole image of Innocent X the ordinary and prosaic. An authoritative, strong, and not without vicious passions, an elderly man in the clothes of the most senior dignitary of the church looks from the portrait. The most important thing that Velazquez conveyed to the viewer is that, for all its strengths and weaknesses, the Pope does not have the main thing - neither Christian mercy nor holiness.
Evidence of eyewitnesses has been preserved, which says that the pontiff, when he first saw his portrait, exclaimed:“Too true!” An educated, endowed with a sharp mind Innocent X could not help but recognize how brilliantly created this masterpiece. He solemnly awarded the artist a papal medal and a gold chain.
Velazquez himself immediately received many orders for portraits from other high-ranking dignitaries of the Vatican:from Monsignor Camillo Massimi to Cardinal Letali Pamfili. But the king urged the diplomat and painter to return. 그러므로, Velazquez hastened to return to Madrid, where he already had many creative plans.
Allegory of an unfair lifestyle
One of the most amazing and symbolic paintings of Velazquez was the painting “Spinners” (the second name is “The Myth of Arachne”, circa 1657, Prado, Madrid). The canvas is divided into two compositional parts. In the foreground, in the gloom of a weaving workshop, spinners engaged in their hard work are depicted. In the center, a young worker, kneeling down on one knee, picks up skeins of wool from the floor. On the right side, the artist realistically and coarsely wrote out another spin, winding a woolen thread into a dense ball. Her broad back and large arms with rolled up sleeves express accuracy and confidence of movements. Nearby, another young woman watches her work. To their left, in a carelessly thrown shawl, a tired weaver sits near her wooden loom, talking to her assistant. At her bare feet a cat comfortably settled down. Behind the weaver’s helper, thanks to the heavy red curtain pushed back, we can see the finished tapestries folded in a stack. The whole scene is depicted in a manner characteristic of the artist - ordinary and unvarnished. The necessary dynamism to the picture is given by individual details - such as a rotating wheel of a machine tool or a spin of a leg thrown forward, as well as a rich color of the scene.
The second compositional part of the canvas is the background. There, as if on a stage flooded by the sun, two court ladies are pictured, carefully examining the carpets hanging on the wall. Probably the lady on the left is the mistress of the workshop, patiently awaiting the decision of a potential buyer. The bright patterned edging of the carpet, the solemn mythological scene depicted on it and its pure sonorous colors seem to turn the entire far part of the room into a fabulous solemn performance, in sharp contrast to the routine of the front of the picture.
Two different plans of the work are in a complex and at the same time direct interaction with each other. This is not just a contrast between hard work and its excellent result. Details are important here, namely the theme depicted on the finished tapestry being inspected by the customer. There we can see the ending of the ancient Roman legend about Arachne, which sets the correct interpretation of the whole work.
The mythological heroine was famous for the skill of the skilled spinner, who was proud of her abilities and for this was turned by the goddess Minerva into a terrible spider. Here lies not even irony, but rather the bitter regret of the great painter. That is why the face of the court lady has an undeniable portrait resemblance to a young worker standing in the right corner of the picture. The now-leading vertical staircase located on the left side of the picture, above the head of a weaver sitting behind a wooden loom, is designed to compositionally direct the viewer’s eyes from the bright distant plan back into the twilight of the workshop.
A round dull hood crowning the whole composition is very eloquent - despite the fact that, judging by the stream of bright light pouring from the left, there is already a large window in the back room. The meaning of the fringed black sphere placed by the painter above the whole picture is to symbolize the irreversible circle of human life. Neither hard work, nor outstanding talent can fix the situation once and for all:the skill of the simple girl Arachne cannot surpass the elite art of the goddess Minerva. It was not for nothing that Velazquez depicted on the tapestry not the moment of divine anger and the transformation of Arachne into an insect, but the triumph of the divine warrior.
This peculiar allegory, perhaps, has political notes. The plot can also be interpreted as the sad triumph of the Spanish monarchy, which can easily grind both an individual person and entire states, imagining himself above them. The work was not only the highest achievement of the artist’s art, but also an expression of his deep understanding of the injustice of the world order and an expression of sympathy for those lower in the hierarchy.
Mysterious Menin
In 1656, the renowned painter creates a picture considered the crown of his work and one of the most mysterious paintings in the history of art - “Menins” (Prado, Madrid).
Translated from Spanish, “menin” is a young girl of noble birth, who is the constant maid of honor of the princess and always accompanies her in her retinue. According to the inventory of the royal palace, the canvas was listed as “Family Portrait”, but it is very difficult to call it “family”, as, indeed, “Menins” is a surprisingly inappropriate name for it.
The compositional center of the painting is the fragile little figure of the Infanta Margarita in a light beautiful dress. The girl stands with her head slightly turned and looks as if expectantly at the viewer. The young maid of honor Maria Sarmiento sank down on one knee in front of her, according to the requirements of etiquette, and serves a vessel with a drink. The maid of honor Isabella de Velasco froze in curtsy on the other hand. To the right of the wall are the permanent members of the suite of the Infanta Margarita - her jesters:dwarf Maria Barbola and young Nicholas Pertusato. The first - presses a toy to his chest, the second - pushes a large dog lying with his foot.
In the middle plan, we see a woman protruding from the twilight in a monastic robe - the mentor of Princess Marcelo de Ulloa, and the Guardamas - a permanent guard and accompanying infantry. In the open doorway in the background, Jose Nieto, a court nobleman, rises up the stairs. And on the left side of the canvas, near a huge canvas stretched on a stretcher, the artist portrayed himself. He holds a long brush in one hand and a palette in the other. The eyes of the painter, the princess, crouching in the curtsy of maid of honor, and dwarfs are fixed on the viewer. More precisely, on a couple of people reflected in a mirror on the opposite wall, which seems to be standing on this side of the picture - the royal couple of Philip IV and his wife Marianne of Austria.
For more than three centuries, art historians and biographers of the great painter have been trying to unravel the meaning of this strange multi-figure painting, in which the artist again used his favorite construction of the composition - “painting in painting”. 다시 한번, the master reliably showed the life of the royal family and her courtiers. There is no official greatness, no ceremoniality, only a certain immediacy and sincerity in the guise of a princess gives the picture its sound. What did the artist want to say with this work? Why is the royal couple depicted only in obscure spots?
There are different versions, in their own way interpreting the plot of the work. According to one of them, Velazquez depicted the moment of a break during the creation of the portrait of the infant, when the royal couple looked into the studio and all the maids of honor rushed to his mistress.
According to another version, the artist created a portrait of precisely Philip IV and Marianne of Austria, interrupting his work due to the unexpectedly arrived princess and her retinue. There are hundreds of explanations and interpretations of the unusual composition of this amazing picture, but all of them, unfortunately, contradict each other and individual details on the canvas of the great master.
One of the mysterious moments is that Velazquez, standing in the picture in his own workshop, depicted all the windows of the room tightly curtained. On the ceiling, fixtures for chandeliers are clearly visible, but there are no chandeliers themselves, like no other light sources. From this, a large spacious room, hung with paintings by great masters, is plunged into darkness. But not a single painter will work in the dark. Judging by the location of the shadows on the canvas, the light comes from the conditional arrangement of the royal couple, and even the doorway in the background is flooded with sunbeams.
It turns out that in this way Velazquez shows us that he paints his brilliant paintings "in the darkness" of the royal palace. And despite his noble birth and the title of knight of the Order of Santiago, which is eloquently testified by the golden symbolism in the form of a cross on the jacket of his suit, he does not have the opportunity to "come out into the light." That is, the artist could only create “in the rays” of his monarch, or he would be forced to leave the royal palace and go nowhere. Perhaps it was this idea that the artist wanted to convey, portraying himself along with the retinue of the princess in the “Family Portrait” or “Meninas”.
Another eloquent symbol is a dog lying in the foreground of the picture. The image of a dog is an image of a faithful friend who will endure everything - you can kick him with a boot, he will still protect his master. Her image symbolizes the unsweetened fate of the court painter, a brilliant creator who could be something more than just a devoted servant of his master.
Unexpected death
The art of Velazquez most deeply expressed the rapid flowering of realistic painting of the XVII century in Europe. True images created by a brilliant painter still serve as an unsurpassed example of perfection for true connoisseurs of art and artists of different generations.
In 1660, Velazquez went to the court of the French monarch to settle issues regarding the conclusion between the Spain and France of the "Iberian Peace", which ended the long-standing confrontation between the two countries. The essence of the artist’s mission, chosen by the trustee of the King of Spain, Philip IV, was to settle all the issues regarding the marriage between the eldest daughter of the king Maria Theresa and Louis XIV.
According to tradition, an event of this magnitude was required to be fixed with "blood ties." The artist not only wrote and delivered to Versailles the magnificent “Portrait of the Infanta Maria Theresa” (1652, Vienna Museum of Art and History), he also organized all the celebrations and receptions on this occasion, and even accompanied the royal motorcade to the wedding ceremony, which took place on the island Pheasants on the French-Spanish border.
And although Velazquez received many praises from Philip IV for his hard work, his strength and health were undermined. Returning to Madrid, the sixty-year-old painter felt a fit of fever. All the best court doctors gathered to save the beloved royal dignitary, but none of them could cure the master. On August 6, 1660, Diego Rodriguez de Silva Velazquez passed away.
