봄은 가장 기다려지는 계절입니다. 겨울의 짧은 낮과 긴 밤이 지나고, 우리는 작은 징조를 주의 깊게 관찰합니다. 환생의 계절이 다가오고 있다는 추운 날의 1분. 시즌의 풍부한 상징성과 아름다움은 역사를 통틀어 예술가들이 가장 좋아하는 주제로 만들었습니다.
산드로 보티첼리 <나> 프리마베라 예술사에서 가장 유명하고 이해하기 힘든 시즌의 비유 중 하나입니다. 그림에서, 9개의 신화적인 인물이 주황색 숲(Medicis에 대한 참조)에 나타납니다. 그들 주위에, 수백 종의 식물이 꽃을 피웁니다. 그림에는 고전과 르네상스 시와 문학에 대한 무수한 언급이 있습니다(Ovid, 루크레티우스, 다른 사람), 그러나 어떤 특정한 이야기로 이어지지는 않는다.
보티첼리가 이 그림을 언제 그렸는지는 알 수 없지만(학자들은 그것이 1470년대 또는 1480년대 초라고 동의하지만) 그가 정확히 왜 그랬는지도. 많은 사람들은 이것이 1482년 Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici와 Semiramide Appiano의 결혼식을 기념하여 Medicis가 선물로 위임했다고 생각합니다. (7월에 결혼했지만, 원래 결혼식은 5월로 예정되어 있었는데, 봄을 적절한 주제로 만들기). 그림의 이름도, "봄, "는 보티첼리의 아이디어가 아니었습니다. 조르지오 바사리가 작품이 만들어진 지 약 70년 후에 그것을 보고 그 작품에 주어졌습니다.
피렌체 우피치 미술관 소장의 보석, 봄 식물에 대한 이 폭발적인 묘사는 르네상스의 그림에서 가장 존경받고 추측되는 것 중 하나입니다. 아직, 그것은 매혹적인 놀라움으로 가득 차 있습니다…
기초
주변의 많은 대화 <나> 프리마베라 장면의 신화적인 인물을 구별하고 식별하는 데 중점을 두었습니다. 그림, 80 x 124인치의 상당한 크기, 오른쪽에서 왼쪽으로 읽도록 되어 있습니다.
일반적으로 받아 들여지는 읽기는 다음과 같습니다. Zephyrus의 파란색 그림, 3월의 차가운 바람이 오른쪽으로, 님프 클로리스를 껴안고, 그가 납치할 사람. Zephyrus는 나중에 Chloris와 결혼하고 그녀는 Flora로 변할 것입니다. 봄의 여신. 보티첼리는 클로리스의 모습과 플로라의 모습을 겹침으로써 이러한 변화를 알렸다. 오른쪽에서 세 번째 인물로 등장하는 사람은 우아하게 흩날리는 꽃. 구도의 대략 중앙과 약간 뒤쪽에 금성으로 널리 동의되는 형상이 있고, 회색 파란색과 빨간색 목도리 드레스. 금성 위에는 그녀의 동반자가 있습니다. 큐핏, 눈가리개, 그의 화살을 겨냥한.
다음으로 3명의 그레이스가 투명하게 나타나며, 투명한 흰색 드레스. 맨 왼쪽에 머큐리 신이 나타납니다. 많은 사람들이 이 신화적인 인물의 순서를 시즌의 진행을 암시하는 것으로 해석했습니다. 3월의 제피루스와 함께, 그 뒤를 이은 비너스, 4월의 여신, 그리고 수은, 5월의 신, 여름이 무대에 오를 준비를 하는 동안 마지막 추위를 해산하기 위해 그의 카두세우스를 구름 덩어리 쪽으로 들어올립니다.
플랑드르 태피스트리는 분명한 영감이었습니다.
하는 동안 프리마베라 오늘날 Quattrocento 예술의 전형으로 간주 될 수 있습니다. 그림은 실제로 초기 고딕 양식의 구성적 접근 방식을 수용하며, 르네상스 시대의 예술 작품에서 고양된 원근감과 공간의 숙달(보티첼리가 충분히 달성할 수 있었던)보다는.
무려 500여 종의 식물이 그림에 그려져 있다고 합니다. 약 200개의 다른 꽃 중 130개가 구체적으로 확인되었습니다. 이 풍부한 식물, 그리고 그것의 흩어진, 거의 벽지와 같은 렌더링, 플랑드르 태피스트리(millefleur)(또는 "천 개의 꽃")에 놀라운 선례가 있습니다. 보티첼리 시대의 많은 궁전에서 흔히 볼 수 있는 것이었습니다.
15세기와 16세기의 태피스트리는 계속해서 초기 고딕 구성 배열을 활용했으며, 여기 보티첼리가 포옹한 현실 세계의 공간적 관계가 아닌 신화적 인물을 배열하고, 줄에 진주처럼 나란히 " 미술사가 Helen Ettlinger는 이렇게 썼습니다. 그리고 숲을 배경으로 공간을 닫는 일종의 연극 커튼 역할을 한다.
Medicis는 네덜란드와 사업상의 관계를 맺고 피렌체에 있는 그들의 가정을 위해 다수의 플랑드르 태피스트리를 의뢰했습니다. 또 뭔데, 우리는 그것을 알고 프리마베라 위에 매달리기 위한 것이었다 상추 , 높은 백업 캐비닛, 태피스트리가 자주 전시되었던 곳, 일종의 영리한 시각적 왜곡으로.
프리마베라 변태에 대한 은유인가
<나> 프리마베라 메디치가 자신의 시대에 수용하고 대중화한 고전 3세기 신플라톤주의 철학과 저술을 구현했다고 합니다. 르네상스 이탈리아에서는 신플라톤주의 예술가들과 사상가들은 고대 고대 신앙과 기독교 신앙을 종합하거나 유사점을 도출하려고 했습니다. 금성, 예를 들어, 세속적 사랑과 신적 사랑 모두의 고전적인 구현으로 간주되었으며, 따라서 성모 마리아의 선구자 또는 평행선.
보티첼리는 금성을 묘사할 때 이러한 암시를 미묘하게 표현합니다. 인물 뒤의 나뭇가지가 휘어지면서 일종의 후광을 형성하고, 그리고 그녀의 배가 임신의 묘사라고 생각했던 것처럼 배가 부풀어 오릅니다. 게다가, Venus는 동시대의 성모 영보 대축일 장면에서 천사 가브리엘에게 마리아의 몸짓을 반영하는 인정과 초대의 몸짓으로 그녀의 손을 들어 올리며, 보티첼리를 비롯한 세스텔로 수태고지 1481의.
그 변형을 염두에 두고(금성에서 성모 마리아로), 그림 전체에 걸쳐 변형 패턴을 인식하기 시작할 수 있습니다. 클로리스의 플로라 변신을 비롯해 겨울에서 봄으로의 변신, 더 개념적으로, 문학의 시각 예술로의 전환.
“보티첼리는 시간이 지남에 따라 점진적인 변태 과정을 제시하고, " 미술사가 Paul Barolsky는 그의 에세이에서 다음과 같이 말했습니다. "보티첼리의 '프리마베라'는 자신의 창조물에 대한 알레고리입니다." 예술가는 이것을 성취하고, 예를 들어, “먼저 클로리스의 드레스 베일을 통해 꽃의 실루엣을 보여주면서, 이 꽃들이 결국 플로라의 드레스를 장식할 때 어떤 형태를 취할 것인지를 희미하게 암시할 뿐, ” 그리고 그림 전체에 흩어져 있는 수많은 영리한 시각적 말장난으로.
<강한> 장면을 완성하는 동반자 그림과 그 의미
큐피드의 화살은 그림을 이해하는 데 중요한 단서를 제공합니다. 화살촉은 삼신의 중심 인물을 가리키고, 순결을 믿었고, 고개를 돌리는 사람, 외부, 캔버스 왼쪽으로 어떤 이들은 순결이 머큐리의 형상을 향해 시선을 돌리고 있다고 주장합니다. 여기 그림의 반대편에 있는 클로리스와 제피루스의 대체 커플을 제공합니다.
그러나 많은 학자들은 Chasity가 그 대신에 그녀의 시선을 장면에서 시선을 돌리고 있는 것으로 여겨지는 동반자 그림으로 시선을 돌리고 있다고 믿습니다. <나> 프리마베라 — 보티첼리의 <나> 팔라스와 켄타우로스 (1482) - Lorenzo de' Pierfrancesco와 그의 신부에게 결혼 선물로 가장 확실하게 주어졌습니다.
와 같은 <나> 프리마베라, <나> 팔라스와 켄타우로스 메디치에 대한 암시로 가득 차 있습니다. Pallas의 드레스는 가족의 세 고리 휘장으로 장식되어 있습니다. 중요한 것은, 그림은 일반적으로 팔라스 아테나를 묘사하는 것으로 해석됩니다. 지혜와 무역의 여신, 켄타우로스를 제압하고, 억제되지 않은 열정의 구현, 즉, 이성은 욕망을 억제하고, Chloris의 납치라는 폭력적인 이미지에 대한 보다 구체적인 대안을 제시합니다. <나> 프리마베라.
결혼 선물로, 그림은 신부를 위한 일종의 비유였을 것입니다. 그리고 두 그림 모두 부부의 침실 옆 방에 걸린 것으로 알려졌습니다. Lilian Zirpolo가 그녀의 에세이에서 언급했듯이, “보티첼리의 '프리마베라':신부를 위한 교훈, "그림은 신부에게 "순결에 대한 교훈을 제공하는 데 함께 작동합니다. 항복, 그리고 출산… 큐피드는 그레이스 중 하나를 향해 화살을 겨누고, 마치 로렌조 드 피에르프란체스코의 신부가 처음으로 남편의 침실에 들어갔을 때 순결을 포기한 것처럼.”
그 독서에서, 프리마베라 다양한 시적, 문학적 참고 문헌에 대한 단순한 지적 비전 그 이상입니다. 기대 사회에 대한 상류층 르네상스 여성을위한 실용적인 지침이기도합니다. 그리고 그녀의 새 남편, 그녀에게 있었다.
