스페인 회화 학교의 뛰어난 대표자, 프란시스코 호세 데 고야와 루시엔테스, 스페인 사람들의 비극적인 운명을 자신의 예술에 구현한 독특한 예술가, 그의 희망과 무수한 고통, 끝없는 생명력으로 꿋꿋하게 버텼다. 예술가에게 영감을 준 것은 그의 나라에서 일어나는 실제 사건이었습니다. 예술의 힘 외에 다른 힘을 가지지 않고, 작가는 자신을 둘러싼 현실과 사랑하는 조국에서 일어나는 일에 대한 개인적인 태도를 그림을 통해 표현했습니다.
프란시스코 데 고야 이 루시엔테스의 사진
위대한 주인의 초기
미래의 위대한 예술가 Francisco Goya는 Fuentetodos라는 작은 마을에서 태어났습니다. 스페인 북부의 아라곤 암석 사이에 위치한 3월 30일, 마스터 gilder Jose Goya의 가족에서 1746. 작가의 아버지는 평민이 아니었고, 그는 사라고사에서 전문 분야를 받은 부유한 공증인의 가정에서 태어났습니다. 이 상황에서 그는 스페인 귀족의 가장 낮은 계층 대표와 결혼 할 수있었습니다. 돈 가르시아 루시엔테스. 소박한 결혼식을 마치고 젊은 가족은 부동산으로 이사했고, 상속 및 Fuentetodos에 위치. 당시 스페인 법에 따르면, 귀족들은 그들의 소유로 벌어들인 수입으로만 생활할 수 있었고, 그리고 일할 권리가 없었다.
이러한 상황에서, 고야 가족은 생계를 꾸리기가 어려웠습니다. 이로 인해 가장은 가족을 사라고사로 다시 이송해야 했습니다. 그가 자신의 기술을 사용할 수 있는 곳. 1759년에 있었던 일. 이사한 후 재정 상황이 약간 개선되어 가족의 아버지는 그의 세 아들 토마스를 보냈습니다. 카밀로, 그리고 Francisco는 Joaquin의 아버지의 초등학교에. 그곳에서 소년들이 받은 교육은 선이라 부르기 힘들고, 호아킨 신부는 문해력보다 신학을 선호했고, 그것은 예술가의 이후의 삶 전체에 반영되었습니다. 그의 삶이 끝날 때까지, Goya는 오류로 썼습니다. 그리고 그의 발음과 어휘는 틀림없이 그에게서 평민을 배신했습니다. 진실, 스페인에서는 XVIII 세기 말에 소수의 엘리트들만 좋은 교육을 받을 수 있었습니다.
학교를 떠난 후, 프란시스코는 사라고사에 있는 예수회 학교에 입학한다. 그의 멘토, 아버지 피냐텔, 소년의 뛰어난 예술적 능력을 즉시 알아차리고 친척인 Jose Lusana y Martinez에게 추천했습니다. 한때 궁정 화가였던 사람. 아버지 Francisco는 반대하지 않았고 4년 동안 그의 아들에게 미술 수업을 지불했습니다. 이 기간 동안, 프란시스코 고야는 회화와 소묘의 기초를 이해했을 뿐만 아니라 뿐만 아니라 뛰어난 스페인 거장의 작품에서 수많은 판화와 에칭을 만들었습니다. 이미 이때, Francisco는 놀라운 인내와 결단력을 보여주었습니다. 인체의 다양한 움직임의 이미지를 최대한 표현하기 위해 젊은 예술가, Lucian의 워크샵 외에도 Juan Ramirez의 조각 학교도 방문했습니다. 그 안에, 그는 조각품의 사본을 만들고 학생 연구를 만들었습니다. 이 기간의 스페인에서는 알몸의 이미지에 대한 금기가 있었고, 특히 여성, 따라서 고야의 조각 수업은 인체 해부학을 공부할 수 있는 거의 유일한 기회였습니다.
그의 끈기 덕분에, 프란시스코는 뛰어난 필사자로 빠르게 자리를 잡았고, 저명한 화가의 예술적 방식과 스타일의 특징을 미묘하게 파악합니다. 이 덕분에, 1760년, 그는 Fuentetodos의 한 교회에서 성유물을 그리는 첫 주문을 받았습니다. 안타깝게도, 이 작품은 1936년 스페인 내전 중에 완전히 파괴되었습니다. 그러나 그 모습은 살아남은 사진으로 재구성할 수 있습니다. 목조 유물 날개의 바깥 쪽은 "성 제임스 앞의 마돈나 델 필라르의 모습"이라는 이미지로 장식되어 있습니다. 그리고 내부에는 "St. Francis de Paula"와 "마돈나와 아이". 살아남은 증거에 따르면, 동시대 사람들은 예술가의 작품을 칭찬했고, 비록 고야, 그녀를 본 사람, 이미 고령의 나이에, "내가 그렸다고 말하지 마!"
1763년, 열일곱 살 고야, 마침내 자신의 삶을 예술과 연결하기로 결정한 사람, 사라고사를 떠나 마드리드로 갔다. 예술가가 스페인 수도에 머물렀던 첫 해는 비밀과 전설에 싸여 있습니다. 우리에게 도달 한 신뢰할 수있는 정보에서 1763년 말에, 마드리드에 도착한 직후, Francisco는 San Fernando에 있는 Royal Academy of Fine Arts에 장학금을 신청했고, 그러나 거절당했다. 고야가 향후 2년 동안 마드리드에서 한 일은 완전히 알려지지 않았습니다. 1766년, 프란시스코는 스페인 역사를 주제로 아카데미에서 발표한 대회에 참가했습니다. 작업은 다음과 같이 공식화되었습니다. "마르다, 비잔티움의 황후, 부르고스에 도착한 와이즈 왕은 술탄이 남편의 몸값을 지불하기 위해 지정한 금액의 일부를 와이즈 왕에게 요청합니다. 볼드윈 황제의 포로, 그리고 스페인 군주는 그녀에게 그 금액을 주라고 명령합니다." 라몬 바이엘은 대회에서 금메달을 땄고, 고야는 실패했고, 그것은 그의 작업의 첫 번째 기간에 그를 쫓는 일련의 실패 중 하나가되었습니다.
그러나 대회 참가는 Goya에게 약간의 이익을 가져다 주었습니다. 그곳에서 그는 라몬 바유와 그의 형제 프란시스코를 만났습니다. 학술 심사위원, 그는 즉시 학생들을 입력했습니다. 약 3년 동안, 젊은 화가는 새로운 멘토의 집에서 살고 공부했고, 그 동안 그는 여동생 요제프와 열정적으로 사랑에 빠졌습니다. 고야의 애정은 고야가 1769년 로마로 떠나는 것을 막지 못했으며, 그가 교육을 계속했던 곳.
안타깝게도, 프란시스코 데 고야(Francisco de Goya)가 이탈리아에서 살았던 2년에 대한 신뢰할 수 있는 정보는 보존되지 않았습니다. 유일하게 살아남은 데이터에는 Parma Academy of Fine Arts에서 개최한 대회에서 예술가의 참여가 언급되어 있습니다. 대회의 일환으로, 그는 그림 "한니발, 알프스 산맥의 높은 곳에서 이탈리아의 들판을 바라보고 있습니다." 캔버스는 배심원들과 함께 어느 정도 성공을 거두었습니다. 하지만, Goya는 다시 운이 좋지 않았습니다. 단 한 표 차이로, 경쟁의 금메달은 다시 다른 사람에게 갔다.
재능 인정
1771년, 프란시스코 고야는 사라고사로 돌아왔다. 실망하고 실패에 지쳤습니다. 몇 달 후, 예술가는 마침내 행운을 미소 지었다. 그는 첫 주문을 받았다. 지역의 Gabard de Sobradiel 백작의 궁전 예배당에서 일련의 종교 그림을 완성해야 했습니다. 최선을 다한 고야 결과적으로, 프레스코는 매우 높은 품질로 밝혀졌으며 고객이 좋아했습니다. 이것은 전문 분야에서 화가의 첫 번째 중요한 성공이었습니다.
곧, 작가는 사라고사에 있는 마돈나 델 필라르 대성당의 돔 프레스코화를 위한 일련의 스케치를 완성하라는 의뢰를 받았습니다. 한 달 동안 일하면서 Goya는 대성당 재건위원회 위원을 강타한 작품을 만들었습니다. 이것은 훌륭한 벽화를 만드는 프란시스코의 능력을 증명하는 두 번째 성공이었습니다. 하지만, 고예가 수주한 데에는 작품의 가격이 큰 역할을 했다는 점을 언급해야 한다. 다른 참가자들보다 1만 레알 적게 예술가 자신이 전시했습니다. 될 수 있는 대로, 1772년 중반까지 예술가는 돔의 그림 작업을 마쳤습니다. 프레스코화, "주의 이름으로 천사들의 경배"라는 제목으로, 바로크 양식으로 만들어졌습니다. 아름다운 여인들의 모습으로 묘사된 수많은 천사들의 모습으로 가득 차 있고, 다양한 각도가 구성의 역동성을 강조하고, 끊임없는 움직임을 바탕으로 그것은 예술가에게 오랫동안 기다려온 가치있는 성공을 가져다주었습니다.
Madonna del Pilar 대성당의 그림 같은 장식 제작에 참여하는 것은 예술가 경력의 전환점이었습니다. 동료 시민에 대한 존중과 물질적 복지 외에도, Goya는 또한 지속적인 주문을 받았고, 이것은 모든 예술가에게 매우 중요합니다. 그의 다음 작품은 수도원 de Aul Dei와 di Menuel 교회를 위한 프레스코화의 전체 순환을 만드는 것이었습니다. 이를 통해 Francisco는 사회에서 적절한 위치를 확보하고 사라고사에서 가장 성공적인 예술가가 되었습니다. 고야가 마침내 결혼할 여유가 생겼을 때가 왔습니다.
1773년 초봄, 예술가는 그의 여동생 Josefa의 손을 요청하기 위해 그의 선생님 Francisco Bayeu와 함께 마드리드에 갔다. 모든 것이 잘 밝혀졌습니다. 그리고 행복한 연인들은 장엄한 결혼식 중에 결혼했고, 그해 7월 25일 개최. 결혼식 직후, 신혼 부부는 사라고사로 갔다. 프란시스코가 수많은 미완성 주문을 기다렸던 곳. 이상하게 보일지 모르지만, 위대한 화가의 삶의 동반자에 대한 정보는 거의 없었습니다. 그녀의 개인 기록 보관소에도 국가 기록 보관소에도 그녀의 편지나 동시대 사람들에 대한 리뷰가 없습니다. 거의 40 년 동안 함께 태어난 아이들의 수에 대한 정보조차 없습니다. 일반적으로 작가의 자녀들은 모두 어린 나이에 사망한 것으로 알려져 있지만, 그리고 그의 아들 중 단 한 명, 프란시스코 하비에르 페드로, 그의 아버지와 그의 작업의 후계자에 대한 진정한 지원이되었습니다. 전기 작가와 미술 사학자들은 요세파가 헌신적인 아내이자 화로를 돌보는 수호자였다고 추정할 수 있을 뿐입니다. 그러나 분명히 그녀는 사회 생활에 거의 관심이 없었습니다. 그녀가 사망한 날짜만, 1812년, 확실하게 알려져 있습니다. 그의 긴 가족 생활 동안, 프란시스코 고야는 아내의 초상화를 단 한 점만 그렸습니다.
왕실에서 자리 찾기
1774년 초, 산타 바바라 왕실 제조소의 태피스트리 재건에 대한 대규모 작업이 시작되었습니다. 복원 위원회에는 Antoine Rafael Mengsu와 Francisco Bayeu가 포함되었습니다. 두 번째는 미래 태피스트리의 스케치를 만들기 위해 가장하는 예술가들 사이에 주문을 배포하는 책임이 있습니다. 이 덕분에, 고야와 라몬바유가 대량주문을 받았고, 그것은 그들에게 영구적이고 보수가 좋은 직업을 제공했습니다. 이 명령은 예술가가 온 가족과 함께 마드리드로 이사하는 것을 촉진했습니다.
화가가 의뢰한 첫 스케치의 주제는 사냥과 낚시였습니다. Goya는 판지에 주제별 장면의 스케치를 빠르게 완성했습니다. 다소 건조하고 절제된 스케치 스타일에도 불구하고, 캐릭터 주위에 정교한 공간이 거의 없으며, 그들은 왕의 승인을 받았고, 예술가는 새로운 주문을 받았고, 그 주제는 평범한 스페인 사람들의 삶의 한 장면이었습니다.
여기서 화가의 진정한 재능이 드러났습니다. 이 스케치는 수세기 동안 예술가를 영화롭게 한 일련의 독창적인 작품의 토대를 마련했습니다. 그는 밝은 옷을 입은 젊은 여성(mahi)과 그들의 화려한 동료(maho)를 골판지의 영웅으로 선택했습니다. 작곡은 사람들의 삶에서 나온 이야기를 기반으로 합니다. 휴가, 거리 장면. 그림의 풍부한 음색은 보편적인 재미의 평온한 분위기를 사실적으로 전달합니다. 그의 작품에서, 예리한 관찰력을 지닌 작가는 다양한 민속 형태와 생생한 민족 의상을 선보였으며, 도시 청년의 여가와 매너뿐만 아니라. 그 시대의 취향에 따르면, 마스터는 캐릭터의 모양을 약간 이상화했습니다. 그러나 예술가의 색상 팔레트는 여기에 모든 영광으로 표시됩니다. 다양한 색조의 수많은 색상 뉘앙스가 동시대 사람들 사이에서 즉시 Goya를 구별했습니다.
이 시기의 가장 눈에 띄는 작품은 "접시 파는 사람"(1779, 프라도 미술관, 마드리드), "성 이시도르의 날 축제"(1788, 프라도 미술관, 마드리드), "마하와 그녀의 팬"(1777), 프라도 미술관, 마드리드) 등이 있습니다. 하지만 그 중 최고의 작품은 우산 태피스트리용 판지(프라도 미술관, 마드리드), 스케치는 단순한 장르 스케치입니다. 전경에는 우아한 포즈의 사랑스러운 소녀가 앉아 있고, 시청자에게 자신을 보여주는 것처럼, 그녀의 입가에 매력적인 미소. 소녀의 젊은 동반자는 그녀의 왼쪽에 서서, 열린 우산으로 젊은 여성을 태양 광선으로부터 차단합니다. 골판지의 구성에는 삶의 기쁨과 부주의가 스며 있습니다. 사진의 하이라이트는 콤플렉스, 거의 환상적인 조명, 조화로운 음악적 풍미를 만들어내는 고야, 파스텔 색상으로 제작되었습니다.
왕실에서의 이 작품의 계몽은 프랑스 계몽주의 정신의 계몽에 영향을 받았고, 엄격한 규범에서 벗어나, 그래서 이전에 스페인에서 존경받았습니다. 귀족들 사이에서 이러한 성공 덕분에 5월 7일, 1780년, Francisco Goya는 San Fernando Royal Academy of Fine Arts의 새로운 회원으로 만장일치로 선출되었습니다. 이미 1785년, 그는 부사장이 되었고, 10년 후 - 아카데미의 회화과장.
1786년에서 1791년 사이, 억양의 변화는 마스터의 판지에 계획되어 있습니다. 그의 작품에서 점점 더 줄거리의 외부 매력을 전달하지 않으려는 욕구, 그러나 캐릭터의 감정 상태, 겉의 광택과 아름다움을 잃어 더욱 '세속적'이 된, 작가의 초기 작품의 특징인 나타납니다. 이것은 Blindfold Game(1788-1790년경, 프라도 미술관, 마드리드)와 상처 입은 석공(1786 프라도 미술관, 마드리드), 이 시기의 주요 작품 중 하나가 되었습니다.
그림은 진정으로 극적인 줄거리로 구별됩니다. 젊은 노동자들은 높이에서 찢어진 동료의 팔에 안고 있습니다. 그들의 포즈와 작가가 그들의 몸의 볼륨을 해석하는 방식에서, 고전주의의 전통에 대한 주인의 헌신이 나옵니다. 컴포지션의 차가운 색상은 파란색 음영의 조합을 기반으로합니다. 회색과 황토색. 작품에는 아직 그 꿰뚫는 비극적 소리가 없지만, 고야의 이후의 많은 그림들의 특징은, 그것은 이미 마스터의 성숙한 작업의 기본 억양을 완전히 반영합니다.
왕실 제조소에서 일을 마치고, Goya는 자신의 또 다른 걸작인 "The Doll"("The Game in Pele", 1791-1792, 프라도 미술관, 마드리드). 약 18년 동안 Santa Barbara 제작소에서 일하면서, 작가는 60개 이상의 판지를 만들었습니다. 수년에 걸쳐, 주인은 영향력 있는 친구와 후원자를 얻었을 뿐만 아니라, 그러나 또한 많은 부러워하고 악의를 품고 있습니다.
화가 초상화의 진화
태피스트리 스케치 작업, 고야는 동시에 많은 커스텀 초상화를 그렸습니다. 이 장르의 그의 초기 작품은 어떤 대가를 치르더라도 성공하고자 하는 예술가의 열망을 말하며, 이것은 화가가 그의 고귀한 모델을 아첨하는 방식에서 특히 두드러집니다.
예를 들면 의식 "플로리다블랑카 백작의 초상"(1783, 우르키조 은행, 마드리드), 전능한 총리가 전신으로 서 있는 모습이 그려져 있고, 권력과 권력의 모든 예복을 입고 그의 사무실에서. 백작을 둘러싼 개인 물품은 그의 취미를 증언하고, 사진 속 그의 모습은 빛나는 밝은 색상으로 강조 표시되며, 그리고 그의 주변 환경과 극명하게 대조된다. 수상만이 묘사된 것이 아니라 그의 비서가 방 뒤쪽에 서 있습니다. 그리고 왼쪽에는 고야 백작이 자신의 작품 중 하나에서 자신을 묘사했습니다. 사진 속에, 플로리다블랑은 남을 눈치채지 못하고 침착하게 자신의 앞을 바라보고, 그것은 삶에서도 일어났다. 백작은 작가의 작품에 대해 냉담하게 반응했고, 그런 영향력 있는 인물을 만나길 바랐던 화가에게도 돈조차 주지 않았고, 그의 얼굴에서 후원자를 보기를 기대합니다.
예술가는 쓰라린 교훈을 얻었고 나중에, 같은 해에, 스페인 왕의 동생인 인판타 돈 루이스 드 부르봉의 별장을 방문하는 동안, 그의 가족 초상화를 그렸던 곳, 그는 더 이상 그러한 고위 인사들을 아첨하려고 하지 않았습니다. 이 그림에 대한 그의 작업에서, 캐릭터의 깊이와 각 모델의 개성을 전달하고자 하는 열망이 뚜렷하게 드러났습니다.
"인판타 돈 루이스 드 부르봉 가족의 초상"(1783, 마그나니 록 펀드 마미아노 재단, Parma)는 일상적인 장르 장면의 원칙에 따라 구축되었습니다. Don Luis의 온 가족은 유아가 솔리테어를 놓는 작은 테이블 주위에 모였습니다. 그러나 구성의 진정한 중심은 그가 아니다. 그러나 그의 아내 마리아 테레사, 빛으로 옷을 입고, 빛나는 옷처럼. 그녀의 머리는 그녀 뒤에 서 있는 미용사가 빗질하고 있습니다. 캔버스의 왼쪽에는 고야는 이 그림을 그리는 자신을 다시 묘사했습니다. 다소 큰 캔버스(248 x 330 cm)는 작가의 향상된 기량을 잘 보여줍니다. 작가는 재치 있고 동시에 매우 사실적인 방식으로 영웅의 캐릭터를 전달했습니다. 작품의 색상은 파란색과 녹색의 약간의 악센트에 어두운 따뜻한 색상의 혼합을 기반으로 하며, 캔버스에 울려 퍼지는 음악적 사운드를 제공합니다.
이 초상화를 만든 후, Goya는 마침내 자신이 꿈꾸던 것을 찾았습니다. 영향력 있고 강력한 후원자와의 만남, 공작 부인 Alameda Osuna와 Alba가되었습니다. 아티스트는 두 사람과 잘 지낼 수 있었고, 그들이 항상 모든면에서 라이벌로 맹세했음에도 불구하고. 그의 인생에 새로운 무대가 시작되었고, 그의 경력은 이제 급등할 운명이었다.
곧, 예술가는 Floridablanca 백작의 신부 초상화 작업을 시작했습니다. "Pontejos y Sandoval 후작의 초상화, 폰테호스 공작 부인”(1786, 국립 그림 갤러리, 워싱턴)은 퍼레이드 초상화의 엄격한 틀에서 만들어졌습니다. 작품의 스타일은 이 장르의 초기 작품에 매우 가깝습니다. 후작의 모습은 이상적인 풍경을 배경으로 묘사됩니다(고야는 18세기 말까지 여성 초상화에 이 기법을 사용할 것입니다). 그녀의 전체 이미지는 자연스럽고 차분합니다. 히로인의 아름다운 실크 드레스, 뛰어난 솜씨로 화가가 그린, 그녀의 슬픈 표정에서 보는 이의 시선을 분산시킨다.
2 년 후, 고야는 그의 또 다른 유명한 단체 초상화인 "오순공 가문"(1788, 프라도 미술관, 마드리드). 이 작품에서는 예술가의 새로운 방식은 이미 드러난다. 미래에 그의 개인 스타일의 가장 두드러진 표현이 될 것입니다. 그의 작업의 주요 특징은 영웅의 심리적 상태에 중점을 둡니다. 동시에, 저명한 고객의 엄한 시선의 주의를 자신의 성격에 대한 자신의 평가에서 돌리기 위해, Goya는 정교한 의상과 보석의 모든 세부 사항을 신중하고 능숙하게 그립니다. 초상화의 배경은 모노포닉이 되고, 아무 것도 시청자가 모델을 생각하는 데 방해가 되지 않도록 합니다. 이 시기 초상화의 가장 인상적인 예는 "돈 마누엘 오소리오 데 주니그의 초상"(1788, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕).
곧, 마지막으로, 1789년 4월, 예술가의 꿈이 이루어졌습니다. 고야는 그토록 원하던 궁정화가의 자리를 얻었다. 꼭 말해야겠습니다, 성공은 그의 머리를 너무 돌려 태피스트리 용 판지 제조를 무시하기 시작했습니다. 이것은 예술가에게 제조소 감독의 분노로 이어졌고, 그는 즉시 왕에게 불평을 썼습니다. 화가 프란시스코 바유의 옛 멘토는 친척을 위해 화해하고 추문을 은폐하기 위해 열심히 일해야 했습니다. 다행히 고야에게는 모든 것이 해결되었습니다. 그는 법정에서 조용히 일하기 시작했습니다. 권력자들의 초상화를 그린다. 그래서, 1795년에 그는 그의 유명한 "마리아 테레사 카예탄 데 실바의 초상, 알바 공작 부인"(프라도 미술관, 마드리드). 공작 부인의 이미지는 매우 효과적입니다. 넓은 새틴 벨트 형태의 곱슬곱슬한 흑발과 붉은 악센트가 강렬한 대조를 이루는 화이트 드레스, 여주인공의 얇은 허리를 조여주고, 그리고 그녀의 가슴과 머리에 빨간 리본으로. 이 대비되는 색상 조합은 전체 캔버스에 주요 사운드를 제공합니다.
성 안토니오 교회의 그림
에칭과 초상화에 대한 지속적인 주문 외에도, 법원 화가 Francisco de Goya는 기념비적 인 그림 제작에 대해 매우 영예롭고 유익한 주문을 받았습니다. 그래서 1798년, 카를로스 4세(King Carlos IV)는 예술가에게 막 완성된 San Antonio de la Florida 사원의 돔과 벽을 페인트하도록 의뢰했습니다.
교회는 폰타나 시대의 유명한 건축가에 의해 왕의 명령으로 세워졌습니다. 단 6년 만에 작품을 완성한 사람, 사원의 프레스코화는 파도바의 성 안토니오의 삶에 대해 말해야 했습니다. XIII 세기에 살았던 Franciscan의 수도사. 그에게 할당된 삼십육 년 동안 성 안토니오는 뛰어난 웅변가로 명성을 얻었습니다. 이야기와 전설과 그의 고결한 삶, 기적과 감동적인 설교가 전국에 알려졌고, 그는 심지어 "질서의 등불"이라고 불렸다.
프레스코화 작업에서 예술가는 완전한 행동의 자유를 얻었고, 고야는 이 기회를 통해 교회 회화의 전통적인 정경을 재고했습니다.
전통에 따르면, 프레스코화를 만들 때 전체 쿠폰 공간은 천사의 이미지로 채워져야 했고, 십자가 또는 그리스도. Goya는 St. Anthony가 죽은 자의 부활의 기적에 헌정 한 음모를 거기에두기로 결정했습니다. 놀란 관중들 앞에서 공연했다. 이 제스처로, 예술가는 성전이 헌납 된 성인을 높였습니다. 화가는 벽과 지지하는 아치에 천사와 대천사를 배치하고, 작은 천사들이 돛을 차지했습니다.
고야의 부활 장면은 완전히 사실적인 해석을 얻었다. St. Anthony는 그의 동료들과 함께 묘사됩니다. 다양한 청중으로 둘러싸여 있고, 자신의 행동을 유심히 지켜보는 사람. 프레스코화에 최대한의 사실감을 주기 위해, 평범한 사람들의 이미지를 전달하는데 중점을 둔 작가, 마치 마드리드 거리에서 직접 온 것처럼 군중을 묘사합니다. 원형 구성 솔루션은 작업에 지속적인 움직임과 역동성의 효과를 제공합니다. 중앙 프레스코의 사실적인 이미지와 달리, 고야는 천군 대표자들을 이상화하고 정교하게 세련되게 묘사했습니다. 이 사원의 그림은 여전히 고야 최고의 기념비적이고 장식적인 작품 중 하나로 간주됩니다.
인간의 악덕의 이미지
18세기의 90년대는 고야의 의식과 작업의 전환점이 되었다. 작가의 삶과 작품을 다시 생각하게 만드는 중병, 자주 발생합니다. 1792년 가을에 알 수 없는 질병의 첫 번째 공격이 화가에게 닥쳤습니다. 심한 편두통, 현기증과 번갈아 가며, 부분마비로 끝났다. 대부분, 불행한 예술가는 시력을 잃을까 두려웠다. 질병은 고야의 도덕적 정신을 마비시켰고, 그는 끊임없이 우울한 기분에 빠져 있었고, 그리고 그의 사랑하는 사람들은 그의 생명을 심각하게 두려워했습니다. 다행스럽게도, 이 공격은 비교적 잘 끝났고, 벌써 내년 봄, 화가는 기분이 훨씬 나아졌다.
여름에, 예술가는 질병에서 거의 완전히 회복되었고, 손실이 없는 것은 아니지만. 그 질병은 그의 청력을 완전히 박탈했으며, 그러나 이것은 주인이 회복 직후에 붓을 드는 것을 막지 못했습니다. 경험한 고통과 죽음에 대한 두려움은 예술가에게 인간의 영적, 사회적 존재에 대한 열정적이고 진정한 관심을 불러일으켰습니다. 그는 스페인 사회의 구조를 다른 눈으로 바라보고 자신의 가치 체계를 재고했습니다. 삶의 기쁨과 태양의 광채는 오랫동안 작가의 작업을 떠났다.
이 모든 것이 화가로 하여금 "Caprichos"(Fads)라는 제목의 일련의 작품을 만들도록 촉발했습니다. 1797년과 1799년 사이에 만들어진 80개의 에칭이 포함되어 있습니다. 환상적인 그로테스크한 형태로, 작가는 긴장된 사회 상황과 스페인 봉건 질서의 아첨하지 않은 전체 측면을 반영했습니다.
모든 그림은 인간의 악덕을 조롱합니다. 잔인함, 무지, 비겁, 구실, 이기주의, 속기 쉬움, 탐욕과 훨씬 더. 시리즈의 모든 에칭은 빛과 그림자의 대비를 기반으로 하며, 큰 흑백 반점으로 표현됩니다. 고야는 뛰어난 상징주의 재능과 뛰어난 독창성을 보여주었습니다. 모든 Caprichos 캐릭터는 그들이 나타내는 악덕을 표현하는 매우 생생한 성격을 가지고 있습니다. 포즈, 몸짓, 영웅들의 표정은 너무 표현적이어서 진실이 어디에 있고 허구가 어디 있는지 분간할 수 없다.
Capriccios 시리즈의 첫 번째 작품은 주로 여성의 영혼을 소비하는 악덕, 즉 교활함, 모순과 속임수. 이 시트에는 사랑하는 젊은 여성들은 신사들을 사악하게 속이고, 그리고 못생긴 노파 검찰관은 경험이 부족한 소녀들의 부패에 관여합니다.
시트 37부터 시작하여, 무지에 대한 그림이 있습니다. 치유하는 당나귀의 이미지를 보여줍니다. 음악을 재생, 서로 가르치고, 원숭이를 위해 연설하고 포즈를 취하십시오. 그로테스크한 이후의 모든 에칭은 인간의 도덕적 추함이 어떻게 악령을 낳는지 우리에게 분명히 보여줍니다. 검은 밤에, 마법사와 브라우니가 의식을 수행하고, 웃다, 찡그린 얼굴, 안식일에 모여서 불행한 희생자들을 괴롭힙니다. 하지만 해가 뜨면, 모든 짐승은 사라지거나 죽지 않는다. 외모만 변하고, 평범해지고, 외적으로 존경받는 사람들. 그리고 끝없이.
43장 - "이성의 꿈은 괴물을 준다"라는 제목의 판화는 가장 유명한 것 중 하나가 되었습니다. Goya는 그에게 흥미로운 첨부된 설명을 제공했습니다. 그러나 마음과 함께, 그것은 모든 예술의 어머니이자 그들이 만드는 기적의 원천이 됩니다. " 사실로, 이러한 주석은 컬렉션의 각 시트에 아티스트가 작성했으며, 하지만, 동시대 사람들에 따르면, 음모에 대한 그러한 설명은 그의 인식을 더욱 복잡하게 만들었습니다. "단서가없는 모든 사람에게 눈을 감고 있습니다. "
화가의 계획에 따르면, "카프리초스"는 동포들에게 기운을 북돋우고 귀족이 부과한 입장에 맞서기로 결정했습니다. 1799년, 고야는 자비로 이 시리즈를 300부 인쇄했습니다. 4권, 세일하기 전에도, Osuna 공작 부인이 구입했습니다. 다음 몇 년 동안 다른 27대가 팔렸습니다. 진실, 몇 시간 후, Capriccios는 여전히 낭만적인 예술가들 사이에서 인기를 얻었습니다.
스타일과 세계관의 진화 그동안 주인은 초상화 장르에서 작업을 멈추지 않았고, 그는 법원 귀족에 의해 끊임없이 명령을 받았습니다. 전작에서 벗어나, 등장인물과 줄거리에 대한 다소 피상적인 해석, 그는 엄격한 지적 사실주의로 나아갔다. 18세기와 19세기의 전환기에 만들어진 회화는 작가가 등장인물의 내면적 본질을 충분히 드러낼 수 있도록 하는 미묘한 예술적 기법의 표현 체계로 구별된다. 이 작품들은 이미 회화의 새로운 경향을 반영하고 있으며, 낭만주의 시대의 시각적 이상에 가깝다.
마스터는 심리학에 점점 더 많은 관심을 기울이기 시작하고, 그는 외부 환경의 멍에 아래에서 성격의 비극적인 압박을 강조하려고 노력합니다. 고야는 개인의 가능성을 높이 평가하는 것 같으며, 그의 사회적 지위와 상관없이. 자주, 이것은 가식적인 풍자로 표현되며, 많은 권력자들의 초상화에서 분명히 볼 수 있습니다. 작가 작업의 새로운 시대의 또 다른 특징은 풍부한 컬러 팔레트와 강조된 플라스틱 볼륨, 은회색, 1790년대의 경쾌한 색은 영원했습니다.
19세기 초, 고야는 그녀의 초상화 시리즈를 실행하기 위해 왕실로부터 많은 명령을 받았습니다. 이 시기의 가장 주목할만한 작품 중 하나는 "카를로스 4세 가족의 초상"(1800, 프라도 미술관, 마드리드). 이 대형 캔버스(크기 280 x 336 cm)를 실행하는 동안, 예술가는 왕관 가족의 각 구성원의 별도 초상화를 만들 수있었습니다. 가족 초상화 자체에 대한 작업은 약 1년 동안 지속되었습니다.
이 사진을 보고 가장 먼저 시선을 사로잡는 것은 모든 왕족들의 의상의 웅장함, 훌륭한 기술로 작성되었습니다. 고급스러운 원단, 무중력 베일, 무지개 빛깔의 보석과 권력의 의복은 영웅 자체의 이미지를 가리고 있습니다. 이 효과는 예술가에 의해 추구되었습니다. 때문에, 얼어붙은 자랑스러운 가족들의 얼굴을 자세히 보면, 고야가 그들 각각에게 준 미묘한 심리적 특성을 알 수 있습니다.
예를 들어, Mary Louise 여왕의 이미지는 사진 선명도로 그렸습니다. 화가는 그녀의 구부러진 코를 사실적으로 묘사했으며, 이중턱과 날씬한 미소를 머금은 입술. 마리아 루이스는 캔버스의 중앙에 서 있고, 어린 아이들이 그녀 주위에 서 있고, 카를로스 4세 왕이 왼쪽에 표시되어 있습니다. 그리고 파란색 실크 캐미솔을 입은 그녀의 장남은 여왕의 오른쪽에 있습니다. 그후, 그는 폭군 Ferdinand VII가 될 것입니다 (그의 사악한 얼굴을보십시오). 페르디난드 옆에는 그의 신부, 그녀는 시청자에게서 등을 돌렸고, 그림을 쓰는 시점부터 그들의 결혼에 대한 합의는 이루어지지 않았습니다. 그림의 왼쪽 모서리에는 깊은 그림자 속에서, 고야는 자신을 그렸습니다.
초상화는 가족 간의 관계를 매우 미묘하게 전달합니다. 그림 속 인물들이 어떻게 서 있는지 주목한다면, 조각난 것처럼 보이는 것이 놀랍습니다. 캔버스 전체를 채운 얼어붙은 군중. 작가는 의도적으로 그들의 관점과 제스처의 불일치를 강조합니다. 그리고 그림 자체의 색상은 비정상적으로 다채로운 반점의 흩어져있는 조합에 구축됩니다.
왕관 가족 중 누구도 완성된 작품에 분노의 그림자조차 보이지 않았다는 사실에도 불구하고(왕비는 그녀의 "실패한" 모습을 비웃기까지 했다), 캔버스는 왕실에서 예술가가받은 마지막 명령이었습니다.
그러나 이 시기(1800-1803)의 화가의 가장 중요한 작품은 캔버스 “Dressed Swing”과 “Naked Swing”(프라도 미술관, 마드리드). 아마도, 이 두 작품은 마누엘 고도이 총리의 명령으로 만들어졌습니다. 소식통에 따르면, 그림의 원래 이름은 "집시 복장"과 "집시 누드"였습니다. 작가가 이 캔버스에 그려낸 여성의 이미지는 생동감 넘치고 관능적인 아름다움을 구현했으며, 냉철한 학계와 극명하게 대조된다. 이 작품의 모델이 된 소녀의 신원에 대한 신뢰할 수있는 정보는 보존되지 않았습니다. 한 버전에 따르면, 그것은 Godoy의 정부였습니다. 다른 사람들에 따르면 - 알바 공작 부인, WHO, 소문에 따르면, 작가 자신과 꽤 오랜 관계를 유지했습니다. 진실, 이에 대한 실제 증거는 발견되지 않았습니다.
앞으로 2년 동안, 1804년부터 1806년까지, 작가는 흥미로운 여성 이미지를 많이 만듭니다. 여기에는 Francisco Sabas y Garcia의 초상화(1804, 국립 미술관, 워싱턴), 도나 테레사 수레드의 초상(1804-1806, 국립 그림 갤러리, 워싱턴) 및 Dona Isabel Cabos de Porsel의 초상화(1805년경, 국립 미술관, 런던). 모든 캔버스는 자유로운 방식으로 작성되며, 그의 초기 저조한 작품들과는 다르다. 마스터, 관련된 여러 색조를 섬세하게 혼합하여, 모델에 대한 매우 현실적인 해석을 달성합니다. 젊은 여성들의 얼굴은 낭만적인 충동으로 가득 차 있고, 그리고 포즈와 외모는 결의로 가득 차 있습니다. 어두운 캔버스는 그 시대의 확립된 전통에 대한 찬사이며, 하지만, 그럼에도 불구하고, 아티스트는 모든 색상의 풍부한 사운드와 어린 소녀의 믿을 수 없을 정도로 사실적인 전달을 달성합니다. Another feature of portraits is that the painter does not select their outfits and accessories, as was the case in his earlier work, and the personality characteristics of the heroines, their character and psychology.
Then the artist creates another work with memorable female images – “Swinging on the Balcony” (1805-1812, Metropolitan Museum of Art, 뉴욕). The canvas depicts two lovely young women sitting on the balcony. In the background, in dark colors, the silhouettes of their companions are written out. The fragile figures of the girls, their crafty smiles and touching eyes look alluring and attractive, but the appearance of their companions is alarming and creates a sense of danger.
Soon a war broke out with France. Goya received many government orders for portraits of army generals, and in between created etchings assembled into a common series called The Disasters of War. 전체적으로, the series includes about eighty works. In them, the painter depicted military operations without embellishment. Not of any heroism or ostentatious courage, only what actually happens in the war is the hardening of the human heart, which becomes capable of any atrocities and betrayals.
A series of etchings dedicated to the war, became the pinnacle of the artist’s realistic work. Many works reflect what the painter himself saw and experienced over the years. The whole tragedy of the Spanish people is depicted ruthlessly, truthfully, without a drop of idealization:mountains of corpses, looting, fires, famine, executions.
It should be noted that the painter’s goal, 가장 먼저, was not documentary accuracy, but the expression through this series of works of the tension and tragedy that he felt, passing through the years of the war. The deep subtext, the combination of reality and grotesque, allegory and science fiction along with a sober analysis of reality, and the sharp expressiveness achieved through sharp black-and-white contrasts predicted completely new development paths in the European engraving genre.
On a cardboard “A sad foreboding of what is about to happen” (1810, National Library of Madrid), a man in torn clothes is depicted, his arms are helplessly spread to the sides, and his eyes full of despair and tears are raised to the sky in a soundless question. In the background, chaos and destruction reign, the losses that the hell of war inevitably brings with it. Etching opens the series “Disasters of War” and is, 사실은, its leitmotif.
All the horrors of war go through a series of etchings of an eerie and frightening realistic sequence:countless corpses, violence against women, execution of rebels and carts with the dead. The events and images depicted by the master so accurately convey the essence of hostilities that they could serve as an illustration to absolutely any of the armed conflicts experienced by all mankind. It was important for the artist to emphasize that the victims of monstrous interstate conflicts are not only soldiers of official troops, but also defenseless civilians:children, old people, 여성. The series was able to come out in full assembly only in 1863, after 35 years spent under the rule of France.
The end of the first decade of the 19th century was a difficult, difficult time for Spain. Discontent in the country was constantly growing, and King Carlos IV proved to be a weak-willed and insolvent politician. 사실로, the country was ruled by his spouse and her favorite – Prime Minister Manuel Godoy. They completely subjugated the king and squandered the treasury, bringing Spain to almost complete ruin. This caused popular unrest, which led to an acute crisis in the country.
In 1808, King Carlos abdicated in favor of the eldest son Ferdinand VII. While confusion was taking place at the Spanish court, caused by the division of power, Napoleon, taking advantage of the situation, captured the young ruler and put his brother Joseph on the Spanish throne, and brought his troops into the country. The French emperor motivated his action exclusively with good intentions, 즉, the need to resist the ripening revolution. Thus began the bloody war of Spain with France.
올해, Goya creates his painting “The Colossus” (1808, 프라도 미술관, Madrid), in which he expresses all the confusion and tension prevailing in society. Most of the composition is occupied by a giant figure of a fierce Colossus, clenching his fists. A giant walks through Spanish land, touching thunderclouds. His appearance causes general panic. The figure of Colossus most likely personifies the mercilessness of war, bringing general ruin, destruction and chaos.
In the fall of the same year, the artist leaves the capital and goes to Zaragoza, already destroyed by French troops. The appearance of the ruined and burned hometown amazed the painter to the depths of his soul and gave him a new impetus to creativity.
이때, Madrid was in a fever from the news. On the streets they said that the French did not just want to arrest, but to deal with the entire royal family. On May 2, 1808, crowds of people gather in front of the royal palace in Puerta del Sol. They demand from the French evidence that the youngest son of the former king Carlos IV, the thirteen-year-old prince Francisco de Paula, beloved among the people, is still alive. Gradually, the situation grew tense, the heated Spaniards rushed to guard the palace. They were met by armed rebuff. Locals are faced with Egyptian mercenaries – Mamelukes.
A few years later, in 1814, Goya depicted the scene of this event on a canvas entitled "The Second of May, 1808 in Madrid, the uprising against the Mamelukes" (Prado Museum, Madrid). The composition of the picture is extremely intense, everything is mixed in it – people, 동물, 생활, dead and wounded. The intense red-orange coloring of the canvas perfectly conveys the atmosphere of social disaster.
Napoleon’s troops brutally crushed the rebellion. On the same night, on the orders of the French monarch, an unprecedented in its cruelty massacre was carried out on the surviving rebels. Hundreds of Madrid were executed without trial, according to surviving evidence, many of them had no relation whatsoever to the uprising.
No real artist or poet could remain indifferent, being a direct witness to such events. Francisco de Goya also could not. Six years later, he created the painting “The Shooting of Rebels on May 3, 1808 in Madrid” (1814, 프라도 미술관, Madrid), which tells of a terrible tragedy. The picture shows us a scene that happened late at night in a wasteland outside the city. At a gentle slope of a hill, illuminated by the uneven light of a large lantern, French soldiers shoot the captured rebels. The painter presented the executioners as a faceless, strictly organized mass. The center of the work is a young peasant dressed in a white shirt. He spreads his arms wide, as if trying to protect his native land with his own body. The rest of the rebels, doomed to death, are represented in different ways. Someone obediently bowed his head, someone defiantly smiles directly into the executioners, others covered their hands with their hands, but none of them even tries to escape. The background in the picture is the silhouettes of the cathedral, 타워, 주택, barely distinguishable from the darkness of the night. The composition of the picture is so expressive that it seems that deafening shots will now break the reigning silence. The gloomy and severe landscape complements the atmosphere of imminent tragedy.
With this picture, the artist sought not only to convey the cruel events from the history of Spain in order to excite the viewer with them, he wanted to depict the moral superiority of the Spanish people over his executioners, to express the rebellion of the national spirit.
Voluntary exile
With the advent of 1812, the artist suffered a personal tragedy, the beloved wife of Joseph died. The artist was very upset by the death of a faithful companion of his life, because after her departure, he had only one son left, who was already 28 years old. It is amazing that Goya did not write anything about his wife and only once depicted her in the picture – “Portrait of Josefa Bayu de Goya”. Judging by this canvas, Josefa was a simple kind woman. The artist himself, in spite of his short stature and unprepossessing appearance, was known as a lover of women, maybe therefore the modest Josef did not participate in the social life of society.
Like any painter, Goya experienced all his joys and sorrows through creativity. 아내가 죽은 후, he set about creating a series of etchings designed to illustrate the work of Nicolas Fernandez de Moratan, “Historical Notes on the Emergence and Development of Bullfighting in Spain”. Nowadays, this series is known as "Tavromahiya", in it the artist showed the fearlessness of a person entering into battle with a wild and ferocious animal.
Toward the end of the second decade of the 19th century, Francisco de Goya, sick, tired and disappointed in the policies of the Spanish authorities, decided to leave the bustling capital for privacy. He bought a large two-story house on the banks of the Manzanares River, surrounded by large cultivated land. The artist moved more than one to a new shelter, nicknamed the House of the Deaf neighbors, followed by his distant relative Leocadia Weiss, with his little daughter Rosarita. Little is known about the life of this woman. In Madrid, she was famous for her scandalous behavior, but the deaf artist was obviously not embarrassed.
At the end of 1819, Goya fell seriously ill again. Leocadia and Rosarita courted him, trying to brighten up his serious condition. Thanks to this care and the efforts of Dr. Eugenio Garcia Arrieta, the artist was able to recover and even returned to painting. His first picture, after suffering, was dedicated to his savior – "Self-portrait with Dr. Arrieta" (Institute of Arts, Minniapolis) was painted already in 1820. In the center of the composition, the master portrayed himself, leaning his back on the shoulder of a young doctor. Eugenio brings a glass of healing broth to the artist’s lips. In the background, in a darkened room, one can see someone’s silhouettes. The color of the double portrait is harmonious and calm. At the bottom of the canvas, the artist’s note:“Goya thanks her friend Arriet for the attention and care that saved his life during a dangerous illness, which he suffered at the end of 1819, at the age of 73 years. He wrote it in 1820. "
Having improved his health, Goya begins to work on a new series of prints called Los Proverbios (Proverbs), published by the San Fernando Academy in 1864, although it became known under a different name – “Disparates” (“Nonsense”). On 22 cardboards, Goya depicted all kinds of absurdities and absurdities – this was his author’s interpretation of national proverbs, which acquired a fantastic sound from the artist.
Scary visions
In the same 1820, Goya returned to monumental painting, deciding to paint the walls of his house. 그래서, 예를 들어, on the walls of a large room on the ground floor, the painter depicted a beautiful young lady in full growth – “A Woman in a Black Shawl” (Prado Museum, Madrid). There is no exact information, but perhaps this is a portrait of Leocadia Weiss herself. The Spaniard stands in a natural pose, resting with one hand on a high stone fence, which occupies most of the composition. The light black veil covering the woman’s face gives the image a certain mystery.
This mural has become the most pacified of all the works of the cycle, in which the master decided to reveal the hidden essence of man. Art history has not yet seen works of this kind. Goya’s murals are dominated by a frightening, diabolical, unnatural principle, ominous images appear as if in a nightmare. Perhaps the artist saw them in a dream, faith is not entirely in a dream, but in delirium. Goya himself in some letters mentioned that during his illness he suffered terrible hallucinations, maybe it was they who found their way out in the artist’s Black Paintings.
One of the most striking is the fresco "Saturn devouring its children" (1820-1823, 프라도 미술관, Madrid). Dim lighting snatches from the darkness the thin body of a god who, in a frenzied madness, devours his own child, tearing his body apart.
The fresco “Pilgrimage to St. Isidore” (1820-1823, Mray Prado, Madrid) is very revealing, demonstrating how much the artist’s worldview has changed. This comparison is very vivid because in his youth Goya already created a work dedicated to this topic:“Festivities on the day of St. Isidore” (1788, 프라도 미술관, Madrid) depicts one of the most beloved holidays of the people of Madrid. It is an annual procession to the banks of the Manzanares River, where a big picnic with dances was arranged. An indispensable attribute of the holiday was drinking more water from a healing spring found, according to legend, by St. Isidore. On the canvas of 1788 it is a colorful and cheerful national holiday. But at a late work, on the wall of the “House of the Deaf”, an alarming feeling of imminent misfortune reigns. On a dark and gloomy fresco on a dry ground a crowd of people wanderclinging to each other. On their faces are terrible grimaces of pain, 두려움, horror, animal malice and malice.
In the same spirit, the work “Sabbath of the Witches” (1820-1823, 프라도 미술관, Madrid) was done, although it was painted in lighter colors, all the space on it was occupied by the same “ugly” crowd. In the center of the composition is a black goat in a monastic cassock. Those around with a greedy gleam of crazy eyes listen to the personification of Satan. Drawing this "demonic tribe", the artist emphasizes that people have lost their human appearance, so their faces are like the faces of animals.
All the frescoes of the “House of the Deaf” have a strange and controversial character, they excite and scare. Spots of white, yellow and pinkish-red color suddenly flash, snatching separate images from the darkness, 그 다음에, 반대로, envelop them. All fifteen scenes were done in dark colors, for this and the fact that the plots themselves are incredibly “dark”, the frescoes were nicknamed “Black Paintings”. They were on the walls of the house until the 1870s, until the new owner, Baron Emil Erlanger, a banker and a passionate collector, ordered to transfer all the plots to canvas. In 1878, he presented them at an exhibition in Paris, and three years later he donated all the works to the Madrid Prado Museum, founded by Ferdinand VII in 1819.
Relocation to France and the death of a master
The completion of the frescoes coincided with changes in the country. King Ferdinand VII in 1823 abolished the constitutional government, which Goya sympathized with. The artist, who was still a court painter, began to fear for his life and in the spring of 1824, he left for France.
He settled in Bordeaux, in a small cozy house, taking with him and Leona Leocadia with her daughter. By this time, the artist was already seventy-six years old. Goya worked a lot in France. He created portraits of his relatives and friends around him, mastered the technique of lithography. Around 1828, Goya created the work “Thrush from Bordeaux” (Prado Museum, Madrid) and a new series of etchings “Bulls of Bordeaux”.
Not long before his death, the painter traveled to Madrid, where he visited his son and grandson. The painter died on April 16, 1828, he was eighty-two years old. The ashes of Francisco de Goya were transported to Spain and buried in the Madrid Temple of San Antonio de la Florida, painted by the master many years ago.
All the work of the master had a huge impact on the formation and development of 19th century art. Just a few years after the death of the artist, his contribution to the artistic culture was evaluated at the pan-European level.
<나> Zhuravleva Tatyana
