Edgar-Germain-Hilaire de Ga 또는 Edgar Degas, 온 세상이 그를 알듯이 파리의 부유한 귀족 집안에서 태어났다. 미래 예술가의 어린 시절은 사랑과 평온의 분위기에서 개최되었습니다. 어릴 때부터, Edgar는 사랑과 그림 능력을 보여 주었고, 그의 아버지가 그가 변호사가 되기를 원했음에도 불구하고, 그 무엇도 그 청년이 회화를 공부하는 것을 막을 수 없었습니다. 파리 미술 학교에서 젊은 드가의 멘토는 당시 유명한 예술가 Lamot였습니다. 진실, 개학 1년 만에, 1856년 드가는 예기치 않게 모두를 위해 파리를 떠나 이탈리아에서 살기 위해 거의 2년 동안 떠난다.
에드가 드가 그림
여행의 공식적인 이유는 친족을 만나고 싶다는 열망이었습니다. 그러나 그를 이탈리아로 끌어들인 것은 그들이 아니었다. 그러나 르네상스의 위대한 예술가들의 뛰어난 예술 작품을 접할 수 있는 기회.
예술가는 여행을 많이 다녔고, 그는 국가의 모든 주요 문화 센터인 피렌체를 방문했습니다. 로마와 나폴리. 각 도시에는 그는 과거의 위대한 화가들의 작품을 매우 주의 깊게 연구했습니다. Degas는 Paolo Veronese와 Andrea Mantegna의 캔버스에 가장 깊은 인상을 받았습니다. 그의 이상이 되었다.
최초의 창의적인 실험
2 년 후, 젊은 예술가는 귀스타브 모로를 만나고, 나중에 그에게 동지가 된 사람은 하지만 멘토이기도 하다. 모로는 열정적으로 그림을 공부했고, 그의 모든 시간을 제공합니다. 조화의 본질을 이해하려고 노력하고, 그는 티치아노의 작품에 열렬한 관심을 보였고, 레오나르도 다빈치, 라파엘, 카라바조와 베로네세, 색상을 만드는 시스템을 느끼려고 합니다. Moreau는 수채화 또는 파스텔로 자신의 다채로운 구성을 수행하는 것을 선호했습니다. Young Degas는 나이든 동료의 작업에 너무 충격을 받아 이러한 기술에 관심을 돌렸습니다. Moreau는 젊은 예술가에게 강한 영향을 미쳤다는 점에 유의해야합니다. 그러나 Gustave가 주요 장소를 색칠하기로 지정했다면, 그런 다음 Edgar Degas (특히 그의 작업 초기에)는 그림의 우선 순위를 주장했습니다. 그것이 "보다 유익한 활동 분야"임을 확신했습니다.
화가가 자신만의 예술적 표현 수단을 찾기 시작한 곳은 이탈리아입니다. 자신만의 스타일을 기본으로, Degas는 형식의 건설적인 구성을 선택하고, 현실적인 해석을 통해 그러므로, 작가의 초기 작품은 날카롭고 정확한 문양이 특징이다.
이 시기와 관련된 드가의 많은 작품은 현실의 정확한 재현에서 비롯된 특별한 표현력을 부여받는다. 이것은 그의 그림 "Roman Beggar"(1857, 예술 박물관, 버밍엄). 이 캔버스에 히로인 자신의 이미지는 믿을 수 없을 정도로 사실적이며, 어려운 해석까지, 그녀 주변의 공간은 매우 임의적으로 묘사됩니다. 지친 노파가 낡은 집 문턱에 앉아 있고, 생각에 잠겨, 그리고 약간의 호기심으로 먼 곳을 응시합니다. 그녀의 잘 입는 옷 뿐만 아니라, 그러나 또한 그림의 전경에 부주의하게 배치된 것처럼 보이는 물건은 여주인공의 힘든 삶에 대해 알려줍니다. 빵 한 조각과 반쯤 먹은 음식과 가장자리가 부서진 오래된 냄비. 드가는 옛 대가들의 원리에 따라 캔버스의 구성적 구성을 수행했고, 그러나 그의 모델로 그는 세련된 미인이 아니라, 그러나 이미지가 전혀 이상화되지 않은 단순한 여성.
그림이 구성의 특정 그래픽 구조를 특징으로 한다는 사실에도 불구하고, 가장 정확한 방법으로 검증된 미묘한 색상 모델링과 색조 정교함을 가지고 있습니다. 사실로, 단 4가지 색상으로, 예술가는 놀라 울 정도로 조화롭고 표현력이 뛰어난 이탈리아 거지를 만들었습니다.
작품에 많은 관심을 기울이는 장식, 마치 전체 주변 공간을 "활성화"하는 것처럼. 이 그림에서, Degas는 Louis Lamot 학급에서 공부하는 동안 화가가 걱정했던 근본적인 예술적 문제, 즉 영웅의 모습과 주변 공간의 비율을 매우 능숙하게 해결했습니다.
1859년 봄, 에드가 드가는 파리로 돌아왔다. 친정에서 조금 살았지만, 작가는 뤼 드 라발(Rue de Laval)의 9구에 위치한 대규모 작업실로 이동합니다. 그곳에서 그는 창조하기 시작하고, 우선 역사적 주제로 전환합니다. 드가는 그녀에게 새로운 해석을 주려고 하고, 이 장르의 초기 작품의 특징이 아닙니다.
예를 들어 그림 "젊은 스파르타인이 스파르타인을 경쟁하도록 부름"(1860, 국립 박물관, 런던). 여기 드가, 미술의 고전적인 규범을 따르고, 실생활에서 생생하고 정확한 관찰로 그것들을 새롭게 하고자 했습니다. 주인은 골동품 음모의 조건부 이상화를 완전히 무시했으며, 그가 묘사한 캐릭터들은 파리 거리에서 가져온 현대 십대들에 가깝습니다. 이것은 그가 묘사하는 캐릭터의 일부 각진 움직임에서 특히 두드러집니다. 다소 양식화된 풍경에 배치됩니다.
첫 번째 평면도의 한 공간에 젊은이들의 모습이 캔버스의 아래쪽 가장자리와 평행하게 배치되고, 장면에 큰 설득력을 제공합니다. 장식적인 리듬을 잃지 않고. 젊은 남성의 정적인 포즈는 신고전주의 미술의 영향에 대해 말합니다. 작가는 각 캐릭터의 얼굴에 대한 미묘한 심리적 해석을 통해 장면의 사실감을 강조합니다. 동시에, 캔버스의 주요 표현 수단, 이전 작품들과 마찬가지로 우아한 뮤지컬 플라스틱 라인입니다. 사진의 색감, 제한된 색상 조합을 기반으로 캔버스에 엄격한 선명도와 균형 감각을 제공합니다.
독특한 초상화 스타일 만들기
경력 초기에는 Degas는 많은 초상화를 만듭니다. 이것은 부분적으로 예술가의 아버지의 영향을 받았고, 청년에게 안락한 삶을 보장해 주는 것은 바로 초상화가의 기술을 능숙하게 소유하는 것이라고 믿었던 사람들입니다. 이 장르의 첫 번째 캔버스에는 드가는 주로 자화상과 가족의 초상화를 그렸고, 그러나 곧 그의 친구들의 이미지로 바뀌었다. 이 작품들에서 화가의 개성이 뚜렷하게 드러나고, 전통적인 작곡 기법을 고수하고, 옛 거장들의 작품과의 연관성을 쉽게 찾을 수 있는 곳입니다.
1855년작 "자화상"(Museum d' Orsay, 파리)에서 작가는 스페인 회화파의 특징인 어두운 배경을 사용했고, 디에고 벨라스케스(Diego Velazquez)와 프란시스코 데 고야(Francisco de Goya)와 같은 거장들로 대표된다. 자화상에서는 그는 자연스러운 포즈로 우리 앞에 나타납니다. 그의 오른손에 숯 연필을 들고 - 그의 예술 소속의 상징. 참고로 이 작품은 Degas의 다른 많은 초기 초상화와 마찬가지로 단색 색 구성표로 구별됩니다.
서서히, 그의 작업은 빛과 색으로 더 포화됩니다. 부드러운 모자를 쓴 자화상(1857, 스털링 예술 연구소와 프랍슨 클라크, 윌리엄 스고운), 작가는 이미 중립적인 음소거 배경 사용을 거부합니다. 그림의 배경은 짙은 파란색이지만, 그것은 캔버스의 틀 바깥에 주인이 남긴 창에서 들어오는 꾸준한 햇빛에 의해 조명됩니다. 드가는 캐주얼한 정장 차림으로 자신을 묘사하고 있습니다. 그의 주요 표현 액세서리는 목에 두르는 붉은 오렌지색 스카프입니다. 이 밝은 색 점은 인물의 색채 구성을 위한 음차 역할을 합니다.
그럼에도 불구하고, 여기, 이전 캔버스에서와 같이 예를 들어, "르네 드 가의 초상"(1855, 스미스 뮤지엄 오브 아트 칼리지, 노햄턴), 뚜렷한 정적 자세가 남아 있습니다. 진실, Degas는 이 결함을 재빨리 깨닫고 그의 초상화에서 움직임과 각도를 실험하기 시작했습니다. 결과적으로 그의 작품을 "부활"하고 역동성을 부여했습니다. 자연에 대한 비정상적으로 예리한 시각과 회화의 새로운 구성 덕분에 화가는 감성뿐만 아니라 그러나 또한 뚜렷한 깊은 심리학.
Edgar Degas 초기 스타일의 진정한 정점, 초상화 화가로서, "벨렐리 가족"(1858-1867, 오르세 미술관, 파리). 이 캔버스의 모델은 예술가 Gennaro의 삼촌이었습니다. 그의 아내 아우라, 그리고 그들의 두 딸 – Giovanna와 Julia. 그림의 구성은 특정 장르의 장면을 원칙으로 합니다. 캔버스 중앙에는 남작 부인의 모습이 있고, 액세서리가 없는 애도의 검은 드레스를 입고. 예술가의 삼촌, 제나로, 뒤에서 찍은 사진입니다. 그는 벽난로 옆 안락의자에 앉는다. 두 배우자의 모습과 얼굴은 주변에서 일어나는 일에 무관심함을 표현합니다. 지오바나, 어머니 옆에 서서, 반대로, 조심스럽게 뷰어를 살펴봅니다. 어린 줄리아, 편안하게 의자에 앉고, 그녀, 여유롭게 대화하듯이, 그녀의 아버지에게로 향했다.
예술가는 모델에게 어떤 위치에 있어야 하는지 지시한 적이 없습니다. 당대의 많은 화가들과는 달리, 드가는 "전형적인 자연스러운 포즈로 사람들의 초상화를 그리는 것을 선호했으며, 일반적으로 그들에게 절대적인 자유를 주고, 몸의 위치와 표정 모두."
모든 모델들의 포즈가 차분하면서도 그림의 비대칭 배열은 구성에서 일종의 예기치 않은 선명도를 만듭니다. 캔버스의 색상은 매우 절묘하게 선택되었으며, 파란색의 조합, 은, 흑백 톤, 완벽한 색상 시스템을 구축하십시오. 진실, 그럼에도 불구하고, 작가가 보여준 장면은 이상화라고 할 수 없다. Degas는 가족 초상화를 드라마로 채 웠습니다. 그는 부부를 묘사했습니다. 서로의 회사에 꽤 지쳤습니다. 그들의 포즈는 배우자의 성격과 감정적 경험의 차이를 강조합니다. 관객은 아이들이 그들을 하나로 묶는 유일한 단위로 남아 있다는 것이 분명해집니다. 이 캔버스, 깊은 심리학으로 특징지어지는, 빛을 전달하는 능력과 그림의 정확성, 는 19세기 중반에 만들어진 장르에서 최고의 작품 중 하나입니다.
작가의 개별적인 스타일은 끊임없이 진화하고, 그의 후속 작품에서 화가는 구성의 역학을 향상시켜 구성의 고정성과 모델의 정면 배열을 피하는 것을 선호했습니다. 이를 위해, Degas는 대각선으로 구성의 구성을 자주 사용했습니다. 변화와 예상치 못한 각도, 덕분에 그는 새로운 것을 성취할 수 있었고, 더 많은 표현 효과.
예를 들어, 매우 대담한 구성 솔루션, 그림 "꽃병 옆에 앉아있는 여자"(1865, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕), 언뜻보기에 이상하게 만드는, 불안한 인상. 그림의 대부분은 다양한 색상의 국화로 구성된 웅장한 꽃다발이 차지하고 있습니다. 히로인은 꽃이 있는 테이블 옆에 앉고, 그러나 그녀의 얼굴은 그들에게서 약간 멀어지고, 그녀는 멀리 보인다. 여주인공은 우연히 정물화의 이미지에 빠진 것 같습니다. 그럼에도 불구하고, 이러한 솔루션은 모델의 심리적 특성을 악화시키지 않으며, 하지만, 반대로, 개성을 강조하고 강조합니다. 여자는 멀고, 수심에 찬 얼굴은 슬픈 기억의 안개에 찢긴 것 같았다. 작가가 캐릭터의 특징을 전달하는 모든 특성을 묘사하는 놀라운 감각이 인상적입니다. 이 그림에 대한 연구, 최근 몇 년 동안 실시한, Margaret Claire Brunkan(나중에 Valpinson 남작이 됨)이 캔버스에 묘사되어 있음을 나타냅니다.
인물화를 그릴 때, 드가는 종종 영웅의 직업이나 사회적 지위를 나타내는 속성을 포함했습니다. 이미지에 대한 그러한 해석의 생생한 예는 "James Tissot의 초상화"(1867, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕), 드가, 프랑스 예술가, 그의 작업실에 묘사되어 있습니다.
1869년, 예술가는 그의 걸작 중 하나인 Mademoiselle Hortense Valpinson의 초상화(Institute of Fine Arts, 미니애폴리스), 화가는 친구 Paul Valpinson의 9살 딸을 포착했습니다. 소녀는 유색 자수 패턴이 있는 짙은 식탁보로 덮인 탁자에 기대어 있는 모습이 그려져 있습니다. 테이블 반대편 끝에는 미완성 공예품 바구니가 있습니다. Young Hortense는 관객을 유심히 바라보며, 놀란 듯이.
이 구성기법은 작가가 생동감을 강조하는 데 도움이 되었으며, 아이의 직접적인 본성. 그림의 배경, 넓은 선율로 쓰여진, 이 인상을 더욱 향상시킵니다. 작품의 색상은 따뜻한 황토-황금 색조의 조합을 기반으로 하며, 흑백 톤 뿐만 아니라 전체 작업에 매우 중요한 사운드를 제공합니다.
또 다른 작품, 표현적인 구성에서 놀라운, "레픽 자작과 딸들의 초상"(대체명 "콩코드 광장", 1876년, 국립 에르미타주 박물관, 세인트 피터스 버그). 다이내믹한 구도는 캔버스의 모든 면을 선명하게 자르는 사진과 비슷하며, 당시 그림의 특징이 아니다. 수평선이 크게 과대평가되어 콩코드 광장을 바꾸는 곳, 루이 나폴레옹 레픽(Louis Napoleon Lepic) 자작이 빠르게 건너는 그림의 캐릭터에 대한 배경에만.
마치 귀족의 딸들에게 칭송을 받은 사람처럼, 멈췄다, 아버지의 움직임에 반대 방향으로 돌았다. 캔버스에는 흥미로운 풍미가 있습니다. 드가 그림의 주인공들이 가벼운 의상을 입고 있는 동안, 거의 배경과 합쳐지고, 컴포지션의 다른 참가자들의 옷은 어둡게 만들어지며, 거의 검은 색. 이 "검은" 인물들은 수학적 정밀도로 캔버스에 위치, 전체 작업의 놀라운 "음악적" 리듬을 만듭니다.
귀족 가문 출신으로 돈의 필요성을 느끼지 않고, 에드가 드가는 귀족 모델의 요구 사항을 충족하지 않을 여유가 있었지만, 커스텀 초상화 만들기. 포즈를 취하는 사람들 중에는 상류 사회의 많은 캐릭터가 있었고, 그러나 예술가는 한 번도 호화로운 의상의 찬란한 빛으로 그들을 묘사하기 시작하지 않았습니다. 그의 그림 속 영웅들의 지위와 상관없이, Degas는 항상 각각의 특징을 가능한 한 정확하게 전달하려고 노력했습니다. 아첨에 익숙하고, 세속적 인 사자와 암 사자는 종종 그를 떠났습니다. 기분이 상하다.
삶의 경험과 여행
Edgar Degas의 삶에서 중요한 사건은 Edward Manet과의 지인이었습니다. 1862년에 일어난 일입니다. 곧, 작가는 젊은 예술가들의 인기 있는 만남의 장소인 Cafe Gerbois를 정기적으로 방문하기 시작했습니다. 그곳에서 그들은 예술의 새로운 주제를 찾는 것에 대해 논의했고, 고유의 표현 수단과 현실에 대한 자신의 비전. 카페 단골들 중에는 클로드 모네(Claude Monet)와 같은 위대한 예술가들이 있었고, 알프레드 시슬리, 오귀스트 르누아르 외 다수.
이 인상파 공동체의 영향을 받아, 1860년대 후반 Degas는 Laundresses, 경마, 발레 장면, 그리고 모디스티키. 그의 모든 그림은 영웅의 내면 세계의 깊이와 복잡성에 대한 매우 정확한 공개로 구별되었습니다. 대부분의 인상파 화가들과 달리 드가는 결코 자연에서 영감을 구하지 않았고, 그는 현실을 역동적인 요소로 인식했고, 그의 작업에서 주된 위치를 차지한 것은 이러한 지속적인 움직임이었습니다. 그의 이상은 현대 도시의 바쁜 삶이었습니다. 천성적으로 관찰력이 뛰어나고, 드가, 파리의 시끄러운 거리를 걷고, 그는 모든 특징적인 표현 특징을 알아차렸고 오랫동안 그가 본 것을 기억 속에 간직했습니다. 그후, 도시 생활의 리듬을 전달하고, 작가는 사진적으로 정확하고 공정한 이미지를 만들었습니다.
초기 물질적 웰빙 덕분에 Edgar Degas는 창의적인 실험에 모든 시간을 할애할 수 있었습니다. 그는 모든 대포를 과감히 버릴 여유가 있었고, 구성을 구성하는 모든 해킹 트릭, 자신의 뜻밖의 관점을 찾기 위해 새로운 비전, 덕분에 작품의 신선함과 자발성을 느낄 수 있었습니다.
창의적인 검색 결과, 화가는 그림의 구성을 정확하게 조정할 수 있었고, 우발적 인 것은 없었고 모든 요소가 플롯의 일반적인 의미를 강조하도록 설계되었습니다. 화가 자신은 자신의 작업을 이렇게 정의했습니다. "내 작업은 반성의 결과입니다. 환자 관찰, 영감, 성격과 위대한 거장들의 연구." 드가는 그의 모든 영웅들을 자연스럽고 여유로운 포즈로 포착했으며, 그들의 성격과 기분을 전달하기 위해 최선을 다합니다.
언제, 1870년, 프랑스-프로이센 전쟁 발발, 예술가는 보병 연대에 자원했습니다. 갑자기, 첫 번째 사격장에서 그의 오른쪽 눈이 잘 보이지 않는다는 것이 분명해졌습니다. 의사들의 진단은 당뇨로 인한 망막박리였다. 나중에 밝혀진 바에 따르면, 이것은 드가병의 시작에 불과했습니다. 결국 그를 거의 완전한 실명에 이르게 했습니다. 그럼에도 불구하고, 그는 프랑스 군대의 대열에 남아 있었고, 포병 연대로 이동. 1871년, 전쟁은 이미 끝났고, 드가는 런던으로 짧은 여행을 갔고, 그 후 그는 뉴올리언스에 있는 미국 친척들에게 갔다. 1872~1873년 겨울을 보낸 곳.
미국 체류 초기에는 드가는 많은 스케치와 그림을 그립니다. 그의 가족 구성원의 초상화를 포함하여. 그러나 곧 그는 퓨즈를 잃습니다. 그 이유는 “파리의 예술은 루이지애나의 예술과 차별 없이 동일할 수 없다. " 지금부터, 작가는 스케치와 스케치를 중단하고, 그는 이전에 그의 많은 방황 동안 엄청난 수를 창조했습니다.
드가는 특정 국가의 생활을 장기간 관찰해야만 "민중의 관습을 배우고 매력을 느낄 수 있는 기회를 제공할 수 있다"고 확신했습니다. 그럼에도 불구하고, 자신의 주장과 달리, 작가는 "뉴올리언스의 면화 판매 사무실"(1873, 미술관, 포). 작품의 다자적 구성은 대비되는 색상인 흑백, 그 교대는 전체 캔버스의 명확한 리듬을 만듭니다.
1873년 봄, 파리로 돌아온 드가, 그는 곧 일련의 손실과 문제를 기다렸습니다. 1년도 채 안되는 기간에, 예술가의 아버지가 돌아가시고, 막대한 부채를 남깁니다. 그것이 밝혀지면서, 사망자는 완전히 혼란에 빠졌습니다. Auguste de Ga가 관리하는 은행, 채권자들에게 천문학적인 빚을 졌다. 가문의 명성을 지키기 위해 예술가는 그에게서 물려받은 자금으로 빚의 일부를 갚았고, 그러나 이것으로 충분하지 않았습니다. 생계를 꾸리기 위해, 화가는 가문의 재산과 위대한 거장의 그림 컬렉션을 판매하고, 그의 아버지에 의해 수집.
이 모든 것이 화가가 인생에서 처음으로 자신의 그림을 판매하는 것에 대해 생각한 것과 같은 상황으로 이어졌습니다. 구매자를 유치하는 효과적인 방법 중 하나는 작가는 인상파의 전시를 고려했고, 그는 종종 조직을 도왔습니다. 1874년부터 1886년까지, 8번의 전시회가 열렸고, 그 중 7개에서 Degas가 참여했습니다. 그의 작품이 성공했고 매우 잘 팔렸다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 다른 인상파 화가들의 작품과 달리
1870년대에, 드가는 그의 예술적 스타일을 더욱 세련되게 다듬었습니다. 그의 작업의 공간 구성은 전례 없는 날카로움을 얻었고, 더 큰 자유와 역동성. 그의 그림 속 색채는 독자적인 의미를 갖게 되었고, 매우 복잡해졌다. 빛으로 가득 찬 것처럼.
Degas는 그의 그림을 매우 단순화하고 깔끔하게 정리하여 단 하나의 회로의 도움으로 움직이는 인체 근육의 게임을 전달할 수 있었습니다. 서서히, 그의 작품은 점점 조각적인 성격을 갖게 되었습니다. 그는 굵은 탄소선으로 인물과 사물의 윤곽을 강조하기 시작했고, 분홍, 보라색과 녹색 음영이 그림의 색상을 지배하기 시작했습니다. 작업에 음향성을 부여한 모든 세부 사항은 최소화되었습니다.
드가는 사실상 유채화를 그만두고, 파스텔은 그가 가장 좋아하는 재료입니다. 마지막 초상화, 마스터가 만든, 1886년, "아버지의 사무실에 있는 헬렌 루아르"라는 그림이 있습니다. 국립 미술관, 런던), 예술가 Henri Rouen - Helen의 친구의 딸을 묘사.
70년대 중반부터 드가의 작품에서 일본 판화의 영향, 인상파의 전체 운동에 큰 영향을 미쳤습니다. 점점 추적되고 있습니다. 작가는 이 예술의 많은 기법을 사용하기 시작했고, 예를 들어, 원래 공간 구성, 예상치 못한 각도의 사용과 구성 중앙에 보조 문자의 빈번한 배치.
경마의 사랑
예술가의 가장 큰 열정 중 하나는 말이었습니다. Edgar Degas는 이탈리아에 머무는 동안 이 우아한 동물에 관심을 보였습니다. 그는 비아 델 코르사(Via del Corsa)의 전통적인 로마 경마에 매료되었고, 그 동안 그는 많은 스케치를 했다. 1860년대 프랑스 자체에서, 루이 필립과 나폴레옹 3세의 통치 아래서, 승마 스포츠도 매우 인기가 있었습니다. 게다가, 드가는 말의 자연적인 조형과 우아함뿐만 아니라 그는 전문적인 제스처와 라이더의 움직임에 더 관심이 있었습니다.
경마를 주제로 한 일련의 작품을 만들고, 드가는 종종 그의 캔버스에 대해 다양한 틀에 얽매이지 않는 구성 구조를 발견했습니다. 그가 가장 좋아하는 트릭은 다양한 공간 이동이었습니다. 날카로운 모서리 트리밍 및 다양한 "날카로운"각도. 모든 기술의 본질은 끊임없이 변화하는 현실의 독특한 느낌을 전달할 수 있는 생동감 넘치는 다이내믹 이미지를 만드는 것이었습니다. 이 작품들에서 중요한 위치는 색이다. 색상 Degas의 도움으로 기수 인물의 잡다한 혼란을 특정 조직 형태에 부여할 수 있었습니다.
1860년, 작가는 경마에 관한 시리즈에서 그의 첫 그림 중 하나를 썼습니다. 캔버스 "신사 경주:시작 전"(포그 미술관, Cambridge)는 예술가의 스타일과 성격을 완벽하게 특징 짓고, 그의 일생 동안 변한 것. 사실 드가는 20년 후에 이 작품의 첫 번째 버전을 다시 썼습니다. 완전히 평평한 풍경에 라이더의 흐릿한 흐릿한 인물이 묘사됩니다. 이 늦은 캔버스에서 그림의 배경은 검은 연기를 내뿜는 굴뚝이 있는 언덕과 교외 공장이었습니다.
1862년 작품 "시작하기 전의 기수들"(Musee d' Orsay, 파리), 사람들이 경험하는 짜릿한 감정과 시작 전 말의 긴장을 매우 정확하고 진지하게 전달합니다. 사진의 전경에서, 긴장 가득, 내면의 집중과 역동성, 경주 시작을 준비하는 기수가 보여집니다. 중간 계획은 시끄러운 세속 사회로 바쁘고, 안경에 대한 열망. 기수의 몸짓과 심기의 놀라운 진정성, 어떤 이미지의 시도 없이, 놀랍습니다. 이 환영 덕분에, 보는 사람은 캔버스의 날카로운 파편에 놀라지 않고, 그림의 가장자리가 라이더 중 한 사람의 그림의 절반을 잘라냅니다.
드가 시리즈, 경마에 전념, 아름다운 작품들로 가득 차 있고, 거의 리포터 정확도로 해결되었습니다. 그러한 캔버스의 예는 "시작하기 전에"(1878, E. G. Bgorl 박물관, 취리히), “지방의 경마. 레이스의 승무원 "(1872년경, 미술관, 보스턴), "경마 승마"(1894, Webb에서 수집, 뉴욕)과 "트리뷴 앞의 기수"(1869-1872, 오르세 미술관, 파리) 마지막 캔버스에 Degas는 경주 직전의 순간을 묘사했습니다. 대중에게 경주에 참가하는 말만 보여졌을 때. 작가는 그림을 능숙하게 구성하고, 고요함과 침착함의 환상을 달성하고, 영웅들에 의해 보존됩니다. 레이스 트랙의 모래를 섬세하게 장식하는 긴 그림자 덕분에 내면의 경험이 전달됩니다. 사진의 모든 말은 거의 정지 상태이며, 단 한 명을 제외하고. Degas는 레이스 시작 직전에 만연한 평온한 상태를 반영하는 임무를 맡았습니다. 이 이벤트의 특징은 열정과 흥분이 없습니다.
1873년 어딘가, 화가는 아무 관심도 없이 일시적으로 말과 경마라는 주제에서 벗어났고, 불과 몇 년 만에 다시 돌아온다. 그가 가수 Jean-Baptiste Fare에게 “경마. 기수 – 아마추어”(1876-1887, 오르세 미술관, 파리). 이후, 드가는 정기적으로 경마에 전념하는 캔버스를 썼습니다. 9s가 끝날 때까지. 이 시리즈의 마지막 작품 중 하나는 그림 "The Fallen Jockey"(1896-1898, 미술관, Offlätsche 컬렉션, 바젤). 캔버스의 구성은 작가의 전작과 비슷하지만, 초원을 질주하는 말이 우리에게 보여줍니다. 그 뒤에는 분명히 떨어 뜨린 기수가 남아 있습니다.
파리의 밤문화의 표현력
예술가의 질병은 그의 생활 방식에 영향을 미쳤습니다. 드가는 밝은 햇빛에 자신의 눈을 보호하기 시작했고, 그리고 일반적으로 시도, 가능한 한 드물게, 낮에 거리에 있는 것. 대다수의 인상파 화가들과 달리 화가는 실제로 야외에서 일하지 않았습니다. 드가는 대부분의 그림을 가스 조명 아래에서 그렸습니다. 그는 "밤의 첫 인상파"라는 별명을 얻었습니다. 파리지앵 카페를 테마로 한 이유 중 하나이기도 하고, 저렴한 카페, 여배우, 가수와 "하프 라이트"숙녀는 그에게 너무 매력적이었습니다.
Degas는 그러한 기관과 그 거주자를 주제로 한 많은 작품을 만들었습니다. 가장 유명한 것 중 하나는 캔버스 "Absinthe"(또는 "Absinthe의 연인", 1875년, Mray d' Orsay, 파리). Nouvelle-Athen 설립의 내부를 묘사하고 있으며, 파리 미술계에서 인기 있는 그림의 구성은 카페 주민들의 일상에서 나오는 단순한 장르의 장면을 원칙으로 한다. 그녀의 캐릭터 – 남자와 여자 –는 일상적인 고민 끝에 테이블에 쉬고 있는 것처럼 보입니다. 그러나 전경에 있는 빈 테이블은 두 사람이 움켜쥐고 구석으로 몰아넣는 듯한 인상을 준다. 또한 그들의 공허함과 상호 무관심을 강조합니다. 이 소박한 이야기는 외계인에 대한 흥분과 피할 수 없는 외로움에 대한 주제를 강조합니다. 이것이 전체 작업의 주요 아이디어입니다. 예술가의 모델은 조각가이자 예술가인 Marcel Debuten과 여배우 Helene Andre였습니다. 컬러를 통해, 작가는 인물에 내면의 긴장과 드라마를 부여합니다. 거의 움직임이 없습니다.
한 번의 몸짓으로 모델의 성격을 전달하는 화가의 미묘한 기술은 다양한 카페샨탄의 가수를 묘사한 캔버스에서 완벽하게 드러났습니다. 생생한 예가 그림 "대위 대사"(1876, 미술관, 리옹), 가수의 제스처는 작곡의 두 부분, 즉 무대에서의 공연과 강당을 결합합니다.
이 작품에 대해, 유명한 비평가 J. 리비에라는 이렇게 썼습니다. 그들의 모슬린 드레스와 팬, 그리고 관객들, 머리를 들고 말 그대로 목을 펴고, 도발적인 춤과 짤막하게 쓰여진 2행을 열광적으로 감상하세요! 내가 틀리지 않는 경우, 그렇다면 이 가수는 브랜디로 완전히 포화 된 콘트랄토를 가지고 있습니다 ... 가수의 비정상적인 몸짓, 관객을 향해 몸을 기울이고, 확실히 그녀의 공연의 성공을 확인시켜줍니다. 배역을 외운 배우로 자신을 되풀이하지 않고, 그녀는 청중에게 호소하고, 그들에게 묻는다. 그녀가 듣고 싶어하는 것에 대해 정확하게 대답할 것이라는 사실을 미리 알고, 폭군을 통제하는 것은 그녀이기 때문에 누구의 악덕을 달래는지. "
1878년에 쓰여진 캔버스 "카페산탄의 가수"(또는 "장갑을 든 가수, " 보그트 미술관, 케임브리지), 또한 이 시리즈의 매우 생생한 대표자입니다. 엘리스 디그레인지, 이 캔버스의 모델이 된 사람은 사실 가수는 아니지만, 그러나 기꺼이 드가를 위해 포즈를 취하기로 동의한 파리 서클의 매우 유명한 피아니스트. 피아니스트의 모습, 보는 사람과 매우 가깝고, 여전히 캔버스의 구성 중심이 아닙니다. 이 역할은 그녀의 손에 의해 수행되며, 검은 장갑을 끼고. 제스처에 더 큰 사운드를 제공하려면 Degas는 밝은 배경에 대해 그것을 묘사했습니다. 작가는 작업 공간을 매우 능숙하게 구성했습니다. 가수의 날카로운 손짓, 그녀의 열린 입과 다소 왜곡된 얼굴 특징은 실제로 이미지를 캐리커처에 더 가깝게 만듭니다. 이 효과를 완화하기 위해, 마스터는 채색에 부드러운 밝은 색상을 도입했습니다. 여주인공의 드레스와 얼굴에 부드러운 분홍색 하이라이트, 그리고 그녀의 머리에 꽃.
Cafeshantan과 그 주민들에게 헌정 된 시리즈는 매우 밝고 독특했습니다. 주기의 모든 작품은 매우 대담한 구성 구조로 구별되며, 캔버스의 주요 아이디어를 드러내는 것을 목표로합니다. 색과 빛의 광채, 드가의 그림에서 현실을 특별한 타르트 매력으로 가득한 환상의 세계로 바꿔드립니다.
발레
Edgar Degas가 두 번째로 좋아하는 주제는 춤의 유동적이고 역동적인 요소였습니다. 거의 20년 동안 예술가는 정기적으로 파리 오페라를 구독한 것으로 알려져 있습니다. 그는 발레라는 주제에 몰두했고, 연극과 무용 수업에 참석한다. 발레리나들의 노고를 보며 예술가는 매혹적인 춤의 세계를 재창조했습니다. 그는 리허설에 헌정하는 많은 그림을 남겼습니다. 무용수들의 동작 하나하나가 완성되는 동안, 스포트라이트의 축제 반짝임으로 관객에게 선보인 공연, 휴식의 드문 순간 동안. 대부분의 작업은 파스텔 작업장 드가에서 이루어졌고, 그가 그의 모델을 초대한 곳. 불과 15년 후, 파리 오페라의 감독은 예술가가 극장 커튼 뒤에서 직접 작업하도록 허용했습니다.
드가가 극장에서 쓴 최초의 작품 중 하나는 "오페라 오케스트라"(1870년경, 오르세 미술관, 파리). 작은 사이즈의 캔버스 소재로, 사진 발표 중에 우연히 찍은 것 같은 구성. 마스터는 관객에게 오케스트라 피트의 측면에서 무대를 보도록 초대합니다. 전체 전경은 검은색 연미복을 입은 음악가들로 가득 차 있습니다. 그 중 중심은 화가 Desiree Dio의 친구의 이미지에 속하며, 바순을 연주하는 사람. 무대 위에서 진행되는 공연의 아랫부분만 볼 수 있도록 캔버스를 배치했다. 가장 먼저 보는 이들의 시선을 사로잡는 것은 화사한 핑크와 블루의 댄서들의 튜터스, 그리고 나서야 음악가의 셔츠의 흰 점이 그림의 주인공에게 시선을 끕니다.
예술가는 그의 다음 작품의 엄청난 수를 무용수들에게 바쳤습니다. 이 시리즈의 초기 그림은 마스터가 발레리나를 묘사한 사진의 무감동의 상당 부분을 담고 있습니다.
그의 캔버스 "Dance Class"(1871, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕), 아티스트는 중요한 리허설을 앞두고 젊은 댄서의 설렘을 능숙하게 전달합니다. 어린 소녀는 거울을 배경으로 서 있고, 이것은 그녀의 모습이 중심에서 약간 오프셋되어 클래스의 전체 공간을 차지할 수 있도록 합니다. Only on the left side of the picture was there a place for the black piano and the elderly accompanist sitting next to him, who was just getting ready to start playing a melody for the dance. The picture is filled with silence reigning in a spacious room. Dancers warm up before the rehearsal. All work is permeated with a clear and harmonious musical rhythm conveyed by the artist through color through the clear coloristic thoughtfulness of the canvas.
Several works of the series, among which was the canvas “Dance Class”, Degas presented to the public in 1874 at the exhibition of the Impressionists. After her, he gained fame as an “artist writing dancers. "
The painting “Dance Lesson” (1874, Museum d’Orsay, 파리), striking with convincing realistic interpretation of images, belongs to the same period. Degas depicted a fragment of a rehearsal, during which an elderly teacher, stopping the rehearsal, gives instructions and recommendations to his students. Light white figures of dancers occupy almost the entire space of a large hall, the naturalness of their poses and gestures gives the canvas convincingness. 이 작품에서는 Degas captured the famous French choreographer Louis Merant, next to whom is one of the best dancers of the time, Josephine Gogelen.
The color of the picture plays a special role in it, built on a harmonious combination of gray, 초록, bluish-white and ocher shades, with numerous dark accents that bring clarity and clarity, forming a smooth linear rhythm, as if repeating the movements of the dance. The entire composition of the “Dance Lesson”, built on the principle of fragmentation, as it removes the action from the viewer, isolates it inside the illusory space created by the artist. 하지만, in later works, the master intentionally brings graceful heroines closer to the edge of the canvas, and sometimes even cuts off the image of their figures, 예를 들어, in such works as “Dancers” (1883, Dallas Art Museum), or “Before the exam” (1880), Denver Art Museum).
Unlike other canvases, where the artist paid attention mainly to the transfer of lightness and grace of all the movements of his heroines, in the work “Before the Exam” Edgar Degas decided to pay attention to their emotional state. On the canvas we see young dancers who are preparing for a responsible performance. On the right side of the composition depicts a girl whose pose is relaxed. Her shoulders and head are lowered, as if she is praying before going to the examiners. The second heroine massages her leg, gracefully leaning forward. Behind the girls on the bench were two elderly ladies, who were having a quiet conversation. Here Degas set out to depict an important moment in the life of the ballerinas – the moment when they tune in to perform, right before they enter the stage, where they will shine in the luxurious spotlights.
The most famous work on the subject of dance is the painting “Blue Dancers” (circa 1898, the A. Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow), where the master was able to achieve special compositional and color expressiveness. In the work, the graceful heroines of which correct their costumes before the performance, the artist managed to use the artificial lighting effect so skillfully that the entire canvas turned out to be filled with radiance and sparkling threads of dance melody.
In the work of 1877, The Final Arabesque (Musee d’Orsay, 파리), similar intonations can be noted. The canvas is arranged in such a way as to give the viewer the opportunity to peek behind the curtains from above, to watch how the ballerinas are preparing for the upcoming appearance on the stage. The foreground of the painting is a figure of prima, depicted on the darkened background of an empty scene. The ramp lights illuminate her face and light yellow suit, likening the girl’s figure to a graceful flower.
Almost all works on the theater and dancers Degas performed in pastel technique. The master, who knew how to go beyond the usual stereotypes, and here developed his own unique style. His methods of applying the paint layer, with distinctive separate strokes, more like strokes, seemed to combine drawing and painting.
Aesthetics of hard work
Throughout his work, the artist was distinguished by a genuine interest in the characteristic features of the behavior of people belonging to different sectors of society. Degas has always been interested in the features of their plastics, specific gestures and movements, in a word, everything that he could transfer to the canvas. Throughout his life, the painter remained steadfastly addicted to certain topics that contributed to the expression of his creative interests.
Degas was very fond of everyday scenes in which the main characters were the saleswomen of haberdashery and hats, laundresses and ironers. In all the plots, the artist was attracted by characteristic poses and professional movements. Thanks to this, he was able to discover completely unexpected decorative effects associated with the rhythmic interaction of silhouettes and matching figures. Most of the paintings that make up this series, as a rule, were created outside the domestic environment, which helped Degas achieve a high level of social generalization.
예를 들어, in the painting “Ironmaker” (circa 1869, New Pinakothek, Munich), the artist sought to convey the routine and monotony of the heroine’s daily work. The young girl depicted on the canvas holds the iron in his right hand, and moves the fabric with his left. To give greater dynamism, Degas made a double contour of the ironing skirt, emphasizing the efforts that she has to make. Immediately after returning from America, in 1873, Degas wrote another work under the same title, but with great expressiveness. On the new painting “Ironmaker” (Metropolitan Museum of Art, New York), the main character stands in profile, her dark silhouette stands out sharply against the background of a light-flooded window. Through this contrast and excellent transmission of the woman’s professional movements, the artist was able to masterfully reproduce the atmosphere prevailing in Parisian laundries.
The next canvas of the cycle – “Two Ironworkers” (Musee d’Orsay, 파리), created much later, in 1884, is perhaps the most famous. The work is written with wide nerve strokes, perfectly conveying the fluctuation of air around working girls. The color scheme, based on a comparison of blue, brown-ocher, golden and white tones, is characterized by increased decorativeness, which distinguishes this work from the previous ones.
Degas was not the only outstanding Parisian artist who loved the theme of ironers and laundresses. His work on this subject was often compared with the canvases of Honore Daumier. The critic Armay Sylvester, in 1879 wrote about this in the newspaper “Modern Life”:“Let’s move on to something significant. 예를 들어, this is what is significant that appears on the rare canvases of Mr. Degas – always the same synthesis process conveyed to us with admirable artistic flair. Just look at how the ironer bent over hard work. If you look at the canvas from a distance, you might think that it was written by Daumier, but in a closer look it becomes obvious that this is more than Daumier. In this work there is a refined skill, the full power of which is difficult to convey. "
Household scenes also include paintings depicting visitors to hat salons. 예를 들어, the painting “At the Fashionista” (circa 1882, Museum of Modern Art, New York), depicting a student of Degas Mary Cassatt. The compositional construction of the work is fragmented, built on the principle of photography. The girl trying on a hat is almost hidden behind the back of the chair depicted in the foreground. The modiste, who offers the visitor two more headdresses, is located on the left side of the canvas and is practically indistinguishable. The falling thick shadow makes the woman’s figure only a decorative element.
이 일, the plot of which seems unpretentious, was the fruit of much thought by the author. The artist attached great importance to the expressiveness and “melodiousness” of the line, it was with its help that he sought expression in the reflection of form. 그러므로, to create a single rhythmic silhouette of the whole group, he specially simplified the volumes of the middle plan. Canvases dedicated to this topic have become a real pinnacle of Edgar Degas skill. In them, he managed to achieve a new expressiveness in displaying reality and give a monumental generalization to the ordinary everyday scene.
Nude work
Another type of everyday scenes that Degas devoted a lot of time to were naked women behind the toilet. Since about the 1880s, the artist began to create beautiful female images that do not fit into the generally accepted canons of that time. Degas rejected all conventions, the idealization of ideas about female beauty. “Beauty must be characteristic” – this postulate was taken by the master as the basis of his work. The artist argued that the nature of a naked body is best manifested in a variety of movements that can be natural only during bathing. So a series of works appeared, the heroines of which are busy with themselves:they wash themselves, wipe themselves, comb their hair and are so absorbed in their thoughts that they don’t think at all to accept graceful and graceful poses.
A vivid example of such a plot is the Taz pastel composition (1885, Hill Stead Museum, Farmington), whose main character just bent down to wet her sponge in water. Her smooth gesture is full of naturalness, and the composition is devoid of anything that could distract the attention of the audience from the girl. 다음 해, the artist wrote another work with the same name (Mray d’Orsay, Paris). In this picture, the heroine crouched in the center of the pelvis and, leaning on her hand, washes her neck. The figure of the girl is softly outlined by the light pouring from the window. To achieve greater expressiveness, Degas used contrasts, sometimes emphasizing the female body, then gently "merging" it with drapery. A third of the composition is a wide white shelf with toiletries:a jug with clean water, a comb and a hairpin. So the artist emphasized the depth of the room.
Constantly returning to the same topics, poses and gestures is explained by Degas’s uncontrollable pursuit of excellence. Friends joked about the artist, saying that "to make him stop redoing a picture, you can only select it." The painter was simply obsessed with the desire to truly capture any movement. A special place in the work of Degas is given to the images of women combing hair. Here, the artist never copied previously found compositional techniques, tirelessly looking for new ones.
One of the most famous pastels of this cycle, “A Woman Combing Her Hair” (1886, the State Hermitage Museum, St. Petersburg), can serve as a perfect example of the artist’s constant search for an ideal pose and natural gesture. The work has several options, one of them is stored in a private collection of Morris (Philadelphia), and another at the Metropolitan Museum of Art (New York). In all versions, the heroine is depicted from the back, which allowed Degas to most convincingly convey her movements. The artist emphasizes the volume and depth of the shadow with elastic lines of the contour, creating expressiveness of the smooth movements of the heroine combing her red long hair.
시간이 지남에 따라 Edgar Degas develops his own aesthetics of motion transmission. The master sought not only to fix the position of the arms, legs and body with photographic accuracy, but to feel and convey with maximum expressiveness the complex interaction of all parts of the body. Working on the works of this series, the artist made an attempt to create his own system, which would allow him to depict the specific pose of a woman extremely accurately, but in the most generalized terms.
In later works by the artist, the movements of the heroines become sharper, the shape of the body began to be conveyed more simplistically and often outlined by a sharp contour. A vivid example is the painting “A Woman Leaving the Bath” (1900, private collection). It is very clearly visible on how the late style of the master gained sharpened expression, generalization of forms and decorativeness. The painter proved that the body can be even more expressive than the face, 그러므로, completely ordinary motifs in his art received a poetic expression of life energy, graceful grace and beauty.
The last years of the master
At the beginning of the 20th century, Edgar Degas’s disease worsens so much that it almost completely loses sight. Unable to express himself in any other way than art, the master begins to seriously engage in sculpture, which he calls the "craft of the blind."
The themes that Degas tried to embody in a new form of creativity remained the same as in painting:jockeys, dancers and bathers. He sculpted small sculptures for himself, so a very small number of them were brought to the end, such as “The Little Fourteen-Year-Old Dancer”.
Contemporaries of the artist noted that at the end of life, despite a sharp deterioration in physical condition, Degas’ interest in music, photography and poetry only intensified. In the circle of friends, he often began to sing Neapolitan songs, 하지만, somewhere from 1895, the painter almost completely stopped talking with friends and rarely left the house, continuing to communicate only with a very narrow circle of close people.
Already after 17 years, in 1912, Edgar finally quit working. By this time he is already blind and completely worn out. There were several reasons for this poor state of the artist, this year his sister Teresa dies, and the painter himself has to leave his beloved house because of the reconstruction, which could no longer be postponed.
9월 27일, 1917 Edgar Degas died at the age of eighty-three years. The funeral was very modest – as the artist himself wished. Among the friends who came to take him on their last journey were Claude Monet, Leon Bonn, Mary Cassett, Henri Lerol, Jean-Louis Foren, Ambroise Vollard and many others. In his last will, Degas requested not to give mourning speeches during the funeral. Separately, he emphasized that if Foren really wants to say a few words, let them be very simple and concise, like:"He, like me, loved to draw most of all." Edgar Degas already became a recognized great painter during his lifetime, his paintings were bought up at fabulous prices, and although the artist’s last years were rather joyless, he still lived a rich and vibrant life and remained forever in the history of art.
Zhuravleva Tatyana
