2월 25일, 1841년 프랑스 남부 리모주 마을에서 네 번째 아이는 재단사의 가족에서 태어났습니다. Pierre Auguste라는 소년이었습니다. 몇 년 후, 르누아르 가족 전체가 파리로 이사했습니다. 어린 시절부터, August는 뛰어난 그림 능력으로 구별되었으며, 게다가 웅장한 목소리까지.
피에르 오귀스트 르누아르의 그림들
교회 합창단장, 젊은 르누아르가 노래하던 곳, 심지어 그의 부모에게 아들의 음악적 경력에 대해 생각해 보라고 충고하기도 했습니다(그런데, 샤를 구노였습니다. 후에 유명한 오페라 파우스트를 작곡한 사람). 그러나 미래 예술가의 가족은 부유하지 않았고, 그리고 그의 아버지는 그의 아들의 다른 미래를 보았습니다. 중국에서 명성 있고 보수가 좋은 예술가의 작품입니다.
그래서, 1854년, 열세 살 때, 오귀스트는 도자기 공장에 들어갔다. 그 청년은 이 직업을 좋아했고, 그는 빨리 배우고 컵과 접시를 그리기 시작했습니다. 그런 다음 전체 서비스. 동시에, 그 청년은 종종 루브르 박물관에 갔고, 그가 그린 곳, 로코코 예술가 Francois Boucher의 골동품 조각과 그림에서 영감을 받아, 가벼운 장르의 장면을 쓴 사람. 시간이 지남에 따라 르누아르는 그것들을 도자기 그림으로 복사하기 시작했습니다.
그 청년은 나이에 비해 돈을 잘 벌었습니다. 그의 경력을 발전시키기 위해, 그는 도자기 공장에 들어갔다. 도자기 공장에서 조각가와 동료의 지도 아래 그림을 그리기 시작한 곳, 예술 분야에서 그에게 밝은 미래를 예언한 사람.
예술가의 젊음
불행하게도 젊은 르누아르에게는 하지만 다행히도 다른 모든 사람들에게는 19세기의 기술 진보는 수작업 생산을 거의 완전히 거부한 것으로 특징지어집니다. 도자기 그림은 인쇄된 그림으로 대체되었습니다. 구매자와 작업장 소유자는 인쇄 장비가 정확히 동일한 제품의 생산을 보장한다는 사실에 매료되었습니다. 시간이 지남에 따라 핸드 페인팅은 더 이상 가치가 없습니다.
청년, 처음에는 절망하고, 빠른 속도로 제품을 페인트하려고 시도했지만, 그에게 성공을 가져다주지 못한 것. 결과적으로, 그는 다른 수입을 찾아야 했다. 다양한 기술의 끊임없는 발전으로 임시직의 시대가 왔습니다. 르누아르는 처음으로 파리지앵 카페의 부채와 벽을 그렸고, 그러다 우연히 커튼 마스터로 취직하게 된다. 그런데, 그는 이 기술을 완벽하게 마스터했고 다시 좋은 돈을 벌기 시작했습니다. 그러나 예술가는 자신의 월계관에 안주하고 싶지 않았습니다. 이 직업은 확실히 그의 꿈의 한계가 아니었기 때문입니다. 르누아르는 예술 아카데미의 특수 학교에서 그림을 그리는 새로운 꿈을 위해 번 돈을 모두 따로 모아두었습니다.
1862년 말, 오귀스트 르누아르는 그의 소중한 소망을 이루었고 파리 미술 학교에 입학했습니다. 그곳에서 그는 예술가 Charles Gleyre의 작업실에 머물게 되었습니다. 학문적 스타일을 고수한다. 그 청년은 이미 상당한 경험을 가지고 있었고, 그러나 성실하게 모든 수업에 참석하고 학문적 그림을 공부했습니다. 하지만, Glair는 Renoir가 색상으로 작업하는 방식을 즉시 좋아하지 않았습니다. 그때도 아티스트는 육즙이 많은 밝은 색상을 사용했지만 학문적 환경에서 환영받지 못한 일이다. 한 번, 선생님은 자유분방한 제자가 프랑스 낭만주의의 대표주자인 두 번째 들라크루아가 되지 못할까봐 두려워하기까지 했습니다. 컬러감이 아름답게 표현된 르누아르의 진정한 아이돌, 하지만 누가, 학문적 예술가의 눈에는 이전의 "배교자"입니다. 오귀스트는 글뢰르의 작업장에서 유일한 젊은 예술가가 아니었고, 학문적 방식에 반항하고 자신의 새로운 길을 찾으려 했던 사람. 그는 곧 Claude Pug와 친구가 되었습니다. 알프레드 시슬리와 프레데릭 바질, 그는 그림에 대해 매우 면밀한 견해를 갖고 그 부활 가능성에 대해 열띤 토론을 벌였습니다. 이로써 그들은 학계의 족쇄로부터의 해방을 이해했습니다. 조금 후에, Camille Pissarro가 합류했습니다.
훈련은 오래가지 않았고, 불과 1년 후 르누아르는 강제로 회화 학교를 그만둬야 했습니다. 더 이상 대가를 지불할 수 없었기 때문입니다. 그는 워크샵의 수업을 야외에서의 작업으로 대체했으며, 그의 새로운 친구들과 함께, 작업실이 문을 닫은 탓에 뜻밖에 미술교육도 곧 마친 이들. 르누아르의 동료들은 모두 예술계를 바꾸고자 하는 열망이 비슷했을 뿐만 아니라, 그러나 그들은 식량과 노동 재료를 거의 찾을 수 없었습니다.
1866년, 르누아르는 그의 초기 정물 중 하나를 썼습니다. “큰 꽃병이 있는 정물”(보트 미술관, 케임브리지), 네덜란드 정물화의 문체로 밝으면서도 섬세하고 풍부한 색채로 유쾌한 인상을 준다. 같은 해에 그는 "Anthony's Inn의 여관"(1866, 국립 박물관, 스톡홀름). 꽃이 만발한 정물화와는 달리, 이 작품의 색 구성표는 다소 어둡고, 지배적인 검은 색으로. 시각적 표현은 대조를 기반으로합니다. 선술집 방문객의 검은 의상은 테이블 위의 백설 공주 식탁보를 강조하고, 사무직 노동자들의 밝은 반점과도 극명하게 대조되며, 수행원의 앞치마, 영웅 중 한 사람의 가볍고 챙이 넓은 모자와 그의 발 아래에 누워있는 흰색 개.
이 작품은 색상을 사용하여 구성을 구성하는 르누아르의 기술과 원칙을 생생하게 보여줍니다. 백설 공주 식탁보가 검은 색 인물로 구성된 링으로 둘러싸여 있으며, 흰색 액세서리를 산재하여 일반 덩어리로 병합되는 것을 방지합니다. 말 그대로 "바둑판 무늬로" 흰색 반점을 적용하면 색상 분포가 특히 조화를 이룹니다. 그림은 예술가를 훌륭한 초상화 화가이자 정물화의 장엄한 대가로 특징짓습니다. 전체 테이블 설정은 훌륭한 기술로 만들어졌으며, 음식과 기구의 잔해는 비정상적으로 현실적입니다.
1년 후, 작가는 사랑하는 여자친구 리사 트레오의 초상화를 그립니다. 르누아르가 7년 넘게 만났던 그러나 결코 결혼하지 않았다. 결국, Lisa는 그들의 관계를 끊었고, 불과 몇 개월 후, 젊은 건축가와 결혼했다.
그럼에도 불구하고, 그림 "리사"(1867, 포크왕 박물관, Essen)은 1868년 살롱전 참가를 승인받았고, 관객들에게 긍정적인 평가를 받은 곳, 아직 알려지지 않은 아티스트에게는 대성공이었습니다. 사진 속에, 소녀는 완전한 성장으로 묘사됩니다. 그녀는 흰색 드레스를 입고, 넓은 검은 띠와 태양으로부터 검은 우산으로 가려져 있습니다. 소녀의 가벼운 드레스는 밝은 햇살이 쏟아지는 것 같고, 히로인의 어깨와 얼굴에 빛의 섬광이 흐르고, 우산으로 덮여 있습니다. 이 섬세한 흑백 게임은 자작나무 줄기에서 계속되고, 그것은 Lisa의 등 뒤에 있고 그녀의 발 아래 잔디 위에 있습니다. 어두운 그림자가 햇볕이 잘 드는 영역과 급격히 경계를 이루는 곳.
1867년, 르누아르는 또 다른 그림을 그렸습니다. Lisa Treo가 "Diana the Huntress"(National Gallery of Art, 워싱턴). 시대의 도덕 원칙으로 인해, 작가는 현대 여성을 알몸으로 묘사할 수 없었고, 그래서 그는 그녀의 손에 사냥용 활을 쥐고 그 그림의 이름을 신화적인 이름으로 지었습니다. 그의 작품에 공식적인 존재의 권리를 부여한 1863년 그림 "풀밭에서 아침을""에두아르 마네로 인한 스캔들을 피하면서.
아티스트, 초상화 장르에 관심이 많았던 인상파 친구들을 자주 썼다. 일상 활동에서 친숙한 분위기에서 그들을 묘사하고, 따라서 초상화와 장르 회화를 결합하고 이 사람들의 삶에 대해 알려주는 다큐멘터리 소스를 만듭니다.
그림 "Frederic Bazil의 초상화"(1867, 오르세 미술관, 파리)는 바쁜 젊은 Bazil을 보여줍니다. 물론이야, 페인트 등. 아티스트, 프로필의 시청자에게 그의 작업에 집중하고 있습니다. 스타일리시하게, 놀라울 정도로 매끄럽게 웃는 작업, 부분적으로는 거의 단색에 가까운 색 구성표 때문입니다. chiaroscuro를 사용하여 볼륨을 모델링한 정교한 흑백 사진과 비슷합니다. 1년 후, Renoir는 "아내와 함께 Alfred Sisley의 초상화"(1868, 왈라프-리하르츠 박물관, 쾰른). 캔버스에서 우리는 Sisley가 그의 젊은 아내에게 얼마나 강조되었는지 알 수 있습니다. 그의 전체 자세는 봉사할 준비가 되어 있음을 나타냅니다. 여성을 지원하고 도우며, 그녀에 대한 그의 사랑과 부드러움뿐만 아니라. 캔버스에 그려진 젊은 부부, 행복과 사랑의 빛을 발산하는 것처럼.
르누아르의 작품 "알제리 여인"(1870, 국립 미술관, Washington)은 Eugene Delacroix의 기쁨에 대한 찬사였습니다. 그 안에, 작가는 그의 리사를 오달리스크의 이미지로 묘사했으며, 밝은, 호화로운 동양 여성, 베개에 나른하게 기대고, 멋진 드레스를 입고 자신에게 손짓합니다. 이 캔버스에는 르누아르는 색을 좋아하는 것 같습니다. 눕는 히로인의 모습은 캔버스의 거의 전체 공간을 차지하며, 그림에 공기가 부족한 것 같습니다.
인상주의에 대한 헌신
오귀스트 르누아르는 젊은 인상파의 또 다른 저명한 대표자들과 종종 함께 작업했습니다. 클로드 모네. 같은 자연에서 그린 화가들, 자연에서 관찰한 빛과 그림자, 그리고 이러한 효과를 전달하는 팔레트의 가능성을 연구했습니다. 그들의 결합의 예는 유명한 그림 "개구리"입니다. 그러나 같은 이름도. 그림의 줄거리는 간단합니다. 승객을 기다리는 목조 보트를 배경으로 재미있는 청중과 함께 떠 있는 카페입니다.
르누아르, 천성적으로 낙관주의자, 그의 모든 작업을 통해 인생의 휴가를 표시하는 사랑을 수행했습니다. 춤을 추거나 쉬고 있는 신사 숙녀 여러분. 작가는 삶의 어두운 면에 관심을 기울이지 않으려고 노력했지만, 그는 예술이 사람들에게 멋진 순간을 선사해야 한다고 진심으로 믿었습니다. 교화 또는 지루한 가르침의 역할을 수행하지 않습니다.
르누아르 "개구리"(1869, 국립 박물관, 스톡홀름) 언뜻 보면 스케치처럼 보이지만, 하지만 전혀 완성된 작품이 아니라, 장면 자르기는 무작위인 것처럼 보입니다. 어느 정도, 그랬다. 그 장면은 화가가 본 그대로 묘사되고, 정교하고 사려 깊은 구성 없이, 균형 계획 및 건물 관점.
작가는 전혀 다른 목표를 추구했습니다. 더운 여름날 즐겁고 평온한 분위기를 포착하여 전달하는 것, 물 위에서 빛의 섬광을 잡기 위해 숙녀복 드레스의 태양 반사 (이 숙녀들은 스트레칭이라고 할 수 있지만 그림의 대부분의여 주인공은 명령하기 쉬운 아가씨입니다. 평판이 좋지 않은 카페 주민). 살아있는 자연과 함께 작업하는 것은 매우 짧은 시간에 회화를 필요로 했고, 그러므로, 르누아르와 모네는 폭이 넓고, 빠른 스트로크, 사람의 형상만 표시하고 주변의 윤곽만 표시하고, 그러나 세부 사항을 작성하는 데 시간을 낭비하지 않습니다. 이 새로운 스타일, 말하자면, 대중의 사랑을 받지 못한 그림, 그리고 젊은 인상파 화가들의 겉보기에 부주의한 예술적 태도는 비판을 받았다.
그러나 회화의 새로운 움직임의 본질은 바로 자연 상태로부터의 덧없는 감각의 전달에 있습니다. 인상주의는 야외에서 시작되었습니다. 조명의 끊임없는 변화는 다음과 같은 사람들에게 매우 중요했습니다. 미래에, 처음에는 아이러니하게도 모욕적으로 인상파라고 불릴 것입니다. 애매한 인상을 전달하려는 이 특이한 욕망, 변화하는 현실은 그들의 작품과 "죽은" 학문적 그림 사이에 분명한 차이를 그렸습니다.
고전 학문적 회화는 신화의 좁은 스펙트럼의 맥락에서만 존재했습니다. 종교 및 역사적 주제, 현대의 이미지를 인식하지 못한 채. 그것은 이상화의 예술이었고, 인공적인 내부 질서와 명확한 구조를 모든 것에 도입합니다. 정물에 있는 사물과 사물, 풍경과 초상화가 이상화되어 묘사되었고, 그리고 그것들이 실제로 인간의 눈으로 보이는 것과는 다릅니다. 인상파 화가들의 꿈은 그림을 현실로 되돌리는 것이었습니다. 젊은 르누아르, 모네가 야외에서 글을 쓰기 시작한 후, 그러한 방법 만이 자연 햇빛의 투과를 달성 할 수 있기 때문에 작업장에서 작업할 때 돌이킬 수 없이 상실되는 자발성을 기억에서 상기시킵니다. 그들의 그림의 주요 "주인공"이 된 것은 빛이었습니다. 하지만, 모네와 달리 오귀스트 르누아르는 자연 그 자체보다 이 마법 같은 빛-공기 환경에 놓인 인간의 모습에 더 관심을 가졌다.
다른 작품에서는 새로운 다리 (1872, 국립 미술관, 워싱턴), Renoir는 Vedut(도시 풍경)의 거장으로 우리에게 나타납니다. 건축 세부 사항을 주의 깊게 작성하고 공들여 관점을 구축할 준비가 되었습니다. 이미 더 부드러운 필기 스타일이 있습니다. 볼륨의 구성은 선을 사용하여 생성됩니다. 보조 도면. 그럼에도 불구하고, 넓은 다리와 산책하는 사람들이 있는 거리 풍경은 마치 안개 사이로 보이는 것처럼, 건축 요소의 모든 윤곽과 인물의 인물은 명확한 윤곽이 없으며, 모든 라인이 매우 부드럽습니다. 작가는 햇살과 빛이 스며드는 공기로 가득한 도시를 포착했다.
그의 친구이자 동료인 모네의 초상화(1872, 마르모틴 박물관, 파리)는 르누아르에 의해 어두운 색상으로 제작되었으며, 거의 흑백으로 만듭니다. 그럼에도 불구하고, 작가 친구의 모습이 굉장히 생동감 넘치게 나왔고, 그는 모네에게 자신이 매일 자신을 보았던 그대로를 보여주었습니다. 모자를 쓰고, 신선한 신문과 담배 파이프를 입에 물고 있습니다.
르누아르는 조명의 효과를 연구하고, 모네의 얼굴과 손에 든 신문의 강조 표시된 부분과 음영 처리된 부분을 재생합니다. 손에 따뜻한 색조로 캔버스의 전체 어두운 색상을 훌륭하게 희석하고, 의자 뒤쪽의 lyceum, 뿐만 아니라 신문의 흰색. 그래서 작가는 조화로운 구성을 이루고, 내장 컬러. 의상의 원단은 거의 어두운 배경과 혼합되어 있으며, 주변의 황혼에 흡수된 것처럼. 화가가 후기 읽기의 분위기를 전달하고자 했던 것은 바로 이 효과였다. 낮은 조명에서.
1872년 "소파에 있는 클로드 모네의 아내의 초상"(개인 소장, 리스본)은 비정상적으로 생생하고 인상적이었습니다. 젊은 Camilla Monet(Nee Donsier)은 아름다운 파란색 드레스를 입고 소파에 앉아 있습니다. 그녀는 예술가를 위해 알몸으로 포즈를 취하고, 마치 자신이 유리하게 그릴 수 있도록 허용하는 것처럼. 여기, 르누아르는 주변을 세심하게 묘사하려고 하지 않고, 그는 젊은 주부의 평온함과 자유로움만을 전하고, 오후에 쉴 시간을 찾은 사람.
진정한 여성미의 감정가로서, 작가는 캔버스의여 주인공의 젊음과 신선함을 공개적으로 존경합니다. 스케치를 하듯이, Renoir는 소파 팔걸이만 설명하고, 그 중 하나는 카밀에게 쉬고 있습니다. 그리고 가장자리에 컵이 놓인 티 테이블. 소파에 기하학적 패턴이 없고 디자인을 구분하는 명확한 선이 없기 때문입니다. 소파가 비정상적으로 부드러워 보입니다. 사물의 윤곽이 흐려지고, 방의 분위기를 비범한 가벼움과 경쾌함을 주는 효과, 마치 르누아르가 방 안의 모든 물체를 하나로 묶는 일종의 무형의 햇빛 환경을 보여주는 것처럼. 그리고 카밀라의 흑발만, 눈썹과 눈은 일반적인 밝은 배경에 대해 눈에 띄고, 보는 이의 시선을 사로잡습니다.
70년대 초반, 르누아르는 파리 근처에서 많은 시간을 보냈고, 아르장퇴유에서, 이 기간 동안 모네가 살았던 곳, 친구들은 종종 함께 일했고, 그들이 가장 좋아하는 과목 중 하나는 세느강의 범선이었습니다. 이 작품은 "Argenteuil 근처의 레가타"(1874, 국립 미술관, 워싱턴). 그림에서, 예술가는 빠른 도움으로 글의 윤곽선 스타일을 다시 사용했습니다. 넓은 스트로크. 그런 스타일 만이 풍경을 포착 할 수있었습니다. 변하는 자연의 순간적인 상태를 포착하기 위해.
사진 속 하늘은 유난히 다이나믹하게 그려져, 찢어진 분홍색 구름과 함께, 모든 햇빛을 흡수하는 것처럼. 세느강으로 전복되는 것 같지만, 구름의 무늬와 배의 흰 돛을 반영하여 이것은 차례로 천상의 조명의 반사를 흡수하고 분홍빛으로 변합니다. 르누아르는 선이 아닌 그림을 그립니다. 그러나 색 반점이 있습니다.
"키 큰 풀밭의 길"(1874, 오르세 미술관, 파리)는 "Argenteuil의 양귀비 밭"(1873, 오르세 미술관, 파리) 클로드 모네. 오귀스트 르누아르는 풀밭에 익사한 길을 걷고 있는 사람들을 묘사합니다. 모네처럼, 움직임의 감각을 만들기 위해, 작가는 언덕 꼭대기와 밑바닥에서 사람들의 형상을 반복합니다.
극장과 누드
많은 예술가들처럼, 르누아르는 극장에 매료되었습니다. 다양한 회화 장면을 볼 수 있는 곳, 그들의 성격과 운명을 가진 수천 명의 사람들을 지켜보십시오. 이상한 점과 특이한 장면을 알아차립니다. 화가는 청중 모두에게 관심이 있고, 강당에 위치한, 그리고 배우들, 그의 활기찬 삶이 경사로 반대편을 지나갑니다.
극장 장면에 대한 르누아르의 작품 중 하나인 The Lodge(1874, 쿠르토 인스티튜트 갤러리, 런던)은 첫 인상파 전시회에서 작가가 선보였으며, 감동적이고 실패한 사진 작가 Nadar의 스튜디오에서 같은 84 년에 조직되었습니다. 그 그림은 상자 안에 앉아 있는 숙녀와 신사의 이중 초상화였고, 공연 시작을 기다립니다. 여성은 관객을 직설적이고 침착하게 바라보며, 그녀의 동반자, 반대로, 등을 기대고 앉아 사람들 사이에서 쌍안경으로 누군가를 찾습니다. 아줌마는 좀 슬프다. 그리고 신사, 그것은 보인다, 그녀의 존재를 완전히 잊어 버렸습니다. 히로인의 모습은 그림의 전경에 더 가깝게 표시됩니다. 그녀의 얼굴은 환하게 빛나며 마치 관객과 대화를 원하는 듯 영웅은 상자의 황혼에서 뷰어와 그의 동반자 모두에게서 제거됩니다. 작가는 놀랍게도 단순히 빛과 그림자의 놀이를 사용하여 구성에 의미론적 악센트를 넣을 수 있었습니다.
같은 인상파 전시회의 박람회에는 예술가의 두 작품이 더 참석했습니다. "무용가"(1874, 국립 미술관, 워싱턴)와 "파리지앵"(1874, 국립 웰스 박물관, 카디프).
그림 "댄서"는 하늘색 드레스를 입은 젊은 발레리나를 보여줍니다. 그녀는 자유 4위 자리에 서 있습니다. 에드가 드가의 작업을 약간 상기시켜줍니다. 그는 극장에서 가장 좋아하는 주제로 많은 그림을 그렸습니다. 하지만, 모든 Degas 히로인은 춤이나 활에 사로 잡혀 있습니다. 그들은 그를 위해 포즈를 취하지 않았습니다. 드가는 파파라치들이 지금 총을 쏘고 있을 때 그림을 그렸습니다. 겉보기에는 무작위적인 관점에서 예상치 못한 순간에 포착되었습니다. 심리학에 집중하지 않고.
오귀스트 르누아르는 다르게 일했습니다. 그의 캔버스에는 댄서는 춤이 아닌 무대 이미지로 묘사됩니다. 그러나 마치 자신의 역할처럼. 초상화에서 중요한 역할은 약간 슬픈 눈과 어린 소녀의 매력, 그녀의 떨림과 부드러움. 그림은 파스텔 톤과 부드러운 윤곽으로 구별됩니다. Degas의 날카롭게 정의된 작품과 달리, 항상 선을 주요 표현 도구로 사용하는 사람.
마스터의 다음 그림인 '파리지앵'에 관해서라면, 많은 미술사가들은 Alexander Blok의 말을 인용합니다. 그는 캔버스를 만든 지 30여 년이 지난 후 다음과 같이 썼습니다.
"그리고 매일 저녁, 정해진 시간에,
(아니면 나만 꿈꾸는 걸까?)
소녀의 캠프, 실크에 의해 캡처,
안개가 자욱한 창에서 움직입니다.
그리고 천천히, 술 취한 사람들 사이를 지나고,
항상 위성 없이, 홀로,
향수와 미스트를 들이마시며
그녀는 창가에 앉아… "
젊은 여성의 상반신이 아주 선명하게 윤곽이 잡혀 있고, 그녀의 드레스의 가벼운 치마는 바람이 잘 통하는 천으로 꿰매어 놓은 것 같습니다. 그래서 작가는 특별한 빛 공기 환경에서 인물의 존재가 좋아하는 효과를 얻습니다. 덕분에 여주인공이 안개에서 나오는 것 같습니다. 이미지의 유쾌한 매력은 이 흐릿한 마드모아젤이 관객과의 대화를 위해 완전히 열려 있다는 사실에 의해 달성됩니다.
다음 해, 르누아르는 그의 유명한 그림 "햇빛에 알몸"(1875, 오르세 미술관, 파리). 작가의 참신한 아이디어는 자연 속에서 누드를 쓰는 것이었고, 그녀의 섬세한 피부에 태양 빛과 나무 잎의 반사 작용이 어떻게 작용하는지 보여줍니다. 아이디어도 나쁘지 않았고, 게다가, 정말 인상주의적이다. 하지만, 결과는 비평가와 대중 모두에게 날카로운 거부를 불러 일으켰습니다. 전통 회화의 규범에 따르면, 벌거벗은 여성의 몸은 이상적으로 작성되어야 했습니다. 모델의 멋진 "연출된" 포즈를 생각해 냈고, 그녀의 피부는 완벽하게 부드럽고 따뜻한 색조로만 이루어져야합니다. 르누아르, 매끈한 피부보다는 눈부심과 반사신경을 보여주고, 리뷰어들은 썩어가는 신체의 사체 반점이라고 불렀습니다.
1876년, 화가는 이 주제에 대해 다른 캔버스를 만듭니다. 그림 "누드"(푸쉬킨 주립 미술관, 모스크바), 르누아르는 자신이 여성의 아름다움에 대한 진정한 감정가임을 보여주었습니다. 그는 말 그대로 그의 모델을 존경합니다. 붓으로 몸을 쓰다듬는 것처럼. 이 시간, 그는 그녀의 젊고 얇은 피부를 분홍색 음영으로 완벽하게 매끄럽고 독점적으로 칠합니다. 구성적으로, 이 작품은 Jean Auguste Dominique Ingres(1807)의 그림 "The Bather"와 유사합니다. 예술가는 나중에 Ingres(누가, 우연히, Edgar Degas)는 자신의 창의적인 길을 다시 생각하는 동안 본보기였습니다.
마스터는 인상파의 후속 전시회에 정기적으로 참여했습니다. 그 중 세 번째에는 1877년, 다른 작품들 중에서 그는 Moulin de la Galette와 Swing에서 Ball을 발표했습니다.
그네 동기는 18세기 프랑스 회화에서는 이례적이었습니다. 사실은, 그것은 결석했다. 정확히 무엇이 르누아르를 이 음모로 이끌었는지는 알려져 있지 않습니다. 그러나 그가 프라고나르의 같은 이름의 그림에 익숙했다는 증거가 있습니다. 누가 그것을 "용감한 장면"으로 썼습니까? 숨겨진 의미를 담고 있는 바람에 흔들리는 스커트 아래 땅바닥에 주저앉은 무심한 듯 펼쳐지는 매력적인 전망에 둘러싸여, 바람에 흔들리는 젊은 숙녀들. 스윙스(오르세 미술관, 파리) 르누아르, 1876년에 쓰여진 본질적으로 동일한 "용감한 장면"이며, 로코코 시대에서 빌려온, 그러나 현대적인 플롯에 경박한 의미 없이 쓰여졌습니다.
캔버스에서 우리는 관객에게 등을 대고 서 있는 젊은이를 봅니다(전통 예술 자체에서는 용납할 수 없음). 그는 나무 그네에 서 있는 잠겨있는 소녀를 살짝 흔듭니다. 근처에는 남자와 어린 소녀가 있습니다. 애정 어린 믿음으로 여자를 바라보는 것. 그런데, 어린이의 이미지는 작가의 전체 작업에서 별도의 페이지를 차지합니다. 그러나 나중에 더 자세히 설명합니다.
전체 그림 "물랭 르 라 갈레트의 무도회"(1876, 오르세 미술관, 파리)는 파리의 몽마르트르 언덕에 그렸습니다. 그 당시에는 여전히 3개의 보존된 나무 방앗간이 있었습니다. 그 중 하나에는 "Moulin de la Galette"라는 레스토랑이 있었습니다. 맛있는 커틀릿으로 유명합니다(물랭-밀, 갈레트 - 커틀릿). 레스토랑은 정기적으로 춤을 췄고, 가장 다양한 파리 관객을 모은 그 중에는 젊은 예술가들이 있었다.
그런 장소는 르누아르에게 이상적이었고, 육즙 쓰기를 좋아하는 사람, 밝은 빛의 섬광, 신사 숙녀복과 양복을 입고 춤을 춥니다. 작가는 그러한 삶의 축제와 평온한 젊음의 캔버스 장면으로 옮기는 것을 좋아했습니다. 비정상적으로 즐겁고 밝은 분위기가 특징입니다. 현지 관객을 묘사한 그의 캔버스는 일종의 시대 문서입니다. 그들은 파리의 이 구석을 영원히 포착했습니다. 당시 중산층을 즐겁게 했던 곳. 작가는 그 당시로서는 극히 이례적인 일상적인 플롯에 커다란 캔버스를 바쳤습니다.
오랫동안, 작가의 그림은 팔지 않았고, 대중이 인상주의를 예술로 인정하기를 거부했기 때문입니다. 그럼에도 불구하고, 전시회를 통해 유용한 연락처를 만들 수 있었습니다. 그들을 통해, 르누아르는 화가가 어떻게든 생계를 유지하는 데 도움이 되는 초상화에 대한 몇 가지 좋은 주문을 받았습니다. 예술가에게 즐겁고 유익한 것은 Charpentier 배우자와의 만남이었습니다. 사실 마담 샤르팡티에는 파리에 자신의 살롱이 있었고, 흥미로운 청중이 모인 곳:작가, 예술가, 시인과 예술가. 이곳에서 르누아르가 여배우 잔 사마리를 만났습니다. 그는 세 개의 초상화를 헌정했습니다.
초상화가 재능
기가막히게 쓰여진, 생생하고 서정적인 "잔느 사마리의 초상"(1877, 푸쉬킨 미술관, 모스크바)는 구성을 구축하는 예술가의 틀에 얽매이지 않는 접근 방식을 보여줍니다. 젊은 여배우는 손으로 턱에 기대고, 은밀한 대화를 나누는 것처럼 그녀의 열린 직접적인 시선은 관찰자의 눈으로 직접 바뀌었고, 모서리에 대한 그림의 최대 근사치뿐만 아니라 히로인과 시청자가 밀착되는 효과를 연출합니다. 이 포즈 덕분에 초상화는 표현할 수 없는 매력을 가지고 있으며 많은 긍정적인 감정을 유발합니다.
1년 후, 작가는 같은 이름(1878, 국립 에르미타주 박물관, 세인트 피터스 버그). 그 안에, 르누아르는 사마리아의 잔에게 다시 편지를 쓴다. 그러나 지금은 완전히 성장하고 있습니다. 여자는 기차와 함께 멋진 백설 공주 드레스를 입고, 그녀의 슬림 한 몸매에 매우 적합합니다. 하지만 여기에서도, 의식 초상화에서, 여주인공은 시청자와 대화를 시작합니다. 그녀의 포즈는 다시 앞으로 향하고, 그녀는 약간 구부려 서서, 당당한 자세와 곧은 어깨를 희생하고, 이 연락을 위해. 그녀의 직접적인 열린 시선은 관찰자를 놓지 않고, 그러나 그녀의 살짝 갈라진 입술이 그를 끌어당긴다.
같은 해에, 르누아르는 "아이들과 함께한 샤르팡티에 부인의 초상"(메트로폴리탄 미술관, 뉴욕). 사진은 표준 "살롱" 방식으로 만들어졌으며, 분명히 안주인 자신을 기쁘게하기 위해. 귀여운 두 아이의 피규어, 직접 포즈로 표현한 유니크한 어린이용 플라스틱을 완벽하게 전달하고, 천사의 속성으로 보완 - 팔과 다리의 붓기, 섬세한 컬, 캔버스에 특별한 매력을 더하십시오. 작품의 일반적인 구성은 다시 색상을 사용하여 구성됩니다. 장식은 적갈색 음영으로 묘사되며, 그리고 마담 샤르팡티에(Madame Charpentier)의 모습이 그녀의 배경과 대조적으로 눈에 띈다. 안주인은 가슴에 대조되는 흰색 인서트가있는 검은 색 드레스를 입고, 옷자락 아래에서 하얀 페티코트가 엿보이고, 그리고 그녀의 발 아래에는 흑백의 거대한 세인트 버나드가 있습니다. 그리고 이 흑백 프레임에서 옅은 파란색의 짧은 드레스를 입은 아이들을 묘사합니다.
일생 동안 르누아르는 뛰어난 초상화 대가로 여겨졌습니다. 그는 캔버스의 영웅들의 순간적인 분위기를 포착하고 전달했습니다. 이 장르에서 그의 작품의 주목할만한 예는 "부채를 든 소녀"(1881, 국립 에르미타주 박물관, 세인트 피터스 버그). 검은 머리칼이 이마에 떨어지는 어린 소녀의 부드러운 잠겨있는 얼굴이 조심스럽고 매끄럽게 쓰여져 있습니다. 그리고 화장실의 디테일, 팬, 손과 배경이 더 부드럽고, 흐릿한 윤곽으로. 그림의 배경, 설명없이 남겨두고, 소녀의 아름다운 모습을 구성하는 역할만 하고, 반짝이는 검은 눈으로 보는 사람의 주의를 분산시키지 않으면서 연약한 피부와 갈라진 입술. 캔버스에는 대조의 좋아하는 효과가 있습니다. 검은 색과 흰색 반점이 번갈아 가며, 주인이 자주 사용하는 부채의 흰색 부분 - 드레스의 어두운 천, 화이트 칼라 - 모델의 검은 머리카락.이 체스 주문은 모델의 섬세한 안색에 시청자의 관심을 완벽하게 집중시킵니다.
인상파 친구들의 의견과는 달리, Renoir는 연례 살롱에 참가하기로 결정했습니다. 그것이 그가 명성과 유용한 인맥을 얻을 수 있는 유일한 방법이었습니다. 마담 샤르팡티에의 노력 덕분에 1879년 살롱은 예술가의 두 작품인 "사마리의 초상"과 "아이들과 함께한 샤르팡티에 부인의 초상"을 받아들였습니다. 그래서 르누아르는 마침내 자신을 선언했습니다. 관객들은 화가를 호의적으로 만났고, 그리고 그는 정기적으로 새로운 주문을 받기 시작했습니다. 그때부터 1882년까지, 작가는 인상파 전시회에 참여하지 않았습니다. 르누아르의 재정 상황이 크게 개선되어 1881년에 알제리로 긴 여행을 할 수 있었습니다. 베니스, 로마와 폼페이.
같은 가임기에, 르누아르는 알리나 셰리고를 만나고, 그는 화가의 여성적 아름다움의 이상을 살아있는 화신으로 표현한 사람이었습니다. 알리나는 화가의 많은 그림에 등장하기 시작했고, "노 젓는 자의 아침 식사"(1881, 필립스 컬렉션, 국립 미술관, 워싱턴). 얼마 후, 그녀는 심지어 그의 아내가되었습니다.
캔버스의 가벼운 구성 "노 젓는 아침 식사"는 르누아르가 자연광에서 그렸습니다. 그림의 줄거리는 작가가 사랑하는 또 다른 인생의 휴가, 신사들의 구애와 함께, 평온한 젊음, 숙녀의 미소와 복잡한 관계. 1882년 제7회 인상파 전시회에 참가한 작품으로, 예술가가 이탈리아를 여행하는 동안 만든 여러 베네치아 풍경과 함께. 그리고 불과 1년 후, 1883년, 르누아르의 첫 개인전이 열렸다.
자신의 스타일 인식과 좌절
1880년대 예술가의 명성은 이미 프랑스를 넘어섰습니다. 존경받고 존경받는 오귀스트 르누아르는 여행을 자주 하기 시작했습니다. 1885년, 그들의 첫 아이, 피에르의 아들, 주인과 알리나 사이에서 태어났다. 곧 가족은 샴페인에 있는 알리나의 고향으로 이사했습니다. 1886년, 르누아르는 아내와 어린 아들의 초상화를 그립니다.
캔버스 "모성"(미술관, 세인트 피터스 버그, 플로리다)는 이미 다른 기쁨을 축하하고 있습니다. 파리 대중의 평온한 오락은 배경으로 물러나고, 그리고 예술가의 모든 관심은 가정 생활의 즐거움과 모성애의 행복에 쏠렸습니다. 사진은 감상적입니다. 뚱뚱한 젊은 Alina가 시골의 목가에서 통통한 아기에게 모유를 먹이고 있습니다. 의자에 앉아 있는 여성의 비율은 작가가 서 있는 동안 그녀를 그린다는 사실 때문에 약간 짧아 보이지만, 그리고 그의 관점은 모델보다 높았다.
시간이 지남에 따라 오귀스트 르누아르, 이전에 인정받은 인상파의 거장, 그가 발전시킨 글쓰기 방식에 환멸을 느꼈다. 작업에 대한 그의 불만으로 인해 주인은 만든 캔버스가 파괴되기까지했습니다. 화가가 그의 창조적 경력의 맨 처음부터 Eugene Delacroix의 그림에서 그를 괴롭히는 질문에 대한 영감과 답을 구했다면, 장 오노레 프라고나르와 프랑수아 부셰, which contributed to the formation of his creative personality, now he turned to the work of Jean Auguste Dominique Ingres – a brilliant academician and neoclassicist, master line, writing seductive nude beauties and unusually gentle female portraits. Also, Renoir began to use the experience of Renaissance masters, whose works conquered him in Italy.
Despite the change of style, the artist remained faithful to the world of joy, beauty and bright happiness. He never created sad, philosophical, or edifying works. Paired works “Dance in the Village (1882, Museum d’Orsay, Paris), “ Dance in Bougival ”(1883, Museum of Art, Boston), as well as“ Dance in the City ”(1883, Museum d’Orsay, Paris ) became a logical continuation of the topics raised by the painter in the works of previous years. All three paintings show us dancing couples reveling in movement, music and as if serving as a continuation of the theme of cloudless happiness and youth of the canvas “Ball at the Moulin de la Galette”.
The painting “Dance in the Village” brings back memories of the early painting “Portrait of Alfred Sisley with His Wife”. In the new work we can see the same tenderness, care and emphasized courtesy of the gentleman hugging his lady. The pose of the dancing couple captivates with direct plasticity and clearly demonstrates the nature of their relationship:the man is tenderly in love with his partner, he is ready to do her best in every possible way, she bathes in his love and care, like in music, absorbed in dance and subordinating his movements to the leading force of the partner.
"Dance in Bougival" demonstrates the departure from the impressionistic style of writing. She is still visible in the foliage of the trees and the background of the picture, but the girl’s dress and her gentleman’s costume are painted rather tightly and smoothly. The atmosphere of the work is close to the previous one, the same immediacy reigns in it, but with a touch of hidden feelings – the girl slightly bashfully looks away from her partner, who is trying to win her attention by all means.
The partners of the film “Dance in the City” are much more restrained in their movements and expression of feelings. Exquisite costumes speak of their high social status. The girl keeps herself very straight, not leaning on the shoulder of her partner with a popular gullibility. Her posture is strict and meets all standards of etiquette. The heroine’s face is calm, it does not express the happiness and joy with which the heroine of “Dance in the Village” shines. The face of a young man is completely hidden from us.
The painting "Umbrellas" (1881 -, National Gallery, London) became one of Renoir’s most famous works. It was started during the heyday of his passion for impressionism, and ended five years later, after the artist became acquainted with the work of Renaissance masters and rethought his own path in art. Female figures on the left side of the canvas are written more gently, while on the right side – a clear contour line appears. The picture densely filled with characters seems to lack compositional construction, but this is only at first glance. Among the randomly flooded figures of passers-by, the diagonal construction of the canvas can be distinguished:the first diagonal starts from the girl’s head in the right corner of the canvas, then is emphasized by the cane of the tilted umbrella and finally ends with the heads of the girl and the man standing behind her on the left.The line of the cane of the umbrella in the hands of the woman accompanying the girls indicates the second diagonal.
"Umbrellas" became the last big picture of the artist, dedicated to the life of his modern city. The Renaissance art influenced the further selection of themes, which left its mark on the pictorial manner of Renoir. The master until the end of his life remained a singer and connoisseur of female beauty, mouth-watering forms, delicate skin and sparkling eyes. The canvas "The Big Bathers" (1887, Art Museum, Philadelphia) is a clear evidence of the influence of the great masters of the past. The presence of a contour drawing, classic draperies, delicately painted naked bodies of girls with delicate skin and the layout of their figures in space represent a clear pyramidal composition in the shape of a triangle.
True, in the painting “After Bathing” (1888, a private collection), the smoothly painted naked body of a seated girl still has a hint of the artist’s former style. The shadows in the canvas remain impressionistic, colored, and its background is made with wide strokes. And the very picture of the body of the heroine is more soft than in the previous work.
Last years
The artist still traveled a lot. In 1894, a second child appeared in the Renoir family – the son of Jean. And in 1897 a small incident happened. It did not portend in itself any problems. The artist unsuccessfully fell off his bicycle and broke his right arm. During recovery, the master learned to write with his left hand. But even after a complete healing of the fracture, Renoir did not leave constant severe pain. So began severe arthritis, which did not leave the artist for the next twenty years of his life, gradually fettering movements and facial expressions, twisting his fingers, and then completely causing paralysis. Alina did everything possible to save her beloved spouse, however, after each short-term improvement in his condition, relapses invariably occurred. Friends often came to visit the painter, Renoir himself did not stop working until the last day of his life. In 1901, his third son Claude was born, who became the most beloved model of an aging artist.
Renoir paintings were exhibited at many exhibitions in Paris, New York and London. They brought him well-deserved fame. And in 1900, the artist became a holder of the Legion of Honor, and ten years later – an officer of the order.
In 1909, the painter creates two more paired works:“Dancer with Castanets” and “Dancer with Tambourine” (both – National Gallery, London), in which a clear influence of Renaissance art is revealed. Plastic bodies, calmly contemplative expression, drapery and abstract background bring them closer in style to the frescoes of the great masters of the past. The works are very decorative, the figures of the dancers as if descended from an old frieze.
The work "Gabriel with the Rose" (1911, Musee d’Orsay, Paris) is very different from the "classical" portraits of the master. The canvas palette darkened, the model does not dazzle with a sparkle of eyes and a radiant smile. But clearly more plastic study of volumes is evident. But it’s all early, it is obvious that the aging artist admires the smoothness and tenderness of the skin of his heroine (Gabrielle was a relative of his wife and helped her with raising children).
With the outbreak of World War I, the elder sons of the Renoirs went to the front, both of them returned, but wounded. Alina tried her best to help her children, but, not having endured the emotions, she died. Renoir continued to write in a wheelchair, overcoming severe pain in his entire body, until his death on December 2, 1919.
Zhuravleva Tatyana
