플로린 슈테트하이머가 1944년에 사망했을 때, 72세에, 뉴욕 아티스트, 시인, 그리고 살롱니에르, 아직 마지막 손질을 하고 있었다 <나> 예술의 대성당, 뉴욕의 문화에 바쳐진 4개의 기념비적인 그림 시리즈의 마지막, 사회의, 그리고 경제 사원. 규모는 동일합니다. 각 그림은 높이가 5피트, 너비가 4피트가 조금 넘습니다.
시리즈, 포함 <나> 브로드웨이 대성당 (1929), NS <나> 5번가의 대성당들 (1931) <나> , 그리고 <나> 월스트리트의 대성당들 (1939), 그녀는 평생 동안 집이라고 불렀던 도시의 예배당에 대한 경의를 표했습니다. NS <나> 예술의 대성당 가장 개인적인 작품이라고 할 수 있습니다.
그녀의 일생 동안 비판적인 사랑을 받지는 못했지만, 슈테트하이머는 도시의 문화적 환경에 완전히 얽매여 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)을 세웠습니다. 알프레드 스티글리츠, 그리고 조지아 오키프(Georgia O'Keeff)는 그녀의 가장 친한 친구와 자주 집에 손님으로 모였습니다.(뒤샹은 MoMA에서 스테트하이머의 작업에 대한 사후 1946년 회고전을 조직했습니다. 여성에게 헌정된 최초의 박물관입니다.)
스테트하이머의 전형으로 그린, 그리고 의도적으로 여성스러운 화이트 팔레트, 핑크, 그리고 빨강, <나> 예술의 대성당 이 도시의 주요 박물관 중 세 곳인 현대 미술관(Museum of Modern Art)의 환상적인 초상화입니다. 메트로폴리탄 미술관, 그리고 휘트니 미술관(Whitney Museum of American Art)과 실제 미술 비평가의 묘사가 풍부합니다. 딜러, 그리고 아티스트 자신까지도, 왼쪽 하단에, 스테트하이머의 가장 유명한 캔버스 중 하나인 예술의 대성당 이상한, 심지어 페이, 분위기는 예술가의 예리한 사회적 논평과 정보에 입각한 현대적 관점을 위한 한척입니다.
다음은 세 가지 사실입니다. 예술의 대성당 그러면 그림을 완전히 새로운 방식으로 볼 수 있습니다.
<강한> The Painting is Who's Who of the New York Art World
그녀의 일생에서, 슈테트하이머의 작품은 주로 장식용으로 이해되었으며, 주제에 있어 고립된, 그리고, 가장 좋은 경우, 미국의 상징주의 전통을 발전시켜온 지난 수십 년 동안, 하지만, 역사가들은 풍자를 강조했습니다. 사회적으로 영감을 받아도 그녀의 가짜 스타일로 코딩된 메시지(Stettheimer는 늦은 예술적 블루머였으며 40대에 그녀의 서명 스타일의 그림을 찾기 전에 학문적 전통에서 일했습니다).
"Cathedrals" 그림은 주제가 지나치게 개인적인 것이 아니라는 점에서 Stettheimer에게 독특합니다. 그녀의 주제는 친구와 가족의 친밀한 세계를 중심으로, 그녀의 자매인 Ettie와 Carrie를 포함하여 “이 작품의 사회적 성격은 매우 사적인 것입니다. "미술사가 Linda Nochlin이 썼습니다. 슈테트하이머 엔터테인먼트의 세계, 야회, 그리고 피크닉."
<나> 예술의 대성당 Stettheimer가 현실에서 알고 있는 예술계 인물을 Met(중앙)의 환상적인 집합체에 배치할 수 있는 독특한 기회를 제시했습니다. 모마(왼쪽, 피카소와 앙리 루소의 그림 참조), 그리고 휘트니(오른쪽), 연속적인 무대와 같은 설정으로 제공됩니다.
작품에는 유명한 인물들이 많이 있습니다. 미술 평론가인 Henry McBride는 그의 비판적 능력에 대한 언급인 "stop"과 "go" 깃발을 들고 그림의 전면을 향하고 있습니다. Alfred Stieglitz는 캔버스 중앙을 향해 돌진하여 서 있습니다. 미용사로서의 역할을 나타내는 검은 망토 사진작가 George Platt Lynes가 아기 사진을 찍는 모습을 보여줍니다. 스테트하이머는 이것을 "아기 예술"이라고 불렀습니다. 박물관 관장은 곳곳에 점재되어 있습니다. 왼쪽에는 코르뷔지에 스타일의 의자에 앉아 있는 MoMA의 알프레드 바(Alfred Barr)가 나타나고, 메트의 당시 감독이었던 프랜시스 헨리 테일러(Francis Henry Taylor)는 아기와 손을 잡고 유명한 곳으로 걸어갑니다. 박물관 컬렉션의 오브제, 마치 여행을 하는 것처럼.
여성, 일반적으로 Stettheimer의 그려진 세계의 중심, 주로 이 장면의 주변부에 존재한다. 당시 나이가 70대임을 감안하면 상당히 젊고, 캔버스에 레이블이 지정된 커머 , 아니면 대모, 하지만 그녀는 외부 관찰자로 나타나 캐노피 공간에 거주합니다. 유사하게, 휘트니 감독 줄리아나 포스는 고립된 것처럼 보이지만, 거트루드 밴더빌트 휘트니의 황금 동상 옆에서 다소 단호한 표정으로, 그림의 오른쪽 뒤에서.
스테트하이머의 작품에서 흔히 볼 수 있듯이, 퍼즐과 같은 단서와 코드의 배열은 가능한 의미로 해석될 수 있는 반면, 그녀는 박물관 벽에 피카소의 이름을 엠블럼으로 그녀도 그녀를 추가합니다. 반대로 쓰여있지만, 자신의 무능함을 암시하는 암시, 그리고 작품의 겉보기에 경박함을 감추는 디테일의 종류.
<강한> 그림은 세속적인 제단화로 의도되었습니다
Stettheimer의 "Cathedrals" 시리즈는 뉴욕시의 소위 "예배 장소"인 예술, 재원, 이러한 작품을 만들면서 슈테트하이머는 작곡에 영감을 주기 위해 종교 예술을 바라보았고, 특히 삼부작 제단.
"이 시리즈는 여러 부분으로 구성된 제단화를 닮도록 설계되었습니다. 그 규모와 치수(각 작품은 너비 50인치, 높이 60인치 이상)뿐만 아니라 이상적인 디스플레이, "미술사가 H. Alexander Rich는 "플로린 슈테트하이머 재발견(다시)"이라는 에세이에서 썼습니다. 도, 우리는 Stettheimer가 자신과 그녀의 친구 Robert Locher를 다음과 같이 묘사한 것을 상상할 수 있습니다. <나> 사회자 그리고 <나> 코메르 (대부와 대모), 성도들이 우리를 현장으로 환영하듯이, 그러나 그들 자신은 그것의 외부에 존재합니다.
"두 인물은 예술 세계와 관객 사이의 수호 성인 또는 중재자 역할을 합니다. <나> 예술의 대성당 , 그 다음에, 예술에 대한 찬사일 뿐만 아니라 뉴욕의 예술 기관과 이를 운영하는 사람들에 대한 찬사입니다. "노클린을 썼다.
이러한 종교적 참조를 염두에 두고, 박물관 구조의 아치형 프레임은 일종의 만돌라로 해석될 수 있으며, 박물관의 신성한 행사를 둘러싸고 중앙의 "Baby Art"는 출생 장면에서 Christ-child의 대명사입니다. 카메라 플래시와 함께 신성한 빛의 현대적 보복.
<강한> 극장은 그녀의 회화 접근 방식을 깊이 있게 알려 주었습니다.
Stettheimer의 작업에 대한 비판적 토론은 종종 연극 디자인의 영향을 정당하게 언급합니다. 특히 그녀의 강한 연출과 프레이밍 감각에서 그녀는 어린 시절의 대부분을 자매, 어머니와 함께 유럽에서 보냈습니다. Sergei Diaghilev의 선구적인 Ballet Russes 방문은 그녀의 그림에 지속적인 영향을 미쳤습니다.(Stettheimer는 Gertrude Stein의 1933 오페라 세트도 디자인했습니다. 3막의 4성도. )
슈테트하이머는 헌신적인 시인이기도 했습니다. 그녀의 글은 종종 프랑스 철학자 앙리 베르그송의 철학에 영향을 받았다고 합니다. 운동, 그리고 변화 - 슈테트하이머의 시뿐만 아니라 그녀의 그림에서도 명백한 영향을 미칩니다.
"장면 안에 인물을 복제하고 며칠을 하나로 합치면 슈테트하이머는 베르그소니아 시간에 대한 그녀의 이해를 바탕으로, "미술사가 David Tatham이 썼습니다. "Bergson의 주장은 기간과 이질성을 구별했습니다. 겹치는 이벤트 및 선형, 측정 가능한 시간 인간의 경험에서 지속 기간은 기억된 과거와 의식적인 현재를 포괄하며, 그리고 컨셉으로, 그것은 회화의 얼어붙은 순간에 이질적이었다."
에 <나> 예술의 대성당 우리는 공간과 사건의 기발한 결합을 통해 이러한 동시성의 활용을 볼 수 있습니다. 뿐만 아니라 그녀의 "Baby Art, "그림의 전경과 배경 모두에 나타나는 메트 디렉터 프랜시스 헨리 테일러(Francis Henry Taylor)가 이끈다.
