11월 14일, 1840년 파리에서 오스카 클로드 모네(Oscar Claude Monet)라는 이름의 아들은 식료품점 주인의 가정에서 태어났습니다. 불과 5년 후, 미래 예술가의 온 가족이 노르망디로 이사를 갔고, 르아브르로. 만 14세부터, 모네는 만화를 그리며 돈과 명성을 얻기 시작했습니다.
클로드 모네 그림
여기, 르아브르에서, 청년은 풍경화가와 오리지널 외젠 부댕을 만나, 그 당시에는 매우 이상한 방식으로 작업했던 그는 스튜디오가 아닌 자신의 그림을 그렸습니다. 그러나 야외에서 직접.
Monet은 Boudin 방법의 장점, 즉 캔버스에 자연을 옮기는 즉시성과 생동감을 깨달았습니다. 그때부터, 그건, 1856년경부터 예술가는 또한 야외에서 글을 쓰기 시작했습니다. 그렇다하더라도, 클로드 모네는 평생을 그림에 바치기로 결심하고, 그의 아버지가 이 문제에 대해 자신의 의견을 가지고 있었음에도 불구하고.
사명을 결정하고, 모네는 파리로 이사하고, 1859년에 그는 스위스 아카데미에 입학했습니다. 그곳에서 그는 현실주의자 귀스타브 쿠르베를 만난다. 위대한 낭만주의 외젠 들라크루아(Eugene Delacroix)와 인상파 화가 카미유 피사로(Camille Pissarro). 진실, 단 1년의 훈련 끝에, 예술가는 군 복무를 위해 알제리로 파견되었고, 그러나 그는 건강상의 이유로 예정보다 일찍 르아브르에 돌아왔다. 그리고 그곳에서 그는 즉시 파리로 돌아갔다.
조명 효과에 대한 창의적인 실험과 열정
모네에게 운명은 당시 유명한 화가 샤를 그다이르의 작업실에 들어가는 것이었다. 그곳에서 그는 미래의 친구인 오귀스트 르누아르를 만났습니다. 알프레드 시슬리와 프레데릭 바질, 인상파 운동을 시작할 사람. 예술에서 새로운 방식을 찾는 것이 회사 전체의 목표이자 주요 엔터테인먼트가 되었습니다.
3 년 후에, 모네는 "풀 위의 아침"이라는 그림을 남겼습니다. 영감은 같은 이름의 에두아르 마네(Edouard Manet)의 스캔들 작품이었습니다. 하지만, 모네는 실제 누드 캐릭터의 이미지로 대중을 놀라게 하지 않았고, 마네가 그랬던 것처럼. 젊은 예술가는 자신의 스타일을 찾고 있었습니다. 이미 이때, 그는 선을 무시하기 시작했고 컬러 스폿을 사용하여 모든 형태를 모델링했습니다. 화가, 여전히 자연 속에서 글쓰기에 중독된 노르망디에서, 자연광의 효과에 가장 관심이 많았습니다. 숲 가장자리에 대한 작업은 젊은 예술가에게 태양 광선이 나뭇잎을 통과하고 다양한 표면에 떨어지는 방식을 관찰할 수 있는 기회를 주었습니다. 즉시 색상이 변하는 나뭇잎의 반사와 눈부심 덕분입니다.
모네는 연인인 카미유 돈시에를 직장에서 여성 캐릭터의 모델로 삼았고, 그리고 그림의 남성 캐릭터는 Frederic Bazil이 쓴 것입니다. 이 회사, 자연의 품에서 아침식사로 준비된 대화에만 몰두하고 시청자와 접촉하지 않습니다. 여기에 작가가 등장한다. 눈치채지 못한 관찰자처럼, 신사 숙녀 여러분은 그를 위해 포즈를 취하지 않습니다. 우리는 숙녀 드레스의 주름을 존경 할 수 있습니다. 그들의 등은 우리에게 향했다. 그림의 오른쪽 아래 구석에 앉아 있는 청년의 얼굴도 보는 사람에게서 등을 돌리고 있다. 모네는 자신의 법칙을 따르고, 그는 구성을 명확하게 구성하지 않으며, 마치 연극의 미장센처럼. 캐릭터의 전경에 등을 대고 보는 사람을 바라보는 이미지는 단순히 불가능하다는 전통을 깨고, 작가는 자신만의 여유로운 미학을 창조하고, 편견에서 자유롭다. 안타깝게도, 사진이 완전히 보존되지 않았고, 그러나 그 스케치는 많은 젊은 예술가들의 큰 관심을 불러일으켰습니다. A.S.라는 이름의 모스크바 박물관에서 푸쉬킨은 작업 옵션 중 하나입니다. 1886년에 만들어졌다.
고전 회화에서 출발한 또 다른 예는 "정원의 숙녀들"(1866, 오르세 미술관, 파리), 그 레이아웃, 여성복 컷팅으로 학문적인 방식으로 그림을 그리는 것을 허용하지 않았습니다. 그리고 모네는 이미지를 자유롭게 자르는 것을 두려워하지 않았습니다. 파편화의 인상을 주고, 사진의 효과와 비슷합니다.
캔버스에서 우리는 전형적인 장르 장면을 봅니다. 의미 중심이 왼쪽 가장자리로 이동합니다. 여기에서 전통에서 벗어나는 것은 나무 그늘에서 쉬고 있는 숙녀들이 꽃이 만발한 풍경의 필수적인 부분이 된다는 사실로 표현됩니다. 그것의 장식으로 봉사, 아름다운 꽃처럼. 여성의 모습은 풍경과 합쳐지는 듯, 그들의 드레스는 나무 줄기가 드리운 그림자의 배경과 조화를 이룹니다.
화가는 젊은 여성의 개성을 전달하는 데 그다지 관심이 없고, 그들의 의상이나 활동, 그러나 자연과 인간의 관계에서 빛과 조화의 놀이를 전달합니다. 네 명의 젊은 여성이 모두 같은 모델인 카밀라 자신에게서 태어났다는 명백한 사실을 보면 여성 자신이 예술가에게 얼마나 하찮은 존재인지 알 수 있습니다. 작가는 풀밭에 앉아 있는 단 한 명의 여성의 얼굴을 보여줌으로써 이것을 가리려고 했습니다. 왼쪽 그림은 프로필에 나와 있으며, 옆에 있는 여자는 꽃다발로 얼굴을 가린다. 그리고 네 번째 히로인, 꽃이 만발한 덤불에 손을 뻗는 사람, 보는 사람에게서 완전히 멀어집니다.
같은 해에, 클로드 모네의 1860년대 가장 유명한 그림 중 하나인 "녹색 드레스를 입은 여인"(1866, 쿤스타일, 브레멘, 독일). 캔버스에, 우리는 다시 Camilla Donsier를 봅니다. 화가는 사실적으로 작업하고, 그는 어두운 배경을 사용하고, 그 위에 어린 소녀의 얼굴, 일광욕을 하고, 밝게 눈에 띕니다.
밝은 부분과 어두운 부분의 뚜렷한 대비는 카라바조의 키아로스쿠로와 비슷합니다. 서정적인 이미지와 동시에 매우 친밀한, 그것은 일반적인 보기를 위한 것이 아닙니다:주인은 관찰자에게 거의 등을 대고 Camilla를 펼치고, 모델 자신은 화려한 포즈를 찾지 않으며, 그녀의 드레스 자락과 그 위에 덧댄 모피 코트를 살펴볼 기회만 남았습니다. 작품은 비평가와 관객 모두에게 긍정적인 평가를 받았으며, 이것은 젊은 모네에게 명성을 가져다주었습니다.
1년 후, 모네는 매우 유사한 주제로 그림을 그렸습니다. “정원의 여인(Lady in the Garden)”(1867, 국립 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크)는 작가에게 거주 가능한 상태를 주기 위해 자연의 생기를 구체화하기 위한 구실로만 필요하다. 그 여자는 다시 거의 관객에게 등을 돌릴 뻔했습니다. 작가는 밝은 색과 긴 그림자가 있는 한낮의 풍경의 아름다움에만 관심이 있습니다.
구성의 중심은 붉은 꽃이 만발한 둥근 화단, 나무가 서 있는 곳. 묘사된 여인, WHO, 이론에 의하면, 작업의 의미 중심이며, 그림의 가장 가장자리 옆에 배치됩니다. 여성은 작품의 구성 대각선이 시작되는 가장 왼쪽 지점으로, 화단의 나무와 오른쪽에 묘사된 또 다른 나무에 의해 더 지지됩니다. 구도의 리듬은 여성의 형상과 두 나무의 수직선에 의해 설정되며, 풀밭에 드리워진 좁은 그림자도 마찬가지입니다.
1867년, 카밀 돈시에, 예술가의 아들 Jean을 낳고, 그리고 조금 후에 그의 아내가 되었다. 같은 해에, "요람의 장 모네"(개인 소장품) 그림이 그려졌습니다. 여기, 작가의 많은 그림들과 달리 구성의 중심이 명확하게 표시됩니다. 침대 머리 위에 캐노피가 걸려 있는 장식된 요람입니다. 우리는 아기 침대 근처에서 어머니를 봅니다. 이것은 그림을 네덜란드 회화에서 인기 있는 장르 장면처럼 보이게 합니다. 하지만, 카밀라의 오른쪽 어깨와 등은 그림의 가장자리로 잘려져 있고, 작품의 또 다른 캐릭터인 담요로 덮인 아들의 중요성을 나타냅니다.
정물이라는 장르는 모네가 좋아하는 장르가 아니었지만, 하지만, 그럼에도 불구하고, 그는 수시로 그에게 말했다. 그림 "과일과 포도가 있는 정물"(1867, 개인소장)은 거장의 풍경화보다 부드러운 글씨체로 구별된다. 흐릿한 어두운 배경은 모네의 캔버스에서 매우 드물지만, 그러나 그것에, 익은, 약간 익은 과일도 특히 활기차고 믿음직스러워 보입니다. 이 작품에서는 아티스트, 언제나처럼, 자연과 빛의 효과에 가장 관심이 많습니다.
그러나 꽃, 그들을 열렬히 사랑했던 아티스트, 자연에서 그림을 그리는 것을 선호합니다. 이미지 컷 플라워는 드문 예외였는데, 그 예가 그림 "꽃과 과일"(1869, 폴 게티 박물관, 로스 앤젤레스, 캘리포니아). 여기, 마스터는 처음에 어두운 배경을 사용했으며, 그러나 나중에 그것을 버렸다. 정물을 만든 후, 모네는 고리버들 바구니의 절반을 쉽게 자릅니다. 테이블 위의 과일과 해바라기 꽃잎, 그것은 또한 학문적 회화의 모든 규범을 위반하며, 그의 직업은 항상 가장 좋은 면에서 대상의 이미지로 간주되었습니다.
경력 초기에는 Claude Monet은 재정적 어려움을 심하게 겪었으며, 거의 자살에 이르게 한 것입니다. 1860년대, 예술가의 가난한 재정 상황은 그를 한 곳에서 다른 곳으로 끊임없이 이사하도록 강요했습니다. 1869년부터, Monet은 Bougival의 파리 교외에 정착했습니다. 오귀스트 르누아르는 종종 이곳을 찾았습니다. 그들은 함께 자연 속에서 많은 일을 했고, 같은 관점을 포착하고 자신의 회화 기법을 개발합니다.
자연을 마주한 친구들, 가장 관심이 가는 조명과 공기 움직임의 사소한 변화도 알아차렸습니다. 시시각각 변하는 자연의 순간적인 상태를 포착하려는 욕망, 자신의 법에 따라 생활하고, 뭉친 젊은 예술가들. 같은 풍경이 시간에 따라 어떻게 변하는지 유심히 관찰했고, 대기 조건 및 조명의 특성:그림자가 길어지고 두꺼워집니다. 태양의 섬광은 나뭇잎과 물에서 재생됩니다. 그리고 잔물결은 강의 고요한 표면에 형성됩니다.
1869년, 예술가들은 부지발(Bougival) 근처 센 강(Seine)의 카페와 그 근처 수영장을 바라보며 같은 이름의 유명한 그림을 그렸습니다. 그 그림들은 "개구리"(메트로폴리탄 미술관, 뉴욕). 그의 작품 버전에서, 모네는 개별적인 글쓰기 기법을 연구했고, 스트로크를 적용하는 새로운 방법, 그가 본 것의 감각을 캔버스로 신속하게 전송할 수 있습니다. 비평가들은 극도로 부주의하다고 여겼습니다. 물론, 살롱 화가의 관점에서, 캔버스는 미완성의 느낌을 주고, 유창하게 실행되는 스케치, 개체만 표시되는 경우, 그리고 꽤 무례하게. 학문적 예술의 이상화 특성은 없다. 그러나 모네는 이것을 완전히 의식적으로 피했습니다. 작가는 항상 자신이 본 것을 그 순간에 썼고, 한순간에 얼어붙은 얼어붙은 현실을 '잡으려' 그리고 그러한 작업을 위해서는 빠른 장비가 필요했습니다.
대부분의 인상파 화가들처럼 모네는 순수한 색으로 썼고, 팔레트에 색상을 혼합하지 않고. 그는 전통적인 회화에서 채택된 음영과 중간 색조를 피했습니다. 대신에, 작가는 캔버스에 특정 색상의 획을 촘촘하게 적용했으며, 그리고 조합하여, 그들은 인간의 눈의 인식에 다른 음영을주었습니다. 그러한 그림의 아이디어는 광학 분야에서 프랑스 물리학자 Eugene Chevreul의 발견을 기반으로 했습니다. 특히, 사물의 색이 어떤 객관적 사실이 아님을 알게 되었고, 그러나 오히려 광선이 반사되는 빛에 의존합니다. 이것은 인상파들이 검은색을 완전히 거부하고 캔버스의 밝은 표면에 "색칠된" 하이라이트와 그림자를 만든 것에 대한 정당화 역할을 했습니다.
그림 "St. Andress의 테라스"(1867, 메트로폴리탄 미술관, New York)은 유럽 예술에 공통적인 공간의 유망한 구성이 없다는 점에서 구별됩니다. 이것 때문에, 햇볕이 잘 드는 테라스 위에 바다가 매달려 있는 것 같습니다. 모네의 가능성을 포기하려는 아이디어는 유럽에서 유행한 일본 전통 화에 의해 제출되었습니다. 사진의 전경은 꽃이 만발한 테라스, 캐노피나 우산 아래에서 무더운 여름 태양을 피해 숨은 신사 숙녀 여러분, 고리 버들 세공의 자에 앉아.
밝은 꽃은 모네의 캔버스에 반복적으로 나타날 것이고, 어울리는, 결국, 그의 후기 작품에서 독립적인 동기. 배경은 바다, 수평선을 강조하는 수많은 범선. 테라스 근처에 있는 범선은 눈의 중요한 안내자 역할을 합니다. 그것 없이, 그림의 첫 번째와 두 번째 계획은 너무 단편적으로 보일 것입니다. 이는 구성이 두 개의 독립적이고 관련 없는 부분으로 분해되게 합니다. 명확한 수직 기둥, 구성의 수평적 구성에 대해 논하고, 약간 외국처럼 보입니다. 그러나 이것은 피상적인 인상에 불과하며, 사실은, 그것은 모든 작업을 "수집"하는 사람들입니다. 보는 사람의 주의를 중앙 부분에 집중시킵니다.
1870년 프랑스-프로이센 전쟁이 시작되면서 모네는 런던에 갔고, 같은 해 카밀과 결혼한 곳. 런던에서, 작가는 계속해서 친구와 같은 생각을 가진 사람들과 만나고 Camille Pissarro와 함께 도시의 전망을 씁니다.
스타일 개성
2 년 후, 작가는 그의 유명한 작품 "인상. 일출”(1872, 마르모탕-모네 박물관, 파리). 그 안에, 화가는 현실을 재현하려 하지 않았고, 자연을 모방하려고 하지 않고, 그러나 아름다움에 대한 개인적인 인상만을 전달했습니다.
그림 속 인물들의 모습은 다시 간신히 윤곽을 드러냈고, 시청자에게는 이례적인 일이었고, 학문적 글쓰기 스타일에 익숙하다. 그러나 맑은 물과 일출의 색채적 관계, 그것은 바다 표면에 밝은 반사로 나타납니다. 아름답게 전달됩니다.
작가는 이 작품을 제1회 인상파 전시회에서 선보였으며, 1874년에 개최되었습니다. 그런 다음, 모네와 그의 동료들은 여전히 스스로를 "익명 예술가 협회, 화가와 조각가." 이 그림은 비평가와 관중들로부터 극도로 부정적인 평가를 받았으며, 그리고 그 이름("인상")은 회화의 새로운 방향인 인상주의 시대에 아이러니한 정의를 낳았습니다. 이 전시회는 귀청이 떨어지는 실패로 인해 명성을 얻었습니다.
우리는 1872년에 돌아올 것입니다. 모네와 그의 가족이 아르장퇴유 마을로 이사했을 때, 파리 근처. 친구들이 다시 여기에 그를 찾아왔다 – 시슬리, 에두아르 마네와 르누아르. 작가의 그림은 아직 팔리지 않았고, 그러나 그의 아버지로부터 물려받은 유산은 그의 가족의 물질적 복지를 약간 증가시킬 수 있었습니다. 여기, 아르장퇴유에서, 모네는 자신을 위해 '떠다니는 작업장'을 세웠다. 그는 센 강을 배를 타고 여행했고, 그가 좋아하는 풍경을 자유롭게 포착하고 물에 비치는 햇빛의 반사를 통해 조명의 효과를 계속 연구합니다.
1873년, 모네는 '아르장퇴유의 양귀비 밭'(오르세 미술관, 파리), 풀밭에 빠진 카미유와 어린 장 모네를 묘사합니다. 구성의 대각선 구조는 움직임을 만듭니다. 전경과 배경에는 엄마와 아이로 구성된 두 쌍, 대각선에 위치한 거의 눈에 띄지 않는 경로로 지원되며, 양귀비 조각으로만 밑줄이 그어져 있습니다. 두 쌍 모두 동일한 모델에서 작성되었습니다. 작품은 색채를 이용한 구도의 능숙한 구도를 완벽하게 보여주고 있다.
같은 해에, 그림 "Kaputsin Boulevard"(1873, 푸시킨 주립 미술관, 모스크바)도 그렸습니다. 사진 예술의 영향력이 확연히 느껴지는 곳. 사진, 도시 대로의 행인과 스태프들로 가득 찬 삶의 순간을 전하며, 스냅샷과 비슷합니다. 그 안에 있는 사람들은 부차적인 역할만 하고, 그리고 주된 것은 도시의 현대 예술가의 분위기에 할당됩니다.
사진의 명백한 영향은 "국경일의 생드니 거리"(1878, 예술 박물관, 루앙). 구성의 리듬은 많은 국가 깃발의 청백 빨강 획으로 설정되며, 전시, 총검처럼, 집의 발코니와 창 개구부에서. 작품, 마치 보도사진처럼, 휴가 기간 동안 도시의 삶을 포착했습니다.
게다가, 화가는 사람들을 축하하는 데 전혀 관심이 없습니다. 들라크루아와 그의 저작 바리케이드 위의 자유와는 달리, 모네는 이 그룹을 장엄한 환경에서 묘사하지 않았습니다. 예술가는 도시 그 자체가 필요했고, 휴일을 지배하는 그 얼굴과 분위기. 거리는 돌담으로 가려진 스케치된 어두운 실루엣의 직원들만이 거주합니다.
그러나 예술가에게 가장 사랑받는 모델은 그의 사랑하는 아내와 어린 아들이었습니다. 브러쉬 모네는 "아들 장과 함께한 카미유 모네"(대체명 "우산을 든 여인", 1875년, 국립 미술관, 워싱턴). 영웅들의 정적인 포즈에도 불구하고, 그림은 움직임으로 가득 차 있습니다. 구름이 하늘을 휩쓸고 있습니다. 그리고 가벼운 드레스와 젊은 여성의 모자에 베일이 바람에 발전하고 있습니다.
동양미술이 작가의 작품에 미친 영향을 잘 보여주는 예는 세계적으로 유명한 그의 그림 "일본 소녀"(1876, 미술관, 보스턴). 그 위에, 카밀라, 새빨간 기모노를 입고 일본 종이 부채로 장식된 회색 벽에 서 있습니다. 작품은 매우 장식적이며, 일본의 전통 의상은 여성의 체형을 완전히 가리고, 그리고 구성은 깊이가 완전히 없으며 평면 그림에 접근합니다. 언제나처럼, 모네는 사물의 명확한 윤곽을 피한다:그의 아내의 모습, 일본인, 기모노 천에 그려져 있고, 여성의 등 뒤 벽에는 부채가 그려져 있다. 선보다 색으로 더 많이 쓰여지고, 이는 작업의 평면도에 대한 추가적인 인상을 줍니다. 구도적 해법의 흥미로운 점은 기모노를 입은 일본인의 모습과 그림의 주인공이 정반대 방향으로 전개되어 있다는 점이다. 서로 균형.
파리의 현대미술가에게 가장 중요한 장소는 생라자르 역이었다. 주인은 그에게 여러 그림을 헌정했으며, 역은 사람들의 운명을 만들었고, 프랑스의 수도를 다른 도시 및 국가와 연결합니다. 삶은 항상 여기에서 한창이었습니다. 승객이 도착하고 차를 몰고 갔고, 기관차가 윙윙거렸다. 기차는 속도를 내고 멀리까지 날아갔다.
작가가 자신의 캔버스에서 보여주고자 했던 것은 바로 이러한 새로운 산업적 삶의 흥미진진한 분위기였다. "생라자르 역. 기차의 도착”(1877, 포그 미술관, Harvard)는 역의 일상을 완벽하게 반영합니다. 작품은 거의 흑백 회화를 사용하고, 선택한 비정상적인 각도, 역의 건축 금고 솔루션의 기능을 완벽하게 전달합니다.
곧, 예술가에게 가장 중요한 두 가지 사건이 그의 가족에게서 일어났습니다:1878년, 사랑하는 아내가 둘째 아들을 낳고 미셸, 그 후 카밀라 자신이 심각하게 아팠습니다. 모네는 다시 심각한 재정적 어려움을 겪고 있습니다. 대중도 비평가도 아직 그의 예술 스타일에 대한 올바른 인식으로 "성숙"하지 않았습니다. 화가는 Argenteuil을 떠나 Vetej에 정착해야했습니다. 그의 이웃은 사업가 Ernest Goshed와 그의 아내 Alice였습니다. 그는 나중에 화가의 두 번째 아내가 될 운명이었습니다.
작가는 “겨울의 베테로 가는 길”(1879, 미술관, 예테보리), 그는 프랑스의 전형적인 겨울 풍경을 묘사했습니다. 눈으로 덮인 비포장 도로, 느슨한 눈과 얼어 붙은 푸른 풀 사이로 보이는 갈색 흙이있는 언덕, 교회, 길 양쪽의 완만한 경사면에 지어진 2층 집. 두 여행자의 모습만이 풍경을 조금 더 북돋운다.
"베테야 근처 센 강에서"(1880, 국립 미술관, 워싱턴), 내년 여름에 그린 단순하고 서정적이다. 그림의 전체 전경은 꽃이 만발한 초원 풀로 가득 차 있고, 그 뒤로 강의 거울 표면을 볼 수 있습니다. 작가는 강물에 비친 하늘과 구름 위에 떠 있는 구름, 맞은편 강둑에 서 있는 나무들을 솜씨 좋게 표현했다. 사진의 배경에 있는 해안의 덤불과 따로 자라는 나무들은 잿빛 구름이 그들을 그늘지게 하는 청회색 연무에 싸인 것처럼 보입니다.
캔버스에 비정상적으로 밝고 화창한 풍경 "꽃이 만발한 사과 나무"(1879, 미술관, 부다페스트)는 워크샵의 빛 투과율에 깊은 인상을 받았습니다. 묘사된 풍경은 주변 공간 전체에 쏟아지는 햇빛을 받는 것처럼 보입니다.
그림의 구성은 다시 매우 간단합니다. 전경에는 사과 과수원의 꽃이 만발한 나무와 그 아래 잔디, 두 번째에서 우리는 나무 가지 뒤에 반쯤 숨겨져 있는 빨간 지붕의 집들을 봅니다. 그리고 배경은 상승하는 언덕으로 채워져 있습니다. 사과나무 몇 그루, 작품의 아래쪽 가장자리에 가깝게 밀고, 가로 구도에서 오른쪽 측면과 유일한 세로로 사용되며, 모든 작업을 "수집"하는 것처럼.
같은 1879년, 겨우 서른두 살의 나이에, 모네의 사랑하는 아내는 심각한 질병으로 사망했습니다. 슬픔에 잠긴 예술가, 그녀는 죽음의 침대에서 카미유의 초상화를 그립니다. 그는 자신의 방식으로 아내를 묘사했습니다. 그녀의 얼굴이 어떻게 생기를 잃어가는지 색상으로 강조합니다.
대망의 성공
역설적으로, 직업적인 성공이 예술가에게 오는 것은 그의 개인적인 삶에서 사별의 올해입니다. 그의 작품 전시에 대해 파리 언론에 긍정적인 코멘트와 논평이 나왔고, 즉시 판매되기 시작한 것. 이것은 화가의 재정 상황을 개선했습니다.
1883년, 그는 파리 근교의 지베르니에 있는 작지만 매우 아늑한 집을 빌릴 것입니다. 그 옆에는 멋진 정원이 조성되어 있으며, 그림으로 확인, 각 식물의 개별 색상과 개화시기를 고려합니다. 나중, 모네는 집 근처에 또 다른 멋진 정원을 만들기 위해 집 근처의 추가 영역을 구입합니다. 그곳에는 수련이 있는 연못과 구불구불한 길이 있는 일본 다리가 있었습니다. 이 곳은 그가 죽을 때까지 그의 그림의 주제가 될 것입니다. 예술가가 다양한 조명의 전송에서 색상의 시각적 가능성에 대한 수년간의 연구를 구체화한 많은 별도의 일련의 작품을 만드는 아이디어와 함께. 이러한 작업 주기에서 화가는 같은 동기가 어떻게 불을 붙이느냐에 따라 어떻게 변하는지 명확하게 묘사했다. 말할 필요가, 모든 시리즈는 대중에게 엄청난 성공을 거두었다.
"지베르니의 건초 더미"(1886, 국립 에르미타주 박물관, St. Petersburg)는 예술가가 가장 좋아하는 주제 중 하나가 되었습니다. 풍경, 전경에 서 있는 건초더미가 그 구성의 중심이었고, 멀리 들판에서 볼 수있는 집과 나무로 보완됩니다.
1888년, 모네는 이 종에 전념하는 25개의 작품 시리즈를 만들 것입니다. 게다가, 캔버스의 주변 풍경은 점점 더 임의적이 될 것입니다. 구성 계획으로의 분할은 실질적으로 사라질 것이며, 건초 더미는 독립적 인 역할을 수행합니다. 마치 그 자체로 그러한 개념적 존재 중심에 집중하는 것처럼. 모든 그림의 주요 역할은 색상에 부여됩니다. 이것은 다양한 빛의 전체 스펙트럼을 전달하려고 합니다. 낮에는 작가는 다양한 조명 조건을 전달하는 여러 캔버스에서 작업했습니다. 오후와 저녁 – 이것이 화가의 방식의 독창성이었고, 또 다른 시리즈인 "포플러"의 토대를 마련했습니다. 거울 대칭, "Poplars at Ept"(1891, 스코틀랜드 국립 미술관, Edinburgh)는 보는 사람에게 두 가지 현실을 제시합니다. 강둑에 있는 실제 포플러 숲과 거울 표면에 반사되는 물, 잔물결에 약간만 파문. 강은 나무를 가득 채운 모든 색을 완전히 통합하고, 분홍빛이 도는 구름이 떠 있는 하늘. 물 표면의 떨림은 화가의 획의 성격에 의해 강조됩니다.
루앙 대성당에 헌정된 가장 큰 주기는 1892년 클로드 모네에 의해 시작되었습니다. 2년 동안, 작가는 50점의 그림을 완성했고, 이른 아침부터 늦은 저녁까지 하루 중 다른 시간에 대성당의 고딕 양식의 정면을 일관되게 묘사했습니다. 햇빛은 대성당의 색상뿐만 아니라 놀라운 변형을 만듭니다. 뿐만 아니라 그것의 돌 본질과 함께. 수세기 동안 굳건한 벽, 쏟아지는 빛과 투각의 고딕 건축 덕분에 거의 무중력과 기적처럼 보입니다. 태양 광선은 대성당의 돌의 힘을 녹이는 것 같으며, 다양한 강도로 침투합니다.
모네의 붓솜씨 덕분에 대성당은 더 이상 물질적 실체가 아닌 것처럼 보이고 경쾌하고 덧없게 된다. 그것은 마치 지상의 창조를 멈추고 하늘과 합쳐지는 것과 같습니다. 이것이 머나먼 중세의 건축가들의 영향인가, 교회 벽의 돌 레이스를 하늘로 들어 올리십니까? 아마도 모네는 고딕 예술의 개념적 아이디어의 핵심을 관통했을 것입니다. 주기 "Rouen Cathedral"은 1895년에 예술가에 의해 전시되었고 매우 성공적이었습니다.
사이클 작업 시작과 동시에, 클로드 모네는 앨리스 고셰드와 결혼할 예정이다. 화가는 여행을 많이 다니기 시작하고, 그는 이탈리아에서 일하고, 그가 믿을 수 없을 정도로 인상주의적이라고 생각하는 고딕 양식의 대성당, 노르망디, 스위스와 네덜란드.
노르망디에서는 주인은 멋진 바다 경치를 낳고, Mannport(1883, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕), 마치 물 요소의 웅장함을 찬미하는 것처럼. 또한, 작가는 종종 Egret 마을 근처의 그림 같은 암석의 이미지를 작업했으며, 이 지역의 가장 큰 매력이었던 파도의 변덕에 의해 만들어진 독특한 모양 때문입니다.
Mannport는 아마도 가장 유명한 바위 아치일 것입니다. 암석의 규모를 전달하기 위해, 화가는 석조 아치의 아치 아래에 몇 개의 그림을 몇 번의 스트로크로 재빨리 윤곽을 그립니다. 그 대부분은, 사진의 왼쪽 가장자리에서 강하게 튀어나온 말 그대로 그들을 부술 준비가되어 있습니다. 작품의 구성은 그러한 인상을 만드는 데 기여합니다. 전체 바위가 그림의 프레임에 맞지 않는다는 점에서 작가는 돌 표면의 무한 효과를 강조합니다.
색의 폭동과 무의미함
색의 표현력, 아티스트의 경력 전반에 걸쳐 그의 예술적 언어의 주요 수단이었다. 클로드 모네는 끝까지 자신에게 충실했고, 결코 선택된 길을 버리지 않고 오직 그의 개별 스타일의 기술의 표현력을 향상시키고 연마합니다. 그의 작업 말기의 유일한 차이점은 무의미함에 대한 갈망이었습니다. 특정 플롯과 형식의 개념을 흐리게 합니다. 작가는 자신의 최고의 작품 중 하나를 그림이라고 전혀 생각하지 않았고, 그러나 그가 지베르니에 있는 집에서 만든 정원은 그곳에서 그는 정원이 끊임없이 꽃을 피우도록 수많은 종류와 종류의 꽃을 집어 심었습니다. 다양한 음영으로 화가의 눈을 즐겁게 합니다. 웅장한 정원, 사실은, 또한 예술 작품, 대가의 그림에서 가장 좋아하는 대상이 되었고, 캔버스에 무수한 반사를 찾아서.
캔버스 "지베르니의 붓꽃 정원"(1899, Yale University Art Gallery)는 매우 간단한 구성을 다시 보여줍니다. 정방형 캔버스는 정원의 깊숙한 곳으로 이어지는 경로를 묘사하고, 무성한 붓꽃 덤불에 반쯤 숨겨져 있고, 그리고 그 위에는 장기적인 관점을 만드는 정원 나무 줄기를 볼 수 있습니다.
화가는 들뜬 듯 캔버스 위에 올려놓고, 순수한, 밝은 색, 보는 사람에게 그의 행복감과 충만한 삶의 느낌을 전달하고, 자연과의 접촉에서 태어났다. 앞의 창포의 아름답고 섬세한 꽃은 우리의 눈을 들여다 보는 것 같습니다. 주인의 노련한 손이 그들에게 영혼을 불어넣는 것 같으며, 주변 자연의 아름다움이 가장 큰 기적이 되고, 신성한 창조물의 면류관의 의인화. 이것이 자연을 대하는 태도이다. 클로드 모네의 작품에서 회화의 충분한 대상이며, 예술가를 학문적 스타일의 지지자와 구별하고, 오직 인간만이 항상 "창조의 면류관"이었습니다.
모네의 가장 유명한 시리즈 중 하나인 "수련"은 1899년에 시작되었습니다. 주기의 작품에서, 화가는 지베르니에 있는 자신의 정원 연못에 떠 있는 수련(네누파라스)을 묘사합니다. 작가 자신이 이 연약한 꽃들을 연못에서 키웠고 오랫동안 동경했고, 연약한 꽃잎에 비치는 태양의 눈부심과 물에 비친 구름의 반사를 즐기는 것. 믿기지 않을 것 같지만, 그러나 수련은 죽을 때까지 재능있는 예술가의 마음을 소유했습니다. 약 20년. 작품의 연속성은 다양한 조명 조건에서 이러한 모티브의 변화를 기반으로 합니다.
1903년 창건, 작품 "수련. Clouds”(개인 소장품)는 놀랍도록 즐거운 인상을줍니다. 캔버스는 햇빛으로 가득 차 있고, 하늘이 물에 비친 모습으로만 존재한다는 사실에도 불구하고. 수련과 구름이 한 면에 천천히 떠 있는 것 같지만, 가벼운 숨결에 이끌리는 것처럼.
"수련이 있는 연못"(1908, 개인 소장품, 세인트 갈렌, 스위스) 공간에서 이미지를 시각적으로 확대합니다. 무한한 인상을 줍니다. 모네는 사진의 효과를 이용하여 연못의 수면에서 별도의 조각을 조각하여 클로즈업으로 쓰는 것처럼. 잎사귀가 있는 넓은 물, 수련의 꽃과 반사된 구름, 표면에 그림처럼 흩어져 있는 틀에 빠졌다.
여기, 주인은 다시 그림의 원근법 건설에서 벗어 났고, 이 때문에 구성의 오른쪽 상단 모서리에 있는 수련은 그림의 전경 식물보다 보는 사람에게 더 가깝습니다. 이 기술 덕분에, 그림은 깊이를 잃고, 그대로, 비행기에서 펼쳐지고, 더 장식적이 됩니다.
1870년대부터, 클로드 모네는 영국을 반복적으로 방문했으며, 그는 독특한 안개가 자욱한 분위기로 런던을 사랑했습니다. 그리고 1900년경부터 화가는 여기에 더 자주 오기 시작했습니다. He creates here a series of works dedicated to the parliament building.
The painting “The Parliament Building in London” (1904, d’Orsay Museum, Paris) depicts an architectural object as if shrouded in dense fog. Only in some places the yellow-red sun breaks through the little thought, highlighting fragments of the majestic outlines of neo-Gothic architecture and staining the broad Thames with reddish-purple flare. The style of painting is very arbitrary, the artist depicts not specific elements, but a momentary image of the city itself, such as he just saw it.
Monet’s impressionism is not intended to convey objective reality; he does not recognize the constancy of the qualities of objects. Their whole appearance, color and shape depend only on the light, which is barely breaking through, then floods the entire neighborhood, or even goes out, turning into twilight. In the spring of 1908, Claude Monet and his family went to Venice. The delightful atmosphere of this city, its water expanses, surprisingly successfully beaten by Venetian architects, the reflexes of light on the water and the monuments reflected in it, captivated the painter. Thus was born a series of Venetian landscapes, written directly during the trip.
The work “Palazzo da Mula in Venice” (1908, 국립 미술관, Washington), written there, can hardly be called a guided or architectural landscape. Rather, it is, figuratively speaking, a "portrait" of a medieval Venetian building, "looking" in the mirror of the canal in front of it. 게다가, this “portrait” was painted in close-up, the sides of the palace are cut off by the frame of the picture, only the middle part of the building without a roof fell on the canvas.
Such an unusual composition is explained very simply, Monet was not going to copy an architectural monument at all, he was as unimportant for him as the figures of people on most of his canvases. The artist was captivated by the surprisingly harmonious unity of architecture and landscape, designed by a brilliant architect who conceived the palace, as if emerging from the water. A horizontal composition with a clear division into the front (space of water) and rear (walls of the palazzo, dotted with numerous arches of door and window openings) plans are balanced by a pair of thin silhouettes of gondolas.
Venice impressed the artist with the unity of life of the buildings and canals on the banks of which they were erected. Impressionistic harmony, formed by stone walls reflected in the water, which the same water that absorbs sunlight, paints with numerous reflections of heavenly shades, won the heart of the painter. It was this state that he tried to convey on his Venetian canvases.
Loneliness and loss
The second decade of the new century was marked for the artist by a series of losses. In 1911, Alice’s second wife died, three years later, in 1914, his eldest son, Jean, dies. Monet was faithfully looked after only by Alice’s daughter from her first marriage, who was Jean’s wife.
Together with a series of deaths of relatives, the painter suffered another misfortune – double cataract. Evil rock took away from the artist the main thing that he devoted his whole life to being able to see and study the lighting effects, glare and reflexes of the sun’s rays, seen in nature. 하지만, Monet did not stop, he continued to create his work. Four years later, after his diagnosis, the artist conceived a new series of impressive panels measuring 2x4 meters with images of his garden.
The panel “Water Lilies” (“Nenufaras”, 1920-1926, the Museum of the Greenhouse, Paris) gives the impression of the flatness of an endless space, as if extending far beyond the frames of the picture. Juicy, large strokes of the master only outline the shape of the leaves and flowers, the whole picture is executed using the technique of color spots.
A little earlier, in 1917, Claude Monet wrote his "Self-Portrait" (Museum of the Greenhouse, Paris). The picture is a person’s self-esteem reproduced through reflection in the mirror of one’s own consciousness. Tired eyes of the master do not look at the viewer, although he turned to face him. The artist is not looking for "dialogue." At first glance, the work seems unfinished:only the artist’s head is depicted, and the shoulder line is outlined schematically. 하지만, the thick shadow that borders the portrait saturates the image with drama and leaves no doubt about its completeness.
At the end of his career, Monet began to mix subject and non-objective art. In his 1918 work, The Japanese Bridge (Institute of Arts, Minneapolis), one can only read the outline of the artist’s favorite bridge, twisted with wisteria and thrown over a pond with water lilies, a low bush in the foreground and a tree at the right edge of the canvas. Everything else is just an extravagant riot of colors, beauty and fullness of life.
The painting “Garden with a Pond in Giverny” (circa 1920, the Museum of Fine Arts, Grenoble) presents us with a mysterious corner of the artist’s garden, hidden in dense thickets. The work, of course, is substantive:a clearly constructed composition is visible here, the outlines of the branches are clearly distinguishable. It seems that in the work the color plays an independent, it is emphasized decorative in the refraction of the dying view of the painter. Thanks to unrealistic conditional color rendering, the picture makes a dramatic impression. Color is unusually expressive. This is no longer impressionism in its purest form, the writing technique and artistic conception are more likely a reflection of the inner world of an aging person.
The great artist, one of the founders of Impressionism, who conquered the world, Claude Monet died in December 1926 in his house in Giverny. Cezanne at one time exclaimed:"Monet is just an eye, 하지만, my God, what a thing!" The painting of the French artist is an endless enthusiastic admiration for nature, the beauty and perfection of which he was able to convey in a special, 고유 한, subtle and sensual style.
Zhuravleva Tatyana
