유명한 프랑스 화가 폴 세잔은 후기 인상주의의 선구자입니다. 인상주의의 가장 유명한 거장들과 함께 생활하고 작업하며, 그들의 영향 아래 여행의 시작에 있었고, 세잔, 자신의 스타일을 찾아, 동료보다 더 멀리 갔다. 자연의 기적적인 상태를 전달하는 기술을 배운 후, 작가는 자신을 둘러싼 모든 것의 형성적 토대를 탐구하고 사물의 내적 논리를 배우려고 했다. 화가의 혁신적인 접근 방식으로 인해 평생 동안 마땅한 성공과 명성을 얻지 못했습니다. 시간만이 모든 것을 제자리에 놓습니다.
청소년 던지기
퓨처 아티스트는 1월 19일생, 1839년 프랑스 남부의 작은 마을 Aix에서. Paul은 은행가 Louis-Auguste Cezanne의 가족에서 맏이였습니다. 아버지, 모자의 생산과 판매를 시작으로 그리고 자신의 은행을 개설하고, 매우 강력한 사람이었고, 온 가족이 그의 뜻에 철저히 순종했습니다. 작가의 어머니, 안나, 엘리자베스, 두 딸을 더 낳고, 마리아와 로사, 하지만 그녀는 첫 아이를 사랑했고, 폴, 그리고 항상 그를 지원하려고 노력했습니다. 화가 자신은 평생을 우상화했고 아버지를 두려워했습니다.
어린 시절부터, 그림에 대한 갈망이 있고, 5년간의 폴 세잔은 집의 벽을 숯으로 칠했고, 그때도 매우 사실적인 이미지를 만듭니다. 그러나 그의 어머니만이 그의 성공을 자랑스러워했습니다. 그의 아버지는 아들에게서 후계자를 보는 꿈을 꾸었습니다. 아버지의 뜻으로, 1849년 Paul은 최고의 도시 학교 중 하나인 St. Joseph's School에 입학했습니다. 어디에서, 1852년 그는 명문 Bourbon Closed College의 6학년으로 편입했습니다.
대학에서, 미래의 유명 작가 폴 세잔은 미래의 유명 작가인 에밀 졸라를 만난다. 그들의 우정, 결국, 화가의 운명에 중요한 역할을 했다. 그리고, 그의 젊은 시절, 폴에게 책과 시라는 마법의 세계를 발견한 사람은 졸라였습니다. 친구들은 종종 Aix를 떠났고, 아름다운 미래와 순수한 사랑에 대한 꿈이 가득합니다.
1855년, 열여섯 살의 폴은 대학을 졸업하고, 프랑스어와 라틴어로 시를 쓰는 데 두각을 나타냈으며, 그리고 결코 예술가로서 실현되지 않았습니다. 대학 졸업 후, 세잔은 법학부에 입학하고, 그의 아버지는 단호하게 주장했다. 동시에, 저녁에, Paul은 Joseph Joseph Giber 회화 학교에서 공부하기 시작합니다. 청년의 기쁨을 위하여, 아버지는 아들의 이러한 욕망에서 비난받을 만한 어떤 것도 보지 못했습니다.
새롭게 오픈한 시립미술관, 그림이 전시되었던 곳, 예술가 지망생이 가장 좋아하는 장소가 되었습니다. 여기, 그리고 Gibert 학교의 교실에서, 바울은 진정으로 행복하다고 느꼈고, 그는 예술가가 되는 꿈이 있었다. 그러나 그의 아버지는 외아들의 운명에 그런 변화가 있다는 것을 듣고 싶지 않았고, 그는 여전히 그에게 전혀 흥미롭지 않은 법조인들을 연구하겠다고 고집했다. 파리를 꿈꾸는 젊은 세잔의 영혼, 그곳에서 그는 대학 친구인 Emil Zola의 적극적인 초대를 받았고, 그는 그때까지 프랑스 수도로 이사하여 문학 작품에 손을 댔습니다. 결국, 폴 세잔은 여전히 법학 수업을 포기하고 아버지의 허락을 받아 파리로 떠났다. Zola는 그에게 그림을 진지하게 공부하기 시작하라고 촉구했습니다.
1861년, 젊은 화가는 프랑스의 수도로 이사하여 미술 아카데미에 입학할 준비를 하고 있었습니다. 세잔은 루이스의 워크숍에 참석하기 시작하고, 그곳에서 그는 미래의 인상파 화가인 카미유 피사로와 클로드 모네를 만난다. 그림을 공부한 사람, 그러나 이미 회화 예술의 발전에 대한 그들 자신의 형성된 비전을 가지고있었습니다.
피사로는 즉시 세잔을 믿었고 미래의 성공을 예측했습니다. 그러나 지방의 젊은 예술가는 수도의 작업실 분위기에서 낯선 사람처럼 느껴졌습니다. 그곳에서 그가 사귄 유일한 친구는 동족인 난쟁이 아킬레스 암페레라뿐이었다. 이후 열정적으로 벌거 벗은 여성을 썼습니다. Paul Cezanne은 자신의 능력과 재능에 대해 확신이 없었습니다. 때때로, 그의 모든 추구가 무의미한 것처럼 보였고 그는 아버지의 후계자가 되기 위해 Ex로 돌아가야 했습니다. 아마, 작가는 부모 앞에서 후회와 죄책감으로 괴로워하고, 그의 희망에 부응하지 못했습니다. 이러한 정신적 고통과 의심은 궁극적으로 예술가가 가장 좋아하는 그림을 버리고 같은 1861년에 고향으로 돌아갔습니다.
엑스에서는 Paul은 Cezanne 은행에서 일하기 시작했습니다. 그는 "탕자의 귀환"에 놀라울 정도로 기뻐했다. 그러나 두 사람의 기쁨도 잠시였다. Paul은 그림 없이는 오래 살 수 없었고 곧, 그리움으로부터, 다시 Gibert 학교에 다니기 시작했습니다. 집에서 1년을 보내고 아버지와 끝없는 대화를 나눈 후, 청년은 다시 파리로 떠나고, 이 시간, 결정하고, 꼭, Academy of Fine Arts에서 학교에 가기 위해.
진실, 시험에 합격하기 위한 준비로, 세잔은 갑자기 그가 연구하고자 하는 예술에 완전히 낯설다는 것을 발견했습니다. 살롱 그림은 그에게 불필요하고 공허한 것처럼 보였습니다. 을 더한, 바울은 다시 자신의 재능을 의심하기 시작했습니다. 그는 열심히 일했고, 그러나 자신에 대한 불만은 더욱 커져만 갔다. 결과는 또 다른 실패였습니다. 예술가는 회화 학교에 들어갈 수 없었습니다.
1863년, 그는 살롱을 방문했고, 그는 Eduard Manet의 스캔들 작품을 본 곳에서 대중에게 거부당하고, "잔디 위의 아침 식사." 이 획기적인 작품, 그 시대의 예술에서 진정한 혁명이 일어난 덕분에, 또한 세잔의 세계에 대한 비전을 바꾸었습니다. 젊은 예술가를 소개한 것이 바로, 그의 많은 동료들처럼, 예술에 대한 새로운 이해.
세잔에게 운명은 프레드릭 바질(Frederick Basil)과의 지인이었고, 같은 해에 있었던 일입니다. Basil은 그를 Gleyre의 작업장으로 데려갔습니다. 클로드 모네가 있는 곳, Alfred Sisley와 Auguste Renoir가 출신입니다. 자연스러운 수줍음, 부조리한 성격과 동시에 Cezanne이 미래 인상파의 서클에 합류하는 것을 허용하지 않았습니다. 결과적으로, 예술가는 항상 자신과 떨어져 있었고, 토론과 대화에 끼어들지 않으려고 노력했지만, 그리고 그들의 회의에 참여하지 않았습니다.
1864년, 그의 새 작업을 수락하는 살롱의 거부를 받고, Cezanne은 다시 그림 수업을 포기하고 Ex. 진실, 그는 그곳에서 계속해서 글을 쓰고 있습니다. 미술 수업을 포기할 수 없습니다. 결과적으로, 6개월 후, 세잔느는 살롱에 참가하기 위해 자신의 작품을 제안하기 위해 다시 파리로 오고, 그리고 또 거절을 당합니다. 좌절스러운, 자신에 대한 믿음을 거의 잃어가는 예술가, 다시 아무 것도 없이 집으로 돌아간다.
도끼에서는 Paul은 초상화에 전념합니다. 그는 열심히 일한다, 그러나 이듬해 작가의 작품은 살롱에 받아들여지지 않았다. 세잔은 완전히 절망했습니다. 그는 그의 작품이 결코 이해되지 않을 것이라고 결정했고, 그러나 다르게 쓰고 싶지 않았습니다. 다시 살롱에 도착하여 그의 작품을 전시하고, 조롱의 박수를 받고, 관객은 화가에게 공개적으로 웃는다.
그러나 살롱에서 좋은 일이 일어나고 있습니다. 누군가가 예술가를 Eduard Manet에게 소개합니다. 젊은 인재를 위한 창의적 탐색에 대해 따뜻하게 이야기하는 사람입니다. 마침내, 긍정적인 평가를 받은 후, 그리고 심지어 그의 우상으로부터, Cezanne은 창의적인 경로의 올바른 선택에 대한 확신을 얻습니다. 엑스로 돌아가서, 화가는 일종의 연예인이 된다. 그들은 거리에서 그를 알아보기 시작하고, 지역 예술가들은 그의 작품을 모방하려고 하기도 하고, 하지만 대중의 호기심은 여전히 적대적이었다.
성 안토니오의 유혹
작품 "성 안토니오의 유혹"(1867-1869, E. Bürle 재단, 취리히)는 세잔의 초기 작품을 가리킨다. 고전적인 종교 음모를 사용하여, 작가는 자연을 배경으로 벌거벗은 여성의 몸을 묘사합니다. 실제로, 줄거리는 공개적으로 누드를 쓰기 위한 변명에 불과했습니다. 성 안토니오 그 자신, WHO, 이론에 의하면, 그림의 중심인물이 되어야 했고, 캔버스의 왼쪽 가장자리에 적당한 위치가 할당되었습니다. 그리고 거기에도, 그의 모습은 거의 배경과 합쳐집니다.
사람도 아니고, 성 안토니오의 자세에서도 인간의 육체와 영혼의 내적 투쟁을 읽을 수 없습니다. 작가의 목표가 죄에 대한 집착으로 고군분투하는 기독교 성인을 묘사하는 것이라면, 그렇다면 세잔의 작업은 실패했다고 말할 수 있습니다. 그러나 화가는 이를 위해 전혀 노력하지 않았고, 그는 여성의 몸에만 관심이 있었습니다.
강력한 기념비적 형태를 사용하여 chiaroscuro의 날카로운 대조가 볼륨을 조각합니다. 작품 자체의 중심 부분의 고전적인 피라미드 구성은 줄거리와 관련이없는 것 같습니다. 인물과 악순환을 이루는 소녀들은 전혀 성 안토니오에게 향하지 않습니다. 그들은 그와 독립적으로 존재합니다. 그리고 캔버스의 가장 가장자리에 위치한 능숙하게 배열 된 인물 그룹 인 St. Anthony와 유혹자, 과장된 포즈로 그의 앞에 나타난 그는 작품명에 해당합니다. 이 쌍은 대칭의 고전 원리에 따라 만들어졌습니다. 그녀의 몸을 과시하는 여성의 열린 포즈와 앤서니의 닫힌 포즈가 대조되며, 급하게 거친 옷 냄새를 맡는 사람.
세잔이 미인을 그리지 않았다는 점은 주목할 만하다. 그는 진정으로 불완전한 여성의 몸을 씁니다. 그런데, 그들은 스트레칭으로 미인이라고 할 수 있습니다. Cezanne은 이미지를 이상화하는 것과는 거리가 멀고, 그는 단순히 - 여성을 씁니다. 인상파의 영향은 대비되는 색조와 주변 녹색의 반사에서 여성의 몸에 느껴집니다. 하지만, 세잔느는 인상주의의 발견을 과도하게 사용하고, 거의 불합리한 수준에 이르게 하고, 그의 작품을 야수파의 작품에 더 가깝게 만드는 아직 세계 미술계에 진출하지 못한 사람들.
개인 생활
1년 후, 1870년, 예술가는 Hortense Ficket을 알게 되었고, 그의 변함없는 모델이 된 사람. 같은 해에 프로이센과 시작된 전쟁, 세잔, 피케와 함께 Estac(프로방스 지방)에서 기다렸다. 화가는 모델과의 관계를 가족에게 조심스럽게 숨겼습니다. 그렇지 않으면 화난 아버지가 만족하지 않고 그를 떠날 수 있습니다. 그것은 간신히 삶에 충분했습니다. 아버지의 작은 도움 덕분에, 아티스트, 대중에게 이해받지 못하고 받아들여지지 않는 사람, 살아남을 수 있었고, 그러므로, Grotzenia의 아들 Paul이 1872년에 태어났을 때에도, 이 가장 중요한 사건은 세잔의 모든 친척들에게 미스터리로 남아 있었습니다.
곧 예술가는 Pontoise로 이사했습니다. Camille Pissarro가 살았던 곳 - Cezanne의 잠재력을 믿었던 몇 안 되는 사람 중 하나입니다. 친구를 지원하는 것이 큰 도움이 되었습니다. 인상파 화가 피사로는 자아를 버리고 눈에 보이는 것을 써야 한다고 가르쳤습니다. 우리 주변의 세계를 해석하지 않고 자연의 실제 상태를 캔버스에 옮기는 것.
여기, Cezanne은 Ferdinand Gachet 박사에게 소개되고, 그는 그림을 좋아했고 "새로운" 예술을 높이 평가했습니다. Gachet는 즉시 자신이 Cezanne을 위대한 예술가로 간주한다고 선언했습니다. 그리고 그를 오베르에 있는 그의 집으로 옮기도록 설득했다. 세잔의 창의성에 대한 가셰의 열광적인 인식은 화가에게 희망을 불러일으켰습니다. 아무도 그의 작업에 관심을 갖고 진지하게 받아들이지 않았습니다. 여기, 작가는 자신의 작품에 가셰 가족 전체의 진정한 관심을 느끼고 수많은 풍경화를 그리기 시작했고, 인상주의적 글쓰기 방식에 휩싸였다.
밝은 성격
그림 "목매달린 사람의 집"(1873, 오르세 미술관, 파리), 그 우울한 이름에도 불구하고, 햇살 가득한 풍경이다. 캔버스의 훌륭하고 특이한 구성 구성은 콜라주와 같으며 다양한 계획의 조합을 기반으로 합니다.
전경은 보는 사람을 그림의 공간으로 안내합니다. 그 위에 우리는 눈에 띄지 않는 모래 경사면을 봅니다. 왼쪽 하단 모서리에 나무 그루터기와 함께, 깊은 곳으로 점진적으로 나아가기 위한 "출발점"으로 여기에 배치되었습니다. 두 번째 계획은 어두운 지붕의 건물과 풀로 덮인 언덕, 그 뒤에서 보기 흉한 "목매달린 자의 집"이 열리고, 마치 언덕에서 튀어나온 것처럼 그림의 세 번째 평면입니다. 그 뒤에는 바로 아래에있는 집의 지붕이 보입니다. 네 번째 계획, 밝은 붉은 벽돌 벽으로 건물을 보여줍니다.
아티스트에 이어, 캔버스의 왼쪽 하단 모서리에서 보는 뷰어의 눈은 언덕을 따라 내려오고, 건물의 벽과 고르지 않은 지형 사이에서 구불구불하고, 이와 같이, 공간의 전체 깊이를 드러냅니다. 그리고 이 공간을 보면 볼수록 더 복잡해 보입니다. 세잔은 그 풍경을 실물로 본 그대로 그대로 전달했고, 관점에서 재구성하지 않고 주황색 집들이 바로 옆 건물 옥상에 서 있는 것 같으니, 그리고 컴포지션의 왼쪽 상단 모서리에 있는 거대한 나무는 "매달린 집" 바로 위에 엄청나게 쌓여 있습니다.
그런 부조리한 구성이었고, 고전 미술에서는 상상도 할 수 없는 그것은 예술가가 자신이 본 세상을 충실하게 묘사할 수 있게 해주었다. 그림 "집과 나무"(1873-1874, 개인 소장품)의 구성 구조는 이전 작업의 단편과 유사합니다. 동일한 미완성 전경, 하얀 석조 건물은 여전히 언덕에서 직접 자라며, 가지가 많은 나무가 과시하는 것. 그 와인딩 트렁크, 벽의 평면을 가로지르는 것처럼, 그것을 따라 "넓게", 거대한 균열처럼. 이러한 모티브는 작품 전체에 낯설고 흥미진진한 극적인 코드를 부여하고, 그 집이 그 자체로 가지고 있는 비밀의 인상을 만들고, 마치 나무 줄기와 가지 뒤에 숨겨진 것처럼.
캔버스 "오베르의 가셰 박사의 집"(1873, 오르세 미술관, 파리)는 첫 번째의 교대로 구별되며, 비어있는, 두 번째 - 지나치게 채워진 계획. 그래서 Cezanne은 조화로운 구성을 만듭니다. 묘사된 집들, 작가가 서로 조밀하게 조각하는 것, 마치 이 지방 거리에 붐비는 것처럼. 그들의 벽의 선을주의 깊게 살펴보면, 그들이 짝수와 거리가 멀다는 것이 분명해집니다. 세잔은 선의 명료함을 추구하지 않고, 반대로, 고의로 왜곡하고, 표면을 고르지 않게 비추는 햇빛처럼 질감과 다른 물체와의 근접성에 따라 다릅니다.
폴 세잔은 자신이 본 것만 쓴다. 주변을 들뜨게 하지 않고, "올바른" 예술가가 해야 하는 것처럼. 단순한 기념비적 형태에 대한 작가의 매력은 이미 여기에서 드러난다. 이것은 주인의 개별 스타일의 특징이 될 것입니다. Camille Pissarro의 후원 아래, 세잔, 1874년, 인상파 화가의 첫 번째 전시회에 참가합니다. 다시, 그의 작품은 조롱을 받고, 하지만, 그의 일, "Hanged Man 's House"는 매우 큰 수집가가 구입합니다. 예술가에게 희망을 불어넣는, 오해로 괴로워합니다.
세잔의 고된 삶은 1875년에 쓰여진 자화상(오르세 미술관, 파리). 그것에 우리는 호기심 많고 믿을 수 없는 표정을 가진 눈에 띄게 대머리 예술가를 봅니다. Paul Cezanne은 직관적으로 예술에서 자신의 길을 찾았습니다. 그가 혼자 걸어온 길, 인정도 명성도 얻지 못한 채. 주인의 작품은 이해할 수없는 채로 남아 있었고, 그리고 그 자신도 수요 부족에 시달렸다. 타고난 고집과 방황만이 작가가 앞으로 나아가는 데 도움이 되었고, 그러나 끊임없는 조롱과 외로움은 때때로 그를 예술에 대한 자신의 비전을 의심하게 만들었습니다. 이로 인해 자신과 타인에 대한 불신이 생겼고, 화가의 시선에서 드러난다.
작품 "Love Struggle"(Bacchanalia, 1875년, A. Harriman의 컬렉션, 뉴욕), 작가는 벌거벗은 몸이 얽힌 공간에서 레이아웃의 자유로운 이미지를 허용하는 신화적 주제로 전환합니다. 표현이 풍부한 캔버스는 인물 자체에 밑줄이 그어진 정교함으로 인해 에뛰드의 느낌을 줍니다.
일련의 구성 방법은 맹렬하게 열정적 인 짝사랑의 치열한 투쟁의 약간 압도적 인 인상을 악화시킵니다. 나무는 위협적으로 매달려 있고, 낮은 수평선은 광대 한 하늘을 강조하고, 영웅들에게 압박을 가하는 것처럼 비정상적으로 윤곽이 뚜렷하게 정의된 소용돌이치는 구름조차도 공격적으로 보입니다. 그림은 연극적 풍경의 원리를 기반으로 합니다. 나무가 자라는 절벽이 무대 뒤에서 역할을 합니다. 캔버스의 깊이 부족, 이 효과만 강조합니다.
1875년에 세잔에게 중요한 회의가 열렸습니다. Auguste Renoir가 그를 열렬한 수집가 Viktor Choquet에게 소개했을 때, 작가의 그림을 샀던 사람. 그 순간부터 그들의 긴 우정이 시작되었습니다. 1877년, 화가는 "앉아있는 빅터 쇼케의 초상"(Gallery of Fine Arts, 콜럼버스), 루이 16세 시대의 장엄한 안락의자에 앉아 있는 화가의 친구, 편안한 집 분위기에서.
벽에는 Choquet 컬렉션의 일부인 눈에 보이는 예술 작품이 있습니다. 진실, 그들은 "프레임"에 전체적으로 포함되지 않습니다. 그러나 조각으로 제공되거나 도금된 프레임으로만 표시됩니다. 작가는 방의 장식을 신중하게 재현하거나 영웅의 특징을 사진으로 정확하게 전달하려고하지 않습니다. 그는 작품의 예술적 가치를 직관적으로 감상할 수 있는 세심하고 사려 깊은 사람으로 수집가의 일반화된 이미지를 만들어낸다. 빅터 쇼크의 키가 큰 모습은 오래된 낮은 의자에서 다소 우스꽝스럽게 보이지만, 캔버스의 위쪽 가장자리는 그의 회색 머리를 자르고, 모델의 다리와 의자의 다리는 캔버스의 아래쪽 가장자리에 거의 가깝게 칠해져 있습니다. 이것은 수집가가 그림의 할당된 틀 안에 밀접하게 포함되어 있다는 인상을 줍니다.
Hortense의 많은 초상화 중 하나 - "빨간 의자에 앉은 세잔 부인"(1877, 미술관, 보스턴), 어느, 우연히, 아직 예술가의 공식 아내가되지 않았지만, 색 구성표에서 비정상적으로 장관입니다. 의자의 빨간색 실내 장식은 Hortense의 옷과 그녀 뒤에 있는 벽의 녹색-올리브 및 파란색 색상과 대조를 이룹니다. 또한 여주인공의 모습을 완벽하게 구별합니다. 이 작품은 젊은 여성이 보는 사람과 최대한 가까이 있기 때문에 기념비적인 인상을 줍니다. 캔버스의 위쪽 가장자리는 그녀의 헤어스타일의 일부를 잘라내고, 그리고 아래쪽 - 그녀의 치마 밑단. 세잔의 인생 파트너는 옆을 바라보며, 그리고 교차된 손가락을 가진 그녀의 손은 모델과 시청자 사이에 심리적 장벽을 만듭니다.
우리는 "프랑스 프로방스의 산"(1878, 웨일즈 국립 박물관, 카디프). 세잔은 정신적으로 대상을 구성하는 개별 형태로 분해합니다. 그런 다음 그들로부터 자신의 현실을 구축합니다. 이 기술은 구성주의자들의 특징이 될 것입니다.
훨씬 더 “건설적”인 것은 “에스타쿠스 근처 프로방스의 집들”(1879, 국립 미술관, 워싱턴), "산 세인트 빅토리아"(1886, 국립 미술관, 워싱턴)와 "프로방스의 집"(1885, 미술관 헤론, 인디애나폴리스). 돌, 언덕, 주거의 벽은 일반화된 형태로 우리 앞에 나타난다. 세잔의 분석적 비전의 프리즘을 통과하여 그들에게서 불필요한 모든 것을 차단하고, 본질만 남기고. 캔버스 "프로방스의 산"(1886-1890, 테이트 갤러리, 런던) 정확하고 기하학적으로 강조됩니다.
아티스트가 활발히 활동하고 있으며, 그러나 살롱은 여전히 그의 작품을 거부합니다. 세 번째 인상파 전시회에서 세잔은 다시 조롱을 받는다. 진실, 예술가의 예술에 대한 한 명의 감정가가 있습니다. 정기적으로 자신의 작품을 구매합니다 - 교환에서 일하는 젊은 하급 공무원, 폴 고갱이라고 합니다.
탄탄한 경력을 쌓고, 폴 세잔은 인상파 화가가 된 적이 없습니다. 자연의 이미지와 밝은 공기 환경의 인상주의적 전달에 대한 그의 매혹은 주변 현실에 대한 사변적 질서의 필요성에 대한 인식으로 대체되었습니다. 작가가 보고 재현하는 것만으로는 충분하지 않았고, 그는 세계의 숨겨진 구조를 보고 전달해야 했습니다.
인생의 기복
1886년, 화가의 개인 생활에서 많은 사건이 발생했습니다. 첫째, 세잔, 거의 그의 뜻에 반하여 (그는 아버지 집의 젊은 하녀에 대해 매우 열정적이기 때문에), Hortense와 결혼했고, WHO, 가족들의 권유로, 프로방스의 세잔느 부동산으로 이사했습니다. 이때까지, 예술가 Paul의 아들은 이미 열네 살이었습니다. 둘째, 그의 젊음의 친구, 세잔, 유명한 작가 에밀 졸라, 소설 "창의력"을 출판하고, 작가가 주인공을 프로토타입한 곳. 소설은 세잔 자신과 그의 예술에 대한 졸라의 태도를 완벽하게 보여주었다. 자살로 영웅의 삶을 마감합니다. 화가는 이 제스처를 오랜 친구가 예술가 자신이나 그의 예술을 믿지 않는다는 큰 발표로 받아들였습니다. 이렇게 해서 이 시대의 두 천재, 즉 위대한 작가와 위대한 예술가 사이의 우정은 끝이 났습니다. 셋째, 화가의 폭군 아버지가 돌아가셨고, 그에게 확실한 유산을 남겼습니다.
2 년 후, 세잔은 그의 아들 폴의 멋진 이중 초상화를 만듭니다. 할리퀸 의상을 입고, 그리고 그의 친구, 피에로 의상을 입고. 그림 "피에로와 할리퀸"(1888, A. 푸쉬킨 주립 미술관, 모스크바)는 Maslenitsa 카니발 축제의 한 장면을 묘사합니다. 게시물 바로 직전에 발생합니다(그림의 두 번째 이름이 "Mardigra"인 것과 관련하여, "팬케이크 주간"입니다.) 캔버스에, 아버지는 공개적으로 아들을 존경합니다. 우리는 엄청나게 오만하고 잘 생긴 폴을 봅니다. 날개에서 나온 자, 뷰어를 내려다보고 있습니다. 이러한 배경에 대하여, 분리된 피에로, 다소 우스꽝스러운 자세로 구부러지고, 의무적인 페이지인 것 같습니다.
Hortense의 요청으로, 1888년 세잔은 파리로 이주했다. 1년 후, 화가 "The Hanged Man"의 그림, 수집가 Viktor Shoke의 투영으로 인해 세계박람회에서 선보였습니다. 하지만 이 작품은 대중의 눈에 띄지 않고, 너무 높게 배치했기 때문입니다.
다시 한번, 세잔의 작품은 보지도 않았고 보고 싶지도 않았고, 그의 재능은 다시 인정받지 못한 채 남아 있었다. 화가는 이미 60대였고, 건강 문제로 인해 그는 끊임없이 거주지를 변경해야했습니다. 그러나 그는 계속해서 그림을 그리고 그의 젊은 꿈을 실현했습니다. 그는 Louis Lenin의 "Card Players"라는 작품의 정신으로 자신의 작품을 만들었습니다. 어린 시절에도 그에게 큰 인상을 남겼습니다.
그림 "카드 플레이어"(1892, 메트로폴리탄 미술관, New York)은 세 명의 청년이 좋아하는 여가 시간을 보내는 모습을 그린 장르의 작품입니다. 배경에 있는 관찰자의 모습은 그림의 위쪽 가장자리에 의해 어깨에서 잘려지고, 그녀 덕분에, 구성 계획에서, 캔버스가 불완전해 보입니다. 아이디어의 명확하고 간결한 표현을 위해 노력하고, Cezanne은 이 작품의 여러 버전을 썼습니다. 같은 이름의 캔버스의 최종 버전, 거의 같은 시기에 생성되었으며, 완성도에 놀라고, 간결함과 대칭, 그 과도한 영향력을 극복하기 위해, 세잔은 오른쪽 선수의 등을 잘랐다.
그림의 구성 및 의미 중심은 일치합니다. 이것은 자랑스러운 와인 한 병의 틀을 짜고 있는 것처럼 보이는 두 사람의 손입니다. 작품은 이전 버전에 내재된 엄격한 장르를 박탈합니다. 불필요한 것은 없으며, 모든 것이 매우 엄격하고 매우 표현적입니다. 플레이어는 자신의 추격에 완전히 몰두하고, 그들에게는 시간이 멈춘 것 같지만, 전 세계가 서로를 향해 기울어진 두 인물 안에 집중되어 있다. 바로 지금, 카드 레이아웃에서 가장 중요한 결론은, 그들에게 게임은 일종의 신성한 일이 되고, 덕분에 그림 자체가 신성한 의미를 갖습니다. 아마도 붉은 식탁보 위에 놓인 포도주 병에는 피와 속죄라는 전통적인 상징적 의미가 담겨 있을 것입니다.
초상화 "빨간 조끼를 입은 남자"(1888-1890, 현대미술관, New York)은 탁월한 색상 사용 덕분에 특히 표현력이 뛰어납니다. 레드와 화이트 컬러의 엄숙한 조합은 블랙의 풍부함으로 더욱 돋보이며, 이것은 캔버스의 영웅의 프로필을 매우 명확하고 대조적으로 만듭니다. 세잔은 블랙을 피하지 않고, 많은 인상파 화가들처럼 하지만, 반대로, 형태를 형성하는 요소로 그림에 도입합니다. 젊은 남자의 머리카락이 검은 커튼 배경과 합쳐지고, 이 기술, 마스터는 마치 모델을 캔버스 공간에 "삽입"하는 것처럼 동시에 어떤 비극적인 소리를 냅니다. 묘사된 사람의 이미지가 완전하고 완전하며, 사진에 구체적인 내용이 포함되어 있지 않음에도 불구하고 - 시간이나 장소 지정이 아님에도 불구하고 빨간 조끼를 입은 청년의 활동에 대한 암시도 없습니다.
주제 구성 및 풍경
Paul Cezanne의 모든 정물화는 알아볼 수 있습니다. 가장 단순한 최소한의 개체 세트(몇 가지 과일, 도자기 화병, 접시와 컵), 꼬임이 있는 의도적으로 부주의한 커튼과 테이블 위에 던져진 수많은 주름은 구성에 장식적이고 독특한 표현력을 부여합니다.
그림 "설탕 그릇이 있는 정물"(1888-1890년경, 국립 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크)는 세잔의 가장 유명한 작품 중 하나입니다. 여기서 화가는 선형적 관점을 거부합니다. 우리는 캔버스에서 공통 소실점을 볼 수 없습니다.
우리는 흰색 커튼이 아무렇게나 던진 직사각형 탁상을 봅니다. 도자기 접시와 과일이 늘어서 있고, 한 번에 두 가지 관점에서:상단과 전면에서, 전통예술에서는 불가능한 일, 어느, 르네상스 이후, 2차원 평면 공간에서 3차원 캔버스를 올바르게 옮기는 작업을 했습니다.
Paul Cezanne은 회화의 주요 법칙인 원근법에 반대되는 정물을 만듭니다. 잘못된 공간 구성과 원근법 왜곡으로 인해 벽에서 테이블까지의 거리를 결정하는 것이 불가능해집니다. 또는 배경에 보이는 조각된 나무 다리, 보기에, 정원사. 벽의 평행 평면과 수직 평면 사이의 관계, 테이블, 바닥과 서랍도 암시적입니다. 깊이와 원근감이 결여된 공간, 기하학의 상대적인 준수로 구축, 정물화를 종교화와 비슷하게 만들고, 관점 이전에 생성되고 승인된 스타일, 그리고 종종 그것을 무시했습니다.
Cezanne은 각 개체가 자급자족을 얻고 그 자체로 예술가의 "모델"이 될 수 있는 자신의 좌표계를 만듭니다. "추가의", 첫눈에, jardinier의 다리 부분이 도입된 이유는 다음과 같습니다. 이 특정 부분, 첫째, 캔버스의 오른쪽 상단 모서리에 전체 구성을 "유지"하고, 둘째, 그림 상단 부분의 전체적인 차가운 색 배경에서 강력한 색채적 액센트 역할을 하며, 그 갈색 색조는 갈색 탁상과 잘 익은 과일의 따뜻한 색조와 조화롭게 공명합니다. 예술가가 그룹으로 묶지 않고 테이블의 평면에서 개체를 자유롭게 구성하는 것은 우연이 아닙니다. 구성의 무결성이 깨지지 않습니다.
사과와 오렌지가 있는 정물(1895, 오르세 미술관, 파리), 커튼이 있는 정물(1899, 국립 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크)와 가지가 있는 정물(1893-1894, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕). 첫 작품에서는 그림 같은 주름으로 공간을 형성하는 직물의 역할은 특히 분명합니다. 캔버스 전체를 채우는 고급스러운 원단입니다. 그들은 관점을 불필요하게 만들고, 일반적인 좌표계가 없는 경우 공간은 입체감을 잃는다. 혼란스러운, 첫눈에, 접힌 더미는 가구와 건물을 숨 깁니다. 물체가 무엇인지 완전히 불분명합니다. 이 효과 덕분에, 장식성이 강조된 느낌을 주며, 그리고 심지어 연극성, 공간에 대한 보다 향상된 평면 해석.
이 정물에서, 마스터는 색상으로 매우 표현력있게 작업합니다. 외젠 들라크루아(Eugene Delacroix)의 위대한 낭만주의 회화의 이국적인 커튼을 연상시키는 밝은 오리엔탈 패브릭, 세잔의 우상, 부주의하게 던진 배경을 만들고, 얼룩덜룩한 흰색 천과 도자기 꽃병. 이 눈부신 모습에 먼저 보는 이의 시선을 사로잡으며, 복잡하게 디자인된 스팟, 하도록하다, 천의 능숙한 전사를 즐기고, 그런 다음 밝은 과일에 집중하십시오. 마치 흰색 바탕에 빛나는 것처럼. 전체 구성을 능숙하게 구성하는 흰색입니다. 그는 눈이 축제 꽃에서 길을 잃고 캔버스 주위를 돌아 다니는 것을 허용하지 않습니다. 색상 결정에 엄격함을 도입하고 구성을 중앙에 "수집"합니다.
색상의 도움으로, 구성의 통일성은 가지가있는 정물에서 달성됩니다. 차가운 블루 라일락 범위 덕분에, 캔버스는 놀라울 정도로 매끄럽게 보입니다. 오렌지-레드 사과 형태로 밝은 대비를 가집니다. 작품의 전체적인 톤이 부드러워지고, 마치 정물에 있는 물체의 무작위 배열처럼. 색상만 아니었으면 세라믹 꽃병, 접시와 병이 너무 가깝거나, 그것들은 터무니없는 무작위의 더미처럼 보였을 것입니다.
예술가에 대한 내적 우울증의 증거 중 하나는 해골이 있는 정물(1898-1900, 개인 소장품). 네덜란드의 세계 미술에 비슷한 작품이 등장했으며 "vanitas"( "허영심의 허영심")의 작품에 속했습니다. 지상의 모든 것의 덧없음을 상징합니다. 접힌 시신은 클로즈업되어 캔버스 표면의 대부분을 차지합니다. 그림에 다른 물체가 없고 빈 눈구멍, 보는 이의 시선을 사로잡는, 초상화와 신성 모독적인 관계를 일으키고, 정물이 아닙니다.
세잔은 그의 아버지의 주요 상속인이었지만, Aix에서 그가 가장 좋아하는 부동산은 그의 친척들에 의해 자신도 모르는 사이에 팔렸습니다. 또한, 세잔의 개인 소지품, 연장자, 작가가 어렸을 때부터 기억하는 가구까지, 파괴되었다.
고향을 잃은 슬픔에, 화가는 블랙 캐슬이라는 음침한 이름의 영지를 얻기로 결정합니다. 이 의도는 결코 실현되지 않았음에도 불구하고, Cezanne은 "검은 성 위의 바위 동굴의 숲"(1900-1904, 국립 미술관, 런던), "강의 방앗간"(1900-1906, 말보로 미술관, 런던). 그들에서, 아티스트, 이전과, 모든 형태를 구성 요소로 분해하고, 그러나 더 나아가 - 일반적으로, 작품의 스타일은 후기 인상주의가 아니라, 그러나 이미 추상화.
빅토리아 산은 폴 세잔이 그의 풍경화를 그리는 데 가장 좋아하는 장소가 되었습니다. 그는 젊었을 때 그녀의 장엄한 아름다움에 감탄했습니다. 창작의 후기에는 주인은 이 산의 풍경을 반복해서 그렸고, 다른 대기 조건과 다른 조명으로 아름다움을 전달합니다.
At the end of his life, Cezanne conceived a large-format multi-figure composition of naked bathers in the bosom of nature. The artist has long dreamed of writing this canvas and there are several of its options created at different times. Due to natural timidity and lack of funds, Cezanne never used the services of models. 그러므로, to create his own composition of several naked female bodies, he even asked one of his friend to get photographs of the female nude. Perhaps this explains some angularity of all the figures created by the artist without relying on nature.
The painter worked a lot and hard on the painting “Big Bathers” (circa 1906, the Art Museum, Philadelphia), carefully considering the layout of the nudes in space, meticulously reconciling the rhythm of body lines and outstretched arms, which, together with inclined tree trunks, form a harmonious semicircle. The work was to become a masterpiece, a kind of apogee of Cezanne’s creativity. The artist hoped to find himself through the harmony of the "roundness of the female chest and shoulders of the hills." Unfortunately, we will never know what kind of artist the artist would like to see in the end, since death interrupted his work.
World fame coming too late
Paul Cezanne was a loner, he followed his unbeaten path, almost misunderstood and ridiculed by too many. The artist did not want a simple reproduction of nature, he sought to know its inner essence and convey this fundamental structure on the plane of the canvas. The master’s work anticipated the art of cubism and abstraction, depicting reality refracted by the consciousness of a particular person. Cezanne discovered the world "new art", completely constructed in his mind, and therefore deeply original and individual.
Only at the end of life, recognition gradually began to come to the artist. In the late 1880s, a Parisian art dealer Ambroise Vollard became interested in the work of Cezanne. At first he studied the work of the master, looked closely at them, was interested in the opinions of other artists. After much deliberation, Vollard decides to track down Cezanne to organize his first solo exhibition.
The exhibition, which opened in 1895, covered all periods of the painter’s work, showing the evolution of his creative vision and revealing to everyone the unknown Cezanne. Those who came to support the artist Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir and Camille Pissarro were amazed. Monet and Degas immediately bought several works of an old friend, and the Parisian public was already ready to accept the art of Cezanne.
After the first exhibition, the second followed. Vollard, although inexpensively, but stably bought the artist’s work. Two of his paintings were acquired by the National Gallery of Berlin. 하지만, only in 1900, the painter finally won recognition at home, in Aix, putting an end to bullying and ridicule.
Gradually, thanks to his participation in the Paris International Exhibition, and other events dedicated to art, Cezanne became famous throughout the world, the name of the artist turned into a legend. 하지만, unfortunately, this well-deserved recognition came to the painter very late. October 22, 1906 Paul Cezanne died. Only after the death of the artist, his paintings truly found their audience.
