훌륭한 러시아 예술가 Valentin Serov는 부유하고 재능있는 가정에서 운이 좋았습니다. 화가의 부모는 재능 있고 다재다능한 사람들이었습니다. 알렉산더 니콜라예비치 세로프, 미래 예술가의 아버지, 작곡가였고, 오페라 에너미 포스의 작가 주디스와 로그네다. 그는 당대 최고의 음악 평론가로 간주되었으며 위대한 독창적인 예술가이기도 했습니다. 그의 젊은 시절, 그는 그림에 종사할 예정이었고, 그러나 그는 음악에 관심을 갖게되었고 완전히 그것에 굴복했습니다.
발렌틴 알렉산드로비치 세로프의 사진
유능한 가족
발렌타인이 그의 특별한 선물을 물려받은 것은 그의 아버지로부터, 형태와 색상을 믿을 수 없을 정도로 정확하게 인식하는 능력, 뿐만 아니라 동물에 대한 그의 큰 사랑, Serov Sr.는 그의 캔버스에 가장 자주 묘사되었습니다. Alexander Nikolayevich는 44세에 결혼했습니다. 이미 완성도 높은 작곡가이자 성숙한 사람이다. 그가 선택한 사람은 재능 있는 젊은 피아니스트 Valentina Semenovna Bergman이었습니다. 음악가의 전 학생.
Serovs의 외아들은 1 월 7 일에 태어났습니다. 1865. 유아기부터 Valentin은 다양한 사회적 배경을 가진 창의적이고 비범한 인물들로 둘러싸여 있었고, 작곡가와 그의 젊은 아내의 집에 정기적으로 모인 사람들. 그 당시의 모든 재능있는 사람들을 포함하여, 음악가, 과학자, 작가, 예술가와 배우. Alexander Nikolayevich의 친한 친구 중, 그의 집을 자주 방문했던 사람, 조각가 마크 안토콜스키(Mark Antokolsky), 작가 이반 투르게네프, Serov와 가장 가까운 예술가 Nikolai Ge, 작은 발렌타인에게 처음으로 주입, 평생 그와 함께한 사람, 말에 대한 사랑.
세로프 가족은 종종 문학 낭독회와 콘서트를 열었고, 하녀가 자주 초대되는 관중으로. 그러한 교육의 밤은 그들의 개인적인 발명이 아니라, 오히려 당시 패션에 대한 찬사입니다.
리틀 발렌타인은 종종 그의 부모와 함께 오페라에 참석했습니다. 그리고 1869년에 그들은 처음으로 아들을 해외로 데려갔습니다. 이번 여행을 마치고, 세로프, 막내, 위대한 리하르트 바그너의 집을 방문한 것을 평생 기억하고, 하지만, 소년에 대한 지울 수 없는 인상은 유명한 작곡가 자신이 만든 것이 아니라, 그러나 기이한 꿩과 그의 거대한 개가 있는 우리 옆. 이처럼 외적으로 흥미진진한 삶으로, 어린 시절의 발렌타인은 각자 자신의 일에 살았던 부모의 관심에 버릇이 없었습니다.
1871년, 미래의 예술가가 겨우 여섯 살이었을 때, 그의 아버지는 돌아가셨다. 거실에서 고요한 리셉션과 문학 읽기의 시간은 영원히 과거입니다. 이제 그들은 뮌헨에서 어머니와 함께 살았습니다(1872년부터 1873년까지). 이 2년은 작은 제도가에게 매우 유익한 시간이었습니다. 호텔에서 생활하면서, Serov는 이미 유명한 화가 Kegshing을 만났습니다. 재능있는 소년에게 관심이 있었던 사람. Kegshing은 아이를 공부에 데려가기 시작했을 뿐만 아니라, 전문적인 조언으로 그를 돕기 위해 Valentina Semenovna에도 영향을 미쳤습니다. 그녀에게 가능한 모든 방법으로 젊은 재능을 개발하고 격려하도록 권장합니다.
아들의 능력이 그의 운명이 될 수 있다고 믿으며, Serov의 어머니는 의식적으로 그들을 격려하고 발전시키기 시작했습니다. 그래서, 1874년, 어머니와 함께 파리로 이사한 9살 발렌타인, 이 기간에 Ilya Repin이 있었던 곳. Valentina Semenovna가 Repin에게 아들 교육을 요청한 결정은 미래 화가의 삶에서 가장 성공적인 선택이었습니다.
어린 세로프의 능력을 마음껏 펼치고 드러낼 수 있는 유일한 마스터는 일리아 레핀이었다. 그래서, 그 소년은 첫 번째 정규적이고 진지한 그림 수업을 시작했습니다. 당시 레팽은 파리에서 "Cafe"와 "Sadko"라는 그림을 작업했으며, 그는 자연에서 많은 스케치를 했습니다. 끊임없이 학생에게 과제를 주는 것을 잊지 않습니다. 어린 Valentin Serov는 그 은혜로운 시간에 많은 귀중한 조언을 받았으며, 팁과 설명, 그는 나중에 평생 기억했습니다. 레핀은 그의 작품을 복사할 수 있도록 허락했고, 때때로 그는 메모리에서 특정 개체를 작성하도록 요청했습니다. 그러나 그는 자연에서 그림을 그리는 데 가장 많은 관심을 기울였습니다.
예술가 지망생은 취미에 완전히 굴복하고, 그것에 모든 자유 시간을 보냅니다. 그가 그린 낮에는, 저녁에는 스케치와 그림을 끝없이 그렸습니다. 어머니의 진지한 태도 덕분에 Serov의 많은 학생 작품이 완벽하게 보존되었습니다. 그의 초기 앨범에서, 말에 대한 대부분의 그림과 스케치. 물론이야, Serov는 다른 동물도 그렸습니다. 그러나 그의 삶에 대한 사랑이 된 것은 말이었습니다.
이것은 의심할 여지 없이 위대한 러시아 화가가 형성되는 유익한 시기였습니다. 그러나 모든 번영과 함께, 파리에서 아홉 살 소년의 삶은 외롭고 따분했습니다. 그의 어머니, 오로지 자신의 일에만 몰두하고, 낮에는 끊임없이 결석했고, 저녁에는 오페라에 참석했습니다. 발렌타인은 오랫동안 혼자였다. 자신의 장치에 맡겼습니다. 이 강제 퇴각은 세로프의 성격에 흔적을 남겼습니다. 그에게 예술가가 그의 일생 동안 유지했던 음울함과 고립감을 준다.
Savva Magnificent의 영향
모스크바의 많은 재능있는 주민들처럼 Valentin Serov의 어머니는 Savva Mamontov에 익숙했습니다. 그것은 미래의 예술가에게 큰 성공이었습니다. 이 자선가이자 기업가는 19세기 후반 모스크바의 정신적, 지적 생활의 중심에 있었습니다. 그의 주위에 러시아 예술 지식인의 전체 색상을 수집, Mamontov는 Abramtsevo 사유지의 손님들에게 영감을 줄 수 있는 독특한 기회를 제공했습니다. 무료, 누구에게도 부담되지 않고, 재정적 문제와 창조적인 삶을 포함합니다. 20년 이상 동안, 모스크바 근처의 Mamontov 부동산은 러시아 문화의 주요 중심지였으며, 예술가들이 있는 곳, 때로는 여름 내내, 소통하러 왔다, 경험을 공유하고 일과 여가를 결합합니다.
종종 "Abramtsevo"에서 어머니와 함께 살고, 어린 시절부터 Valentin Serov는 창의성의 거의 모든 영역에 직접 참여했으며, 이것은 새로운 예술을 사랑하는 사람들과 같은 생각을 가진 사람들의 창의적인 환경에 의해 개발되었습니다. 여기에서 그의 밝고 다면적인 재능이 개발되었습니다. 아브람체보 클럽, Savva Mamontov의 지원, 한 번에 두 개의 아트 워크샵을 열었습니다. 세라믹 및 소목 절단, 옛 공예품과 공예품을 되살린 곳. 극장에도 많은 관심을 기울였다. Mamontov의 홈 공연에 기쁨으로 Serov가 참여했으며, 그는 동물의 코미디 역할을 훌륭하게 수행했으며, 대성공을 거두면서. 발렌타인이 그에게 명성을 가져다준 최초이자 가장 영감을 주는 작품을 만들었다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 와 같은, 예를 들어, 복숭아를 든 소녀, 이 멋진 부동산에서.
하지만, Abramtsevo 서클의 유익한 영향은 훨씬 나중에 나타났습니다. 그리고 처음에는, Mamontov의 재산에서 젊은 재능에 의해 수행, 그의 재능에 도움이되지 않았습니다. 예술가 Igor Grabar의 전기 작가에 따르면, 1875년 여름, Valentina Semyonovna가 처음으로 그녀의 아들을 부동산으로 데려왔을 때, 그 소년은 정규 그림 수업과 그의 모든 앨범을 포기했습니다. 매머드 아이들의 재미 있고 평온한 삶에 도취되어 있습니다. 그의 예술적 능력을 반영하는 데 실패하지 않은 것은 무엇입니까? 그의 어린이 앨범에 있는 당시의 몇 안 되는 그림은 연습이 없는 타고난 능력이 큰 의미가 없음을 확인하는 데 불과합니다. 화가의 본연의 재능과 그림 실력을 키우고 유지하기 위한 끊임없는 노력 없이는 순식간에 사라져 버리기 때문입니다. 진정한 천재는 재능의 10%와 노력의 90%라고 말하는 것은 헛된 것이 아닙니다.
그래서 Serov와 함께 일어났습니다. 획의 정확성을 향상시키고 색상과 모양을 표시하는 지속적인 교육 없이, 젊은 예술가는 훨씬 더 나빠지기 시작했습니다. 그러므로, 가을에, 그의 어머니는 그를 상트페테르부르크로 데려갔습니다. 가족의 오랜 친구가 있는 곳, 예술가 Nikolai Ge, Valentin의 재능을 돌보기 시작했고, 그를 배양하고 자신을 완성하십시오. 곧, Ge의 보살핌 덕분에, Serov가 새로운 개발 단계에 진입한 것이 분명해졌습니다.
그 다음에, 발렌타인과 그의 어머니는 다시 이사했습니다. 이번에는 키예프에서 약 3년을 보낸 곳, 엄마와 아들의 인생에서 가장 행복해진 것. 키예프에서 그 소년은 그림 학교에 들어갔고, Nikolai Murashko의 수업에 들어간 후, 예술 아카데미에서 레핀의 오랜 친구.
최고의 교육자
아들의 성장을 예술 교육에만 국한시키지 않기로 결정하고, Valentina Semenovna는 다시 모스크바로 돌아와 모스크바 체육관에 아이를 배정했습니다. 여기, 화가의 어머니는 다시 레핀에게로 향했고, 수업을 재개할 것을 요구합니다. 화가의 가족은 두 팔 벌려 세로프를 맞이했고, 그의 수업은 훨씬 더 높은 수준에서 계속되었습니다.
Repin 자신은 다음과 같이 언급했습니다. 계속되는 수업 중단에도 불구하고 발렌틴은 훌륭한 발전을 이루었고, 그리고 매우 성공적인 작업은 소년 자신에게 그가 계획한 모든 것을 다시 묘사할 수 있다는 믿음을 심어주었습니다. 발렌타인은 자신을 믿었고 체육관에서 공부를 거의 완전히 포기했습니다. 자신이 가장 좋아하는 취미에 탐닉하는 큰 열정으로. 결국, 체육관 관장은 아이를 특수 기관에 보낼 것을 제안하면서 젊은 예술가의 어머니에게 향했고, 그의 그림 재능이 완전히 개발 될 수있는 곳. 그래서 소년은 마침내 Repin으로 이사했습니다. 지금, 드로잉과 회화에 대한 그의 연구는 다른 어떤 것도 멈추지 않았습니다.
Igor Grabar는 회고록에서 다음과 같이 썼습니다. 십대가 아니라, 심지어 초상화를 위해 그를 위해 포즈를 취하기도 합니다. Serov 자신을 그리는 동안. 14살의 세로프는 음울하고 음울하게 보입니다. 알아볼 수 있는 순전히 "세로프" 늑대 습성입니다. 그는 마지막 날까지 그것을 유지했습니다. 그리고 이 우울한 모습 뒤에는 친절한 마음과 가장 부드럽고 순수한 영혼이 숨어 있습니다. Repin은 Serov의 초상화를 그립니다. Serov는 지금까지 만들어진 Repin의 초상화 중 가장 정확한 초상화를 그립니다. 그것은 전체 Repin의 본질을 가지고 있습니다. 그의 외모, 그의 매력, 그의 미소, 그의 영원한 당혹감조차도 - 한 마디로, 우리 모두가 잘 알고 있던 모든 것, 그리고 그는 70년을 지켰다. "
1880년 예술 아카데미에 입학하여 Serov는 유명한 교수 Pavel Chistyakov의 스튜디오에서 끝났습니다. 극도로 가혹한 교수법으로 구별되는, 학생들의 모든 부정확한 스트로크를 비판하고 조롱합니다. 교수의 이러한 방법은 작가가 자연을 묘사하는 사려 깊고 서두르는 방식을 개발하는 데 도움이되었습니다. 그의 선생님처럼, Valentin Serov는 드로잉과 페인팅에서 서두르고 근사치를 용인할 수 없었습니다.
그의 근면한 글쓰기 방식에 대한 질문에 답하면서, 화가는 “그렇지 않으면 어떻게 써야할지 모르겠지만, 그것은 내 잘못이야, 얼마나 사랑하는지 몰라요." 물론, Serov가 초고속 이미징 기술을 보유하지 않았다고 말하는 것은 공정하지 않습니다. 그의 초상화에 대해 적어도 40회의 포즈를 취하도록 요구하고(이 숫자는 100회에 이르렀습니다), 재능있는 예술가는 즉석 스케치를 완벽하게 수행하고 고속 연필 스케치 기술을 완벽하게 마스터했습니다.
발렌틴 알렉산드로비치는 타고난 솜씨로 인물과 머리의 알아볼 수 있는 형태를 파악할 수 있을 뿐만 아니라, 또한 그의 외모의 모든 특징을 명확하고 정확한 터치로 전달하기 위해, 순식간에 포착된 그의 얼굴 표정까지. 이 짧은 퀵스케치는 다른 작품보다 강하고, 당신은 예술가의 놀라운 기술을 판단할 수 있습니다.
퍼레이드와 군사 기동의 번개처럼 빠른 스케치를 손으로 지도하며, 그림 장교와 군인, Serov는 초상화 유사성을 전혀 추구하지 않았으며, 하지만, 그의 뜻에 반하여도 그는 진정한 초상화를 만들었습니다. 주인의 정확한 눈과 틀림없는 손은 다른 방법을 몰랐습니다. 화가는 사전 연필 스케치 없이 복잡한 구성을 쓸 여유가 있었고, 수채화 브러시로 즉시. 석탄, 붓과 연필은 암묵적으로 그에게 복종했습니다. 그러므로, 그는 몇 달 동안 어른을 그린 것처럼 자신 있게 포즈를 취한 적이 없는 아이들을 그렸습니다. 긴 포즈 세션으로 그들을 지치게 합니다.
입학한 지 5년 만에, 세로프는 아카데미를 떠나고, 자신이 기성품의 주인임을 느낀다. 그의 모든 미래의 삶, 그의 끊임없는 창조적 자기 계발은 끊임없는 작업에서 자유로운 일정에 따라 이루어집니다.
1885년, Serov는 그림 "Oxen"(State Tretyakov Gallery, 모스크바), 1년 후, 그림 "Domotkanovo의 가을 저녁"(국가 Tretyakov 갤러리, 모스크바), 그리고 “아브람체보의 겨울. 교회”(국가 Tretyakov 갤러리, 모스크바). Valentin Serov의 회화 스타일 형성은 두 명의 유서 깊은 화가인 Repin과 Chistyakov의 영향으로 이루어졌습니다. 그리고 그들의 예술 학교.
그럼에도 불구하고, 이미 스무살, 작가는 어떤 선생님과도 글을 쓰는 스타일과 기술에 공통점이 없었습니다. 그는 자신의 것을 개발했기 때문에 독특한 퍼포먼스 방식, 이것은 예술의 역사에서 잘 알려진 어떤 기술과도 혼동될 수 없습니다. 이것은 Serov의 그림이 실행에 있어 매우 다양하다는 사실에도 불구하고.
화가는 한 번도 성공적으로 찾은 사람에게 멈추지 않고 문제를 해결하기 위한 방법을 찾았고, 종종 다른 화가들의 경우처럼. 항상 새로운 접근 방식을 찾고, 그는 각 특정 플롯에 대해 가장 적절한 형식과 예술적 표현 기법을 선택하려고 노력했습니다. 그의 전체 작업 기간 동안. Serov는 대상에 대한 자신의 태도를 표현하는 더 정확한 방법을 끊임없이 찾고 발견했으며, 이미 사용된 것에 결코 만족하지 않습니다.
러시아 미술의 혁신가
Serov는 종종 최초의 러시아 인상파라고 불리며, 그의 작품을 르누아르의 그림과 비교합니다. 하지만, 일부 미술 사학자들은 러시아 예술가가 색채의 생동감에서 그의 전임자보다 앞서 있다고 믿습니다. 빛 투과의 우아함과 음색의 고귀함.
르누아르가 안개를 자주 사용했다면, 그의 작업에서 모호한 전환, 약간의 과소 평가를 만들고, 그런 다음 세로프, 반대로, 그에게 가능한 모든 수단을 동원하여 배경의 투명함과 깊이 그리고 그것에 대한 삶의 밝은 승리를 보여주었습니다. 작가의 작품에서 흔히 볼 수 있는 빛과 그림자의 기이한 변화, 흉내낼 수 없는 밝은 색조의 오버플로와 하이라이트가 있는 게임.
그의 어두운 고전적 초상화에서도 Serov는 묘사 된 사람의 개성을 강조하고 강조하는 방식으로 가벼운 악센트를 도입 할 수있었습니다. Valentin Aleksandrovich는 작은 세부 사항과 물건도 큰 신뢰성으로 처방했으며, 모든 요소를 중시하는 매우 세심한 예술가로서의 명성을 공고히 하고 있습니다.
예술가가이 방향의 대표자의 그림 자체를 볼 수 있기 훨씬 전에 인상주의의 최고의 전통에서 자신의 캔버스를 그린 것은 주목할 만합니다. 프랑스에서 태어나 20년 만에 유럽을 거쳐 러시아로 여행을 갔다.
그런 예민한 천재, 세로프처럼 그의 모든 것을 혁신적인 아이디어로 삼았고, 갑자기 우리 그림 학교에서 완전히 새롭고 특이한 방식으로 작업하기 시작했습니다. 새로운 사실주의라고 한다. 우리는 젊은 Valentin Serov의 작품의 첫 번째 쇼가 대중에게 남긴 인상을 판단 할 수 있습니다. Igor Grabar의 모노그래프에 기록된 내용에 따르면, 그는 다음과 같이 썼습니다. "정반대" 삶의 진리와 예술의 진리 "는 다음과 같은 이름으로 상징될 수 있습니다. 프랑스의 마네와 쿠르베, 독일의 Aable과 Menzel, 러시아의 세로프와 레핀. 이 대조의 완전한 의미를 처음 느꼈을 때를 기억합니다. 1888년이었습니다. 우리에게는 당시 십대, 당시 모스크바에서 열린 단 두 번의 전시회 개막일, 정기 및 모바일, 진짜 휴가였다 1년 중 가장 행복한 날… 이제 이것이 더 일찍 또는 나중에 일어나지 않았다는 것이 분명합니다. 그녀는 우리의 최신 그림의 역사에서 큰 역할을 할 운명이었습니다... 무엇보다도 가장 중요한 것은... 당시 세로프에게 알려지지 않은 두 개의 캔버스였습니다. 그런 진주 두 개, 모든 최신 러시아 그림에서 가장 완벽한 그림을 다섯 점만 꼽으라고 한다면, 그렇다면 둘 다 불가피하게 이 목록에 포함되어야 할 것입니다… ".
모노그래프는 스물두 살의 화가를 단숨에 도달할 수 없는 높이로 끌어올린 두 개의 초상화를 다룬다. 이 작품은 "복숭아를 든 소녀"(1887, 국가 Tretyakov 갤러리, 모스크바)와 "태양이 비추는 소녀"(1888, 국가 Tretyakov 갤러리, 모스크바). 첫 번째 캔버스는 암울한 사실주의 시대와 회화에서 어둡고 칙칙한 색상이 두드러진 시대에 진정한 센세이션을 일으켰습니다. 이러한 배경에 대하여, Serov의 빛나는 그림의 감정적 영향, 햇살 가득한, 방을 관통하는 광선, 모든 종류의 음영의 부드러운 전환으로, 파스텔 색상의 매혹적인 따뜻함, 모두 함께 새로운 단어가 아니 었습니다. 그러나 러시아 예술의 변화에 대한 신선한 숨결.
화가 자신은 그림에 대한 작업을 다음과 같이 설명했습니다. 당신이 항상 친절하게 느끼고 그림에서 볼 수없는 특별한 신선함. 한 달 넘게 글을 쓰고 그녀를 괴롭혔다. 가난한, 죽음에, 그림이 완전히 완성되었을 때 그림의 신선함을 유지하고 싶었지만, 늙은 주인처럼… ".
캔버스는 특정 어린이를 묘사합니다 - Verusha Mamontova, 그러나 작품 자체는 특정 인물의 초상화보다 훨씬 더 구성적이어서 일반 이름인 "복숭아를 든 소녀(Girl with Peaches)"가 유명해졌습니다. 작품은 햇빛과 기쁨으로 짜여진 것처럼, 방을 가득 채우고, 반짝이는 후광으로 모든 물체를 감쌉니다. 빛의 광선이 벽을 따라 미끄러지듯, 하얀 식탁보 위에 떨어지거나, 소녀의 핑크색 드레스의 어깨와 소매에서 놀고, 얇은 천을 관통하여 따뜻한 "토끼"는 뺨의 어두운 피부에 있습니다. 방의 공기가 울려 퍼지는 듯 투명하고, 복숭아의 섬세한 냄새와 반짝이는 금빛 불꽃으로 가득 차 있습니다.
이 그림은 현실을 독특하게 정확하게 전달하는 빛으로 가득 찬 색으로 칠해져 있어, 진정한 생명력의 조화가 이 작품의 의심할 여지 없는 아름다움과 중첩되어 묘사되는 모든 대상에서 말 그대로 숨을 쉰다. Verusha의 검은 눈은 어린아이 같은 자발성으로 빛나고, 그녀의 안절부절 못함도 짐작할 수 있다. 아이는 미소를 참지 못하고, 그녀는 이미 선택한 복숭아를 깨물기가 참을성이 없다. 그녀는 놀랍게도 그을린 손으로 들고 있습니다. 소녀의 전체적인 모습, 헝클어진 머리칼부터 그녀의 눈에 약간의 웃음까지, 지칠 줄 모르는 에너지로 가득 차 있고 그녀에게 생동감 넘치는 호기심을 선사합니다. 백년이 넘는 세월이 흘렀음에도 사진 속 12세 소녀는 평온한 삶을 이어가고 있다.
사진 속 복숭아도 그 행동에 동참하고 있다. 그들은 말 그대로 놀라운 상상력으로 철자됩니다. 그들의 벨벳 껍질은 거의 물리적으로 만져집니다. 의자 등받이와 광택이 나는 탁상도 놀랍도록 윤곽이 잡혀 있습니다. 이해할 수 없는 방식으로, Serov는 화려한 광택에서 마법의 벨벳에 이르기까지 사물의 질감을 전달합니다. 빛을 부드럽게 흡수하고 아이의 같은 벨벳 피부와 조화롭게 조화를 이룹니다. 모스크바 예술 애호가 협회는 이 작품으로 젊은 발렌틴 세로프에게 상을 수여했습니다.
또 다른 작품 - "The Girl Illuminated by the Sun"(세로프의 사촌 M. Ya. Simonovich의 초상화), 또 다른 태양 캔버스, 작가는 빛과 그림자의 매혹적인 유희를 전달하는 데 각별한 주의를 기울였다. 나무 아래에 앉아 있는 소녀는 잔잔한 여름 오후의 햇살에 뚫린 레이스 잎사귀 패턴으로 둘러싸여 있습니다. 그녀의 얼굴은 평온하고, 그녀의 전체 자세는 여성스럽고 편안하며, 마치 그녀가 안식과 평화의 영역에 있는 것처럼. 히로인의 블라우스와 피부에 햇살이 쏟아지는 투각 오버플로. 그들은 거의 모자이크 획으로 작성되었으며, 의외로 부드러운 벨벳 블루 바이올렛 스커트와 대조를 이룹니다. 다시, 화가는 몇 번의 긴 획으로 천의 벨벳 범람을 믿을 수 없을 정도로 정확하게 전달할 수 있었습니다. 작품은 1년 전 쓴 '복숭아를 든 소녀'와는 전혀 다른 삶의 속도를 따라간다. 이 두 작품은 겹치는 것 같지만, 마치 회화적 알레고리처럼:어린 시절과 청소년기, 부주의한 장난과 몽환적인 명상. 훨씬 나중에, 1911년 11월, 그의 죽음 직전, 세로프, 이고르 그라바르와 함께 Tretyakov 갤러리에서 이 캔버스를 보았습니다. “그는 오랫동안 그녀 앞에 서서 "라고 Grabar는 회상합니다. "그녀를 유심히 바라보고 말없이. 그리고는 손을 흔들며 말했다. 공간만큼 나에게 중요하지 않습니다. "나는 이것을 썼습니다. 그리고 내 평생, 아무리 부풀려도 아무것도 나오지 않았다, 그러면 모두 소진되었습니다.”- Grabar는 회상합니다. - 그녀를 열렬히 바라보고 말없이. 그리고는 손을 흔들며 말했다. 공간만큼 나에게 중요하지 않습니다. "나는 이것을 썼습니다. 그리고 내 평생, 아무리 부풀려도 아무것도 나오지 않았다, 그러면 모두 소진되었습니다.”- Grabar는 회상합니다. - 그녀를 열렬히 바라보고 말없이. 그리고는 손을 흔들며 말했다. 공간만큼 나에게 중요하지 않습니다. "나는 이것을 썼습니다. 그리고 내 평생, 아무리 부풀려도 아무것도 나오지 않았다, 그러면 다 지쳤어요.”
물론이야, 그렇게 말하고, 화가는 자신에 대해 너무 비판적이었습니다. 그의 모든 후속 작품은 그의 놀라운 재능을 확인시켜 주었을 뿐, 끊임없이 새로운 표현 방식을 모색하던 소유자가 자신의 독특한 인식의 새로운 형태를 통해 우리에게 현실을 보여줄 수 있습니다.
주인의 개인 생활과 공적 생활
베니스가 신부 올가 트루브니코바에게 보낸 편지에서, 1887년 Serov는 "16세기 르네상스의 거장들"에 대한 그의 매혹에 대해 이렇게 썼습니다. 근심 없는. 나는 그렇게 하고 싶다 - 근심 걱정 없이; 금세기에 그들은 모든 것을 어렵게 씁니다. 아무것도 격려하지 않습니다. 원해요, 좋은거 원해서 좋은글만 쓰겠습니다. " 2 년 후, 1889년 1월, Olga Trubnikova와 Valentin Serov는 상트페테르부르크에서 결혼했습니다. 10년 후, 1999 년에, 작가는 그림 "Children"(러시아 박물관, 세인트 피터스 버그).
Serov는 재능있는 초상화 화가였습니다. 그의 첫 번째 모델은 친숙하고 가까운 사람들이었습니다. 작가, 예술가, 예술가. 그는 종종 친구들의 초상화를 그렸습니다:Rimsky-Korsakov, 코로빈, 레핀, 레비탄과 레스코프.
새로운 작품마다, 작가는 특별한 스타일을 선택했고, 캐릭터의 개성을 강조한다. 예를 들어, "콘스탄틴 코로빈의 초상"(1891, 국가 Tretyakov 갤러리, 모스크바), 주인은 친구를 완전히 "Korovin"방식으로 묘사했습니다. 큰 자유 스트로크와 코로빈 고유의 색상을 사용하여 따라서 예술가의 개인적인 특성을 풍부하게합니다. 가정복, 자유로운 포즈와 주변의 모든 환경은 Konstantin의 기질과 모습을 매우 정확하게 전달합니다.
I.I. Levitan의 초상화(1893, 주립 Tretyakov 갤러리, 모스크바)는 완전히 다른 방식으로 처형되었습니다. 그를 위해, Serov는 다른 그래픽 수단을 찾습니다. 다른, 더 억제된 색상. 귀족적인 높은 이마와 우아한 손이 캔버스에 두 개의 빛반점으로 돋보이며, 다른 모든 것은 고요한 갈색 황혼에 흡수됩니다. 사진에 물건이 하나도 없고, 최소한 묘사된 사람의 활동 유형을 암시하고, Levitan은 그의 작업장에서 포즈를 취했지만. 세로프의 경우, 친구의 성격을 전달하는 것이 훨씬 더 중요했고, 그의 로맨스, 우울, 끊임없는 슬픔, 사려와 시.
Valentin Serov는 적극적인 공적 생활을 이끌었습니다. 1894년부터 그는 여행 미술 전시회 협회에 참여하기 시작했습니다. 3 년 후에, 1897년, 그는 모스크바 회화 학교에서 가르치기 시작했고, 조각과 건축. 그의 학생들 중에는 Pavel Kuznetsov와 같은 예술가들이 있었습니다. 니콜라이 울리야노프, 니콜라이 사푸노프, Martiros Saryan과 Kuzma Petrov-Vodkin.
작가의 관심은 동물과 친구들의 초상화에 국한되지 않고, Serov 자신이 말했듯이 "나는 여전히 작은 풍경화가입니다." 그 풍경은 놀라울 정도로 간결하고 소박하며, 주변 자연의 분위기를 믿을 수 없을 정도로 미묘하게 전달하는 것을 방해하지 않습니다. 게다가, 예술가는 그의 풍경을 위한 놀라운 모서리를 선택하는 데 완벽하게 발달된 재능을 가지고 있었습니다.
화가는 주로 러시아 마을의 이미지로 작업하는 것을 좋아했습니다. 무엇보다도 그는 러시아의 중간 스트립을 좋아했습니다. 그는 그림 "수레를 탄 여인"(1896, 주립 러시아 박물관, 세인트 피터스 버그), "10월"(1895, 국가 Tretyakov 갤러리, 모스크바), "겨울"(1898, 주립 러시아 박물관, 세인트 피터스 버그), "가글링"(1891, 행방불명), "말을 탄 여인"(1898, 국가 Tretyakov 갤러리, 모스크바), 그리고 "물을 주는 곳의 스트리구니"(1904, 주립 Tretyakov 갤러리, 모스크바).
XX 세기 초, 즉, 1900년부터 1904년까지, 작가는 "세계 예술"협회의 회원이었습니다. 이 기간 동안, Serov는 Tsar-reformer Peter I의 이미지에 매료되었습니다. 그는 그의 아름다운 캔버스 몇 개를 바쳤습니다. 이때, 화가는 고국에서 일어나는 정치적인 과정에 예리한 관심을 갖기 시작합니다. 아마도 이것이 바로 베드로의 모습에 관심을 갖게 한 이유일 것입니다. 사는 사람, 변화의 시대에 세로프 자신처럼.
예술가 "개 사냥의 피터 I"(1903, 주립 러시아 박물관, St. Petersburg)는 매우 공개적입니다. 그림의 줄거리에 따르면, 젊은 왕은 개 사냥에 성공했다고 자랑하는 귀족들에게 교훈을 주기로 결심한다. Peter는 그들의 운이 전적으로 농노의 기술에 달려 있다는 것을 자랑스러워하는 사람들에게 증명하기로 결정합니다. 왕은 개집이 하나도 없는 사냥을 주선하고, 보야르 자신이 무리에 대처하도록 강요합니다. 당연히, 완전한 소란이 있고, 그냥 피터의 재미를 위해. 많은 존경하는 사냥꾼들이 말에서 떨어지며, 개를 통제할 수 없다. 이 작품에서는 Serov는 러시아 겨울의 풍미와 현장의 모든 참가자의 분위기를 비정상적으로 안정적으로 전달했습니다.
작가의 또 다른 그림, 조금 뒤에 작성, 1907년, "Peter I"(국가 Tretyakov 갤러리, 모스크바), 위대한 러시아 개혁자에게 헌정되었습니다. 여기서 우리는 동시에 매우 한심하고 매우 역동적인 장면을 봅니다. 그 영웅적인 시대의 급속한 변화의 정신으로 가득 차 있습니다. 피터 1세는 바람을 맞기 위해 빠르게 걷고, 그의 수행원을 거의 날려 버립니다. 그림은 위대함을 강조하기 위해 디자인되었으며, 군주의 강인함과 결단력.
Serov는 학자가되었습니다. 1903년 예술 아카데미의 정회원으로 선출되었다. 그러나 이것은 오래 가지 못했습니다. 2 년 후, 아티스트는 1월 9일 대량 처형에 항의하여 명예 지위를 포기하고, 1905.
화가는 또한 풍자 출판물 "Zhupel"을 조직하는 데 참여했습니다. 그를 위해 정치적 성향의 만화를 그렸습니다. 또한, 약 15년 동안, Veerov는 Krylov의 우화에 대한 동물 삽화를 만들었습니다. 예술가가 가장 좋아하는 아이디어가 된 것은 이러한 그림이었습니다. 그는 그것을 여러 번 반복했습니다. 필요한 특성과 감정을 특별히 주의하여 탐색합니다. 이미 성숙한 나이에 Serov는 그림과 그래픽에서 신고전주의와 러시아 모더니즘의 걸작을 많이 만들었습니다. 그의 다재다능함과 회화의 스타일과 방식에 대한 끊임없는 탐구를 다시 한 번 증명했습니다.
1907년, 주인이 그리스를 방문했고, 그의 조각품과 기념물로 그에게 지울 수 없는 인상을 남겼습니다. Serov는 고대 주제에 헌정된 여러 장식 패널 그림을 만들었습니다. "Odysseus and Navzikaya"(여러 버전으로 존재) 및 "The Abduction of Europe"에 대한 시적 전설(두 작품 모두 1910, 주립 Tretyakov 갤러리, 모스크바). 마지막 사진에 묘사된 황소 제우스는 의외로 생동감 넘치고, 완전 의미심장한 표정으로 그 동안 소녀의 얼굴, 반대로, 고풍스러운 가면과 같다. 비유적으로 얼고 감정이 없습니다.
당시의 많은 예술가들처럼 Serov는 극장과 협력했습니다. 발레 "Scheherazade"의 커튼, 진정한 예술의 걸작, 1911년에 만들어진, 런던과 파리에서 대성공을 거두었다.
러시아 최고의 초상화가
재능있는 초상화 화가의 영광은 Serov에게 진정한 속박과 저주가되었습니다. 1895년 이후, 부르주아와 귀족 귀족의 초상화에 대한 주문은 예술가에게 끝없이 쏟아졌습니다. 엄청난 노력에도 불구하고, 화가는 전혀 세속적인 사람이 아닌 그림을 그리는 꿈을 꾸었지만, 그러나 동물, 그래서 그는 우화의 삽화를 만드는 데 큰 열정을 쏟았습니다. 하지만, 아티스트의 기술의 성장과 함께, 러시아 최고의 초상화 화가라는 그의 명성은 꾸준히 높아졌습니다.
S. M. Botkin의 초상화(1899, 주립 러시아 박물관, St. Petersburg)는 예술가 - 심리학자로서 Serov의 뚜렷한 재능에 대해 이야기합니다. 화가는 세속적인 초상화에서 약간의 아이러니를 만드는 것을 거부할 수 없었습니다. 조화로 수 놓은 호화로운 황금 드레스를 입은 우아한 Sofya Botkina는 파란색 실크 덮개를 씌운 소파에 있으며, 풍성하게 짜여진 꽃 장식. 화가는 이 환상적인 인테리어에 짜증이 났고, 과도한 금과 그 여인 자신, 그는 그를 "지루한 여주인"이라고 불렀다. 작품, 미묘한 아이러니로 가득 차 있고, 출판 직후, '사막의 소파 위의 여인'이라는 별명을 얻었다.
물론, 작가는 그림의 배경을 너무 흐리게 처리하여 훨씬 더 깊이 확장된 것처럼 보입니다. 지평선 너머에 있는 것처럼. 그러나 이것은 초상화에서 가장 흥미로운 것이 아니라, 모든 구성 법칙에 반하여, Serov는 포즈를 취하는 "여주인"을 중앙에서 오른쪽으로 옮겼습니다. 그리고 캔버스 중앙에 작은 이탈리안 그레이하운드를 심었습니다. 그녀의 우아하고 호화로운 여주인보다 거의 더 많은 관심과 사랑으로 쓰여졌습니다. 작가는 동물의 존재가 사람의 긴장되고 정교한 자세에 자연스러움을 더한다고 확신했다.
위의 가장 눈에 띄는 예는 "파벨 알렉산드로비치 대공의 초상"(1897, 국가 Tretyakov 갤러리, 모스크바). 그 위에, 왕자 자신이 부자연스러운 시제로 묘사되고, 얼어붙은 포즈처럼, 그의 말이 민감한 동안 기운찬, 똑똑한 눈으로 - 캔버스의 역동성과 자연 스러움을 제공합니다. 이번 기념촬영의 경우, 이것은 예술가의 경력에서 이런 종류의 첫 번째 초상화 중 하나였습니다. 세로프는 1900년 파리에서 열린 세계 박람회에서 그랑프리 금메달을 수상했습니다.
동물 초상화의 이미지는 예술가에게 일종의 출구가되었습니다. 그래서, "개를 안고 있는 F. F. 수마로코프-엘스턴 백작의 초상"(1903, 주립 러시아 박물관, 세인트 피터스 버그), 화가 자신이 사랑하는 강아지의 캔버스에 어린 백작의 존재를 주장했고, WHO, 결국, 고귀한 소유자가 거의 더 중요해 보입니다. "F. F. Yusupov 왕자의 초상"(1903, 주립 러시아 박물관, 세인트 피터스 버그).
Serov의 동시대 사람들에 따르면, 마지막 러시아 차르의 최고의 초상화를 소유한 것은 그의 붓입니다. 그림 "니콜라스 2세의 초상"(1900, 국가 Tretyakov 갤러리, 모스크바)는 예술가에게 쉽지 않았습니다. 궁중 화가의 역할에 가장 적합하지 않은 사람, 그의 창조적 열망과 영적 성향에 따라. 화가는 이미 유명했고, 엄청나게 많은 주문을 받았고, 그는 모든 것을 할 수 있는 물리적인 불가능성 때문에 종종 거부했습니다.
물론이야, 세로프는 권력자의 초상화를 그리기를 원하지 않았고, 그러나 그는 황제 자신도 거부할 수 없었다. 초상화는 오랫동안 작동하지 않았습니다. 대부분, 황후는 화가를 화나게 했고, who constantly intervened in the creative process with her advice. 결과적으로, Serov could not stand it and gave the brush with the palette to her hands, offering to finish the portrait herself, since she is so good at painting. Never being arrogant Nikolai, apologized to the artist for the tactlessness of his wife. But the portrait still eluded the sharp eye of the master, the image of the emperor conveyed by him was falling apart. Serov was extremely dissatisfied with himself, he could not finish the failed picture, this would have hurt his pride too much for Russia’s best portrait painter. 결국, the artist had to admit to the sovereign that he could not continue, since the portrait did not succeed.Emperor Nicholas II, dressed in a plain jacket of an officer of the Preobrazhensky regiment, reconciled with the situation, sat down at the table, folded his arms in front of him and looked at the portrait painter with genuine sadness. It was this view, revealing the inner essence of the emperor’s personality, perfectly characterizing his delicacy and vulnerability, that Serov needed.
After many years, Konstantin Korovin will speak of the canvas like this:“Serov was the first of the artists who caught the softness, intelligence, and at the same time the emperor’s weakness, and captured them on canvas…” In its execution, the portrait is almost sketchy, but thoughtfully accurate and harmonious, completely lyrical and simple. A surprising similarity of the emperor was noted by all contemporaries. The artist was able, with the light movements of the brush, emphasized by simple execution and discreet color scheme, to concentrate the attention of the viewer in the eyes of the sovereign, showing not the emperor, but a simple man, with his anxieties, concerns and expectations. Thanks to this approach, the portrait turned out to be very successful. Unfortunately, the original canvas was destroyed in 1917, an original copy has come down to us.
Often the artist wrote symbolic works. As, 예를 들어, the painting "Portrait of Actress M.N. Ermolova" (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow). The architect Fedor Shekhtel, seeing the work, said that:"This is a monument to Ermolova!" And, indeed, the canvas is monumental, and the great actress herself resembles an ancient sculpture or even a column directed upward. Ermolova’s head is written against the background of a mirror reflecting the ceiling, which creates the illusion of the ascension of the actress’s figure, like a caryatid. The monochrome and chamber nature of the portrait seems to elevate the heroine on a pedestal, while emphasizing the stamp of exclusivity and loneliness of the creative person.
The painter liked to portray artists in their theatrical roles. Serov created the wonderful “Portrait of Francesco Tamagno” (1903, State Tretyakov Gallery, Moscow), where the magnificent singer is captured in a theatrical beret, and a symbolic reflection of gold is visible on his throat. The second example is the “Portrait of Chaliapin” (1905, State Tretyakov Gallery, Moscow), which was famous for the fact that in life it almost never left the stage image that had become familiar.
But the peak of the artist’s skill was “Portrait of Ida Rubinstein” (1910, State Russian Museum, 세인트 피터스 버그), depicted in the image of Cleopatra. It was not for nothing that the choreographer Mikhail Fokin considered the appearance of the ballerina indispensable for the then fashionable ballets Scheherazade and Cleopatra in the famous Diaghilev seasons. The idea was the charismatic sophistication of Art Nouveau, a la Beardsley, and the perfect match with the tastes of that era. Rubeinstein appeared in Cleopatra, barely covered by an almost transparent coverlet, which Lev Bakst invented specially for her.
The artist brilliantly combined art and life in this picture, bringing together the theatrical images of the heroine with her stylish, east-exotic appearance. Cleopatra and Zobeida forever united in the silhouette of a ballerina, the East fused with Egypt on the fine line of fiction and reality.
But a living person in this paradoxical fusion of the "theater of life" and the "truth of art" is defenseless in his nakedness. The mythological “beautiful nudity” of a fictional heroine suddenly transforms into the shameless “undressing” of a specific real person, and this was precisely the most piercing note of the portrait.
당연히, when the portrait was presented to the public, a terrible scandal erupted. “My poor Ida Rubinstein… poor, naked…”, Serov himself will comment, describing the scandal when, in spite of the rising wave of indignation, the portrait was acquired by the Museum of Alexander III.
The picture is made in the Art Nouveau style. The clearly defined contours of a fragile body make the figure seem to be embossed on a completely flat background. A bright green scarf, almost twisted into a bundle, streams along the graceful ankles of a ballerina, resembling a snake at death hour. This moment weaves as if by chance into a portrait the theme of imminent death. The heroine’s look is almost absent, farewell, otherworldly, stopped by the artist at that almost elusive moment, when the angle of the head’s rotation still allows you to touch. There is no doubt that this is the last, already doomed look of the Egyptian queen, which she sends to the world before turning forever into stone.
This canvas literally stunned Ilya Repin, like a bolt of thunder from a clear sky:"… and, like Venus from the sink, " Ida Rubinstein "appeared… It seemed to me that the ceiling of our slippery pavilion fell on me and crushed me to the ground; I stood with the tongue sticking to the larynx… ”, the artist described his impressions. 당연히, secular criticism subjected the work to a ruthless smash:"bad imitation of Matisse", "decadentism", "ugliness". 하지만, despite all the violent critical cries, Serov was very proud of his work.
Each time, preparing to create a new portrait, the painter sought to avoid any repetition of the angle, pose, surroundings or gesture. He took a long look at the new model, made sketches, looked for the most expressive pose for the hero and the most suitable interior for him.
Serov for a very long time picked up a suitable setting for a portrait of the wife of the influential antiquarian Vladimir Girschman. The artist wanted the interior to emphasize the gloss and grace of this socialite, without simultaneously simplifying and belittling her brilliant beauty. The master was very sympathetic and warm to Henrietta Leopoldovna, considering her “smart, educated, cultured, modest and simple, without the manners of rich upstarts and, moreover, very pretty.” The painting “Portrait of L. L. Hirschman” (1907, State Tretyakov Gallery, Moscow) is an exquisite semantic and pictorial masterpiece of fine art.
The composition of the work is very simple. The only eye-catching figure on the canvas is a luxurious young woman in a strict black suit, who seemed to have just risen from the dressing table and turned to the artist and the audience. Perhaps she wanted to examine herself in another mirror, but between her and the opposite wall with another mirror was an artist who stopped this turn with his brush and fixed the lady’s soft but exacting look, turning him to us. The beautiful Henrietta Leopoldovna peers into the viewer, as if in a mirror, her demanding look as if addressed to those who will look at her through the ages. A strict black suit is refreshed only by a small snow-white boa, which a woman coquettishly straightens with her thin lily handle, studded with rings.A gracefully curved pose allows the heroine to lean with her second hand on the dressing table. Unlike luxurious socialites, which the artist did not like, here we see a young, austere, but beautiful woman, endowed with character and charm.
Valentin Aleksandrovich created on the canvas a game of mirrors, a double reflection, noticeable only from the side of the painter and open to the viewer. He depicted not only the back of Henrietta Hirschman reflected in the mirror, but also her blurry, small copy visible in the distant mirror, thus closing a circle and showing the viewer in reflection what was beyond the borders of the portrait canvas. 또한, Serov for the first and last time for all his work depicted on the canvas an open dialogue between the model and the master. He portrayed himself in reflection at the very edge of the mirror. Although the artist’s face is distorted by faceting, it clearly reads the tension with which he is trying to do work for this woman.
Serov’s very characteristic X-ray view frightened many secular people so much that they were afraid to pose for him. The painter always clearly saw and impartially showed in his works the essence of the person being portrayed, the basis of his personality. Everyone knew that it was “dangerous” to pose for this artist, although Serov never deceived the expectations of customers, creating magnificent and very realistic portraits that they could be proud of.
The master himself has always recognized that he is not interested in the appearance of the posing person, but in his characterization, which can be expressed on canvas. The features revealed by artists in their heroes were often so unexpected for their owners that he was repeatedly accused of caricature. The master himself commented on this:“What if the cartoon sits in the model itself, what am I to blame? I just looked out, noticed. "
An example of such a finely thought out and fulfilled cartoon is the “Portrait of Princess O. Orlova” (1911, State Russian Museum, St. Petersburg). Igor Grabar wrote about Olga Orlova:“She could not stand, sit, talk or walk without special tricks to emphasize that she was not just an ordinary aristocrat, but… the first lady at court.” According to the surviving reviews of contemporaries, the princess was not distinguished by high intelligence, she was practically not interested in art, but she was the most elegant fashionista of St. Petersburg, she spent fortunes on the most luxurious Parisian toilets. Numerous Orlova considered Serov, who was just at the peak of popularity, worthy of honor for centuries to maintain the appearance of this secular lioness of the early XX century. What the artist did, 하지만, in his own manner.
The painter began by bringing the princess’s pose to absurdity, sitting on a low ottoman high and slender Orlova, so that her sharp knees protruded up and forward. The luxurious mantle slipped slightly, revealing a graceful white shoulder. The princess seems to play with a string of pearls, and in this ambiguous gesture she shows a hand at herself, as if emphasizing the significance and importance of her own person. The compositional center of the picture was the huge black hat of the heroine, which is clearly too much. She seems to slam the model, lowering it even lower compositionally.
The pretext for this situation was the situation, as if the princess had sat down for a moment in anticipation of her crew, having already fully gathered for the exit. Orlova’s face expresses the usual nervous frustration caused by the need to wait. Her high eyebrows are raised perplexedly, and her chin arrogantly raised. Orlova holds an elaborate posture, even being alone in expectation, her defiant arrogance is almost vulgar, but the mannerism and unnaturalness of an exquisite socialite is deliberately emphasized by the portrait painter.
Behind the princess is a large vase, almost copying the silhouette of the model. Representing on the wall a shadow cast by a vase, Serov deliberately distorts it, contrary to the photographic accuracy of his eye. The outlines of the shadow are more reminiscent of the heroine of the canvas in her huge hat. 그래서, the artist subtly hinted that the princess is as empty as the vase behind her. It is not surprising that the princess herself and her admirers were disappointed with the portrait, although the painter very carefully depicted the folds of fabric of an expensive dress, and the ebb of luxurious fur and the chic decor around the heroine.
Serov was accused of subjectivity to Orlova and that he did not use the heroine’s most advantageous qualities - her elegance and high growth. 그럼에도 불구하고, this picture once again proved the sensitivity and insight of the artist. The customer, without regret, presented the portrait to the Museum of Alexander III (State Russian Museum of St. Petersburg), expressing the only condition that he should not be exhibited in the same hall as the portrait of the naked Ida Rubinstein.
A friend of the artist Vladimir Dmitrievich von Derviz wrote in his memoirs about him:“Valentin Alexandrovich was distinguished by absolutely exceptional directness and simplicity, despite his seemingly rather mild character, he knew how to defend his views and never compromised his convictions.”
Epilogue
The great painter died unexpectedly, on the morning of November 22, 1911, on the way to the Shcherbatovs’ house, where a portrait session was scheduled for him. The cause of Serov’s early death was an angina attack. Having lived only forty-six years, as many as thirty of them, Valentin Serov confidently and enthusiastically weaved the golden strokes of his stunning solar masterpieces into the canvas of the Russian Silver Age. Being in the prime of life, the artist worked a lot. Worshiping the talent of the painter, the poet Valery Bryusov wrote:“Serov was a realist in the best sense of the word. He accurately saw the secret truth of life, his works revealed the very essence of those phenomena that other eyes could not even see. "
Zhuravleva Tatyana
