Leonardo da Vinci의 성격과 작업은 항상 큰 관심을 받았습니다. 레오나르도는 그 시대에 너무 비범한 인물이었습니다. 책과 기사가 인쇄되고, 장편 영화와 다큐멘터리가 공개됩니다. 미술사가들은 과학자와 신비주의자에게로 향하고, 거장의 천재성에 대한 수수께끼의 해법을 찾기 위한 시도. 과학에도 별도의 방향이 있고, 화가의 유산을 탐구합니다. 레오나르도 다빈치를 기리기 위해 박물관이 열리고, 주제별 전시회는 전 세계에서 지속적으로 개최되며, 모든 출석 기록을 깨고, 그리고 모나리자는 갑옷을 입은 유리에서 며칠 동안 관광객 인파를 응시합니다. 실제 역사적 사실과 전설, 과학적 업적과 허구는 한 천재의 이름을 둘러싸고 밀접하게 얽혀 있습니다.
레오나르도 다빈치의 그림과 그림
위대한 주인의 운명
미래의 위대한 예술가이자 과학자가 4월 14일에 태어났습니다. 1452년 부유한 공증인의 혼외정사에서 피에로 선생님, 빈치 마을에서 온 소작농 여성이나 선술집의 여주인과 함께. 그 소년의 이름은 레오나르도였다. 카테리나, 그것은 예술가의 어머니의 이름이었고, 생애 첫 5년 동안 아들을 키웠고, 그 후 아버지는 그 아이를 집으로 데려갔습니다.
피에로는 공식적으로 결혼했지만, 그에게는 레오나르도 외에 다른 자녀가 없었습니다. 그러므로, 집에 있는 아이의 모습은 따뜻하고 정중하게 환영되었습니다. 예술가에게 남은 유일한 것은, 아버지의 전폭적인 지지를 받으며 상속권입니다. 레오나르도의 초기 몇 년은 평온하게 지나갔다. 투스카니의 그림 같은 산 자연으로 둘러싸여 있습니다. 그는 평생 동안 조국에 대한 존경과 사랑을 이어갈 것입니다. 그의 풍경에서 그의 아름다움을 영속시키십시오.
지방 생활의 평화와 고요함은 가족이 피렌체로 이사하면서 끝났습니다. 인생이 놀기 시작했고, 그들은 그 당시의 실제 대도시의 모든 색상으로 분주하기 시작했습니다. 이 도시는 메디치 가문의 대표자들에 의해 운영되었으며, 그들의 세습 재산을 기반으로 예술 발전을 위한 이상적인 조건을 조성한 자선가들의 관대함으로 유명합니다.
그들의 통치 기간 동안, 피렌체는 르네상스로 알려진 문화 및 과학 혁명의 요람이 되었습니다. 일단 여기, 젊은 레오나르도는 도시가 전성기와 영광의 절정에 이르렀을 때 사건의 중심에 있었습니다. 위대함의 정점, 그 중 젊은 예술가가 없어서는 안될 부분이되었습니다.
그러나 위대함이 앞서 있었고, 하지만 지금은 미래의 천재는 교육을 받기만 하면 됩니다. 사생아로서, 그는 아버지의 일을 계속할 수 없었고, 될 뿐만 아니라, 예를 들어, 변호사나 의사. 어느, 일반적으로, Leonardo의 운명을 해치지 않았습니다.
아주 어릴 때부터, 그 청년은 뛰어난 예술적 능력을 보여주었습니다. 피에로는 외아들의 운명을 결정할 때 이를 무시할 수 없었다. 곧, 그의 아버지는 18세의 레오나르도를 매우 성공적이고 발전된 회화 작업장에서 공부하도록 보냈습니다. 예술가의 강사는 유명한 화가 Andrea del Verocchio였습니다.
재능 있고 넓은 마음을 가진 조각가이자 예술가, 베로키오는 중세의 미학적 견해를 설교하지 않았고, 그러나 최신 정보를 유지하려고 노력했습니다. 그는 고대 예술의 표본에 예리한 관심을 보였습니다. 그가 타의 추종을 불허한다고 생각했던 그의 작품에서 그는 로마와 그리스의 전통을 되살리기 위해 노력했습니다. 그럼에도 불구하고, 진행 상황을 인식하고 존중하며, Verocchio는 당대의 기술적, 과학적 성취를 광범위하게 활용했습니다. 덕분에 그림이 사실주의에 가까워졌습니다.
평평한, 중세의 스케치 이미지가 사라지고 있었고, 모든 것에서 자연을 완전히 모방하려는 욕망에 굴복합니다. 그리고 이를 위해서는 선형 및 공중 관점의 기술을 마스터해야 했습니다. 빛과 그림자의 법칙을 이해하고, 이는 수학을 마스터할 필요가 있음을 의미했으며, 기하학, 그림, 화학, 물리학 및 광학. Leonardo는 Verocchio와 함께 모든 정밀 과학의 기초를 연구했으며, 드로잉 기법을 동시에 마스터하면서, 모델링 및 조각, 석고 작업에 대한 기술 습득, 가죽과 금속. 그의 재능은 너무나 빠르고 분명하게 드러났기 때문에 곧 그 젊은 재능은 그림의 기술과 질에서 그의 스승에게서 멀어졌습니다.
이미 스무 살에, 1472년, Leonardo는 명예로운 피렌체 예술가 길드의 회원이 되었습니다. 그리고 자신의 작업실이 부족하더라도 그가 불과 몇 년 만에 인수한 독립적인 마스터로서 자신의 길을 시작하는 것을 방해하지 않았습니다. 명백한 공학적 능력과 정밀과학에 대한 탁월한 재능에도 불구하고, 사회는 예술가에게서 아직 큰 명성을 얻지 못한 장인만을 보았습니다. 자유와 창조의 이상은 아직 멀었다.
XV 세기 예술가의 운명은 전적으로 영향력있는 후원자에게 달려 있습니다. 그래서 평생 동안, Leonardo는 강력한 사람들 사이에서 봉사의 장소를 찾아야했습니다. 그리고 개인의 세속 및 교회 질서의 이행은 단순 무역 협정의 원칙에 기초했습니다.
예술가의 삶의 처음 10년은 창의적인 검색과 몇 가지 주문 작업으로 지나갔다. 지금까지, 레오나르도가 스포르차 공작이라는 소문을 듣고 밀라노의 통치자, 법원 조각가가 필요했습니다. 그 청년은 즉시 그의 손을 시험해 보기로 결정했습니다.
사실 그 당시 밀라노는 무기 생산의 가장 큰 중심지 중 하나였으며, 그리고 Leonardo는 그의 최신 취미인 독창적이고 독창적인 기계 및 메커니즘의 도면 개발에 몰두했습니다. 그러므로, 엔지니어링의 수도로 이동할 가능성, 그는 매우 영감을 받았습니다. 작가는 스포르차 공작에게 추천서를 썼다. 그는 조각가로서 뿐만 아니라 자신을 감히 제안했습니다. 예술가와 건축가, 엔지니어로서도 배를 만들 수 있다고 주장하면서 장갑차, 투석기, 총 및 기타 군사 장비. 공작은 레오나르도의 자신감 넘치는 편지에 깊은 인상을 받았습니다. 그러나 부분적으로만 그를 만족시켰습니다. 그는 예술가가 조각가가 되는 기분이었습니다. 새로운 궁정 조각가의 첫 번째 임무는 말의 동상을 만드는 것이었고, Sforza의 가족 지하실을 장식하도록 설계되었습니다. 재미있는 점은 다양한 상황으로 인해 레오나르도가 밀라노 궁정에서 보낸 17년 동안, 말은 캐스팅되지 않았습니다. 그러나 군사 문제에 대한 젊은 인재의 관심, 무기 작업장의 역학과 기술은 성장했습니다. 레오나르도의 거의 모든 발명품은 이 시기로 거슬러 올라갑니다.
그의 일생 동안, 독창적인 다빈치는 수많은 직조 그림을 그렸습니다. 인쇄 및 회전 기계, 야금 용광로 및 목공 기계. 그는 헬리콥터 나사의 아이디어를 처음으로 생각한 사람이었고, 볼 베어링, 선회 크레인, 말뚝을 운전하는 메커니즘, 수력 터빈, 풍속을 측정하는 장치, 화재 망원경 사다리, 조정 가능한 렌치, 및 기어박스. Leonardo는 탱크, 투석기, 잠수함. 그의 스케치에는 잠수종의 스포트라이트 프로토타입이 있습니다. 굴착기, 자전거, 그리고 지느러미. 그의 가장 유명한 디자인뿐만 아니라 행글라이더와 매우 유사한 항공기인 새의 비행 기술과 새의 날개 구조에 대한 공들인 연구를 바탕으로 그리고 낙하산.
안타깝게도, 레오나르도는 인생에서 자신의 아이디어 대부분이 구현된 것을 볼 수 없었습니다. 아직 그들에게는 때가 이르지 아니하였으니 필요한 원료와 재료가 없었고, 그 창조는 15세기 천재도 예견했습니다. 그의 평생, Leonardo da Vinci는 그의 장대한 디자인이 시대를 너무 앞서갔다는 사실을 참아야 했습니다. XIX 세기 말에만, 그들 중 많은 사람들이 구현을 받게 될 것입니다. 그리고, 물론이야, 주인은 20세기와 21세기에 수백만 명의 관광객이 그의 작품에 전념하는 특별 박물관에서 이러한 발명품에 감탄할 것입니다.
1499년, 레오나르도는 밀라노를 떠났다. 그 이유는 루이 12세가 이끄는 프랑스군이 도시를 점령했기 때문입니다. 스포르차 공작, 권력을 잃은 자, 해외로 도피했다. 예술가는 그의 인생에서 어려운시기를 시작했습니다. 4년 동안, 그는 끊임없이 이곳저곳을 옮겼고, 멈추지 않고 오랫동안 어디에도 없습니다. 지금까지, 1503년, 그, 오십, 그는 한때 단순한 견습생으로 일했던 도시인 피렌체로 다시 돌아가야 했습니다. 그리고 지금, 기술과 명성이 절정에 이르렀을 때, 그는 그의 화려한 모나리자를 만드는 데 일했습니다.
진실, 그는 밀라노 다빈치로 돌아갔다. 피렌체에서 몇 년 동안 일한 후. 지금, 그는 루이 12세의 궁정 화가였습니다. 그 당시 이탈리아 북부 전체를 지배했던 사람. 주기적으로, 예술가는 피렌체로 돌아왔다. 특정 주문을 이행하는 것. 레오나르도의 시련은 1513년에 그가 새로운 후원자를 만나기 위해 로마로 이사했을 때 끝났습니다. 줄리아노 메디치, 교황 레오 10세의 동생. 앞으로 3년 동안, 다빈치는 주로 과학을 다루었고, 엔지니어링 개발 및 기술 실험 주문.
이미 아주 고령의 나이에, 레오나르도 다빈치는 다시 이사를 했고, 이번에는 프랑스로, 프란치스코 1세의 초청으로 루이 12세의 뒤를 이어 왕위에 오른 사람. 찬란한 주인의 남은 생애는 왕궁에서 지냈고, Lmboise 성, 군주의 측면에서 가장 높은 명예에 둘러싸여 있습니다. 아티스트 자신, 그의 오른손의 무감각과 지속적으로 악화되는 건강 상태에도 불구하고, 그는 계속해서 스케치를 만들고 그의 일생 동안 주인이 만든 적이 없는 가족으로 그를 대체한 학생들을 참여시켰습니다.
관찰자와 과학자의 선물
어린 시절부터, 레오나르도는 보기 드문 관찰 능력을 가지고 있었습니다. 어린 시절부터 인생이 끝날 때까지, 예술가, 자연 현상에 매료되고, 촛불을 몇 시간 동안 바라볼 수 있었고, 생명체의 행동을 모니터링하고, 물의 움직임을 연구하고, 식물의 성장 주기와 새의 비행. 그를 둘러싼 세계에 대한 활발한 관심은 주인에게 많은 귀중한 지식과 자연의 많은 비밀에 대한 열쇠를 주었습니다. “자연은 모든 것을 완벽하게 배열하여 어디에서나 새로운 지식을 줄 수 있는 것을 찾을 수 있습니다. "라고 주인이 말했다.
그의 생애 동안, Leonardo는 대기 현상의 본질을 탐구하기 위해 가장 높은 고산 통로를 통해 전환했습니다. 산의 호수와 강을 여행하여 물의 특성을 연구했습니다. 그의 일생 동안, Leonardo는 그의 관심을 끄는 모든 것을 입력한 노트북을 가지고 다녔습니다. 그는 광학에 특별한 중요성을 부여했으며, 화가의 눈은 과학적 지식의 직접적인 도구라고 믿는다.
동시대인들이 밟아온 길을 거부하고, 레오나르도는 그를 걱정하는 모든 것(그를 둘러싼 세상과 그 사람 자신)의 조화와 비례 문제에 대한 자신의 답을 찾았습니다. 작가는 자신의 본질을 왜곡하지 않고 자신과 그를 둘러싼 세계를 작품에 담고 싶다면, 그는 가능한 한 깊이 두 가지의 본성을 연구해야 합니다. 눈에 보이는 현상과 형태의 관찰을 시작으로, 그는 점차적으로 그들을 지배하는 프로세스와 메커니즘을 탐구했습니다.
수학적 지식은 화가가 어떤 대상이나 대상이 전체라는 것을 이해하는 데 도움이되었습니다. 필연적으로 많은 부분으로 구성되며, 비례와 적절한 위치가 조화를 일으키는 것입니다. 화가의 놀라운 발견은 "자연"의 개념, '아름다움'과 '조화'는 특정한 법칙과 떼려야 뗄 수 없는 관계에 있다. 따라서 자연의 모든 형태가 절대적으로 형성되며, 하늘에서 가장 먼 별에서 시작하여 그리고 꽃잎으로 마무리. Leonardo는 이 법칙이 숫자의 언어로 표현될 수 있다는 것을 깨달았습니다. 회화에서 아름답고 조화로운 작품을 만드는 데 사용, 조각품, 건축 및 기타 모든 분야.
사실로, Leonardo는 창세기의 창조주 자신이 이 세상을 창조한 원리를 발견할 수 있었습니다. 예술가는 그의 발견을 "황금, 또는 신성한 비율." 이 법칙은 고대 세계의 철학자와 창조자들에게 이미 알려져 있었습니다. 그리스와 이집트에서 다양한 예술 형식으로 널리 사용되었습니다. 화가는 실천의 길을 걸었고, 자연과 세계와의 상호 작용에 대한 자신의 경험에서 모든 지식을 얻는 것을 선호했습니다.
레오나르도는 자신의 발견과 업적을 세상과 공유하는 데 주저하지 않았습니다. 그의 생애 동안, 그는 수학자 Luke Pocholi와 함께 "Divine Proportion"이라는 책을 만들었습니다. 그리고 주인이 죽은 후 그는 골든 섹션 논문의 빛을 보았습니다. 전적으로 그의 발견에 기반합니다. 두 책 모두 수학의 언어로 예술에 대해 쓰여져 있습니다. 기하학과 물리학. 이러한 과학 외에도, 다른시기에 예술가는 화학 연구에 진지하게 관심을 보였습니다. 천문학, 식물학, 지질학, 측지학, 광학 및 해부학. 그리고 모든 순서대로, 결국, 그가 예술에 자신을 설정한 작업을 해결하기 위해. 그림을 통해서였다. 레오나르도가 창의성의 가장 지적인 형태로 간주한 그는 주변 공간의 조화와 아름다움을 표현하고자 했습니다.
캔버스 위의 삶
위대한 화가의 창조적 유산을 살펴보면, 세계에 대한 과학적 지식의 기초에 대한 레오나르도의 침투 깊이가 그의 그림을 어떻게 삶으로 채웠는지 명확하게 알 수 있습니다. 그것들을 점점 더 사실로 만듭니다. 주인이 그린 사람들과 함께, 쉽게 대화를 나눌 수 있고, 그가 그린 오브제, 당신의 손에 돌아, 그리고 풍경을 입력하고 길을 잃는다. 레오나르도의 이미지에서, 신비롭고 동시에 놀라울 정도로 현실적이며, 깊이와 영성이 분명합니다.
레오나르도가 실제라고 생각한 것을 이해하려면 살아있는 창조물, 당신은 사진과 유추를 그릴 수 있습니다. 사진술, 사실은, 미러 카피일 뿐이며, 삶에 대한 다큐멘터리 증거, 창조된 세계의 반영, 그 완성도를 이루지 못한다. 이러한 관점에서, 사진가는 레오나르도가 말한 것을 현대적으로 구현한 사람입니다. “화가, 무의미하게 스케치하고, 오직 실천과 눈의 판단에 따라, 그것은 그것에 반대되는 모든 물체를 모방하는 평범한 거울과 같습니다. 그들에 대해 아는 것이 하나도 없습니다.” 진정한 예술가, 마스터에 따르면, 자연을 연구하고 캔버스에 재현하면서 그것을 뛰어넘어야 한다. "수많은 형태의 풀과 동물을 발명하고, 나무와 풍경."
숙달의 다음 단계와 인간의 독특한 선물, 레오나르도에 따르면, 환상이다. “자연이 이미 종 생산을 마친 곳, 인간 자신은 자연의 도움으로 수많은 종류의 새로운 것을 창조하기 시작합니다.” 상상력의 발달은 예술가가 해야 할 첫 번째이자 가장 기본적인 일이며, 다빈치에 따르면, 그것이 그가 그의 원고 페이지에 쓰는 것입니다. Leonardo의 입술에서는 대문자로 진실처럼 들립니다. 자신의 일생과 창조적인 유산으로 거듭 증명했기 때문입니다. 많은 독창적인 추측과 발명품을 포함합니다.
레오나르도에 대한 지식에 대한 억제할 수 없는 열망은 인간 활동의 거의 모든 영역에 영향을 미쳤습니다. 그의 생애 동안, 마스터는 자신이 음악가임을 증명할 수 있었고, 시인이자 작가, 엔지니어와 기계공, 조각가, 건축가이자 도시주의자, 생물 학자, 물리학자이자 화학자, 해부학과 의학의 전문가, 지질학자이자 지도 제작자. 천재 다빈치는 요리 레시피를 만드는 데에도 적용되었으며, 의류의 발달, 궁전 엔터테인먼트 및 정원 디자인을 위한 게임 편집.
Leonardo는 비정상적으로 다재다능한 지식과 광범위한 기술을 자랑할 뿐만 아니라, 그러나 또한 거의 완벽한 모습. 동시대 사람들에 따르면, 그는 키가 컸고, 잘 생긴 남자, 잘 지어지고 큰 체력을 부여받았습니다. Leonardo는 완벽하게 노래했습니다. 명석하고 재치 있는 이야기꾼이었으며, 리라를 연주하고 춤을 췄다. 절묘한 매너를 가지고 있었고, 예의 바르고 단순히 그의 존재만으로도 사람들을 매료 시켰습니다.
아마도 거의 모든 삶의 영역에서 그와 같은 보수적 다수의 조심스러운 태도를 갖게 된 것은 바로 이 비범한 성격 때문이었을 것입니다. 혁신적인 아이디어를 걱정스럽게 받아들입니다. 그의 천재성과 독창적인 사고를 위해, 그는 반복적으로 이단자로 낙인 찍혔고 심지어 악마를 섬기는 혐의를 받기까지 했습니다. 분명히 이것은 기초를 부수고 인류를 앞으로 이끌기 위해 우리 세상에 오는 모든 천재의 운명입니다.
말과 행동으로, 과거 세대의 경험을 부정하고, 위대한 화가는 "화가의 그림은 다른 사람의 그림을 영감으로 삼는다면 완벽하지 않을 것"이라고 말했습니다. 이것은 다른 모든 지식 영역에 적용되었습니다. Leonardo는 인간과 세계에 대한 아이디어의 주요 원천으로서 경험에 큰 관심을 기울였습니다. “지혜는 경험의 딸이다. "라고 예술가는 말했다. 책만 공부한다고 해서 얻을 수 있는 것이 아니라, 글을 쓰는 사람들은 사람과 자연 사이의 중개자에 불과하기 때문입니다.
각 사람은 자연의 자녀이며 창조의 면류관입니다. 그는 세계를 알 수 있는 셀 수 없는 가능성을 가지고 있으며, 그의 몸의 모든 세포와 불가분의 관계가 있습니다. 세계 탐험을 통해, 레오나르도는 자신을 알고 있었습니다. 많은 미술사가들을 괴롭히는 질문은 다빈치에게 더 관심이 가는 것, 즉 회화인가 인지인가입니다. 그는 결국 누구였을까 – 예술가, 과학자 또는 철학자? 대답은 본질적으로 간단합니다. 진정한 창조주처럼 Leonardo da Vinci는 이러한 모든 개념을 하나로 조화롭게 결합했습니다. 결국, 그림을 배울 수 있고, 붓과 물감을 소유할 수 있고, 그러나 이것은 당신을 예술가로 만들지 않을 것입니다. 진정한 창의성은 세상에 대한 감정과 태도의 특별한 상태이기 때문입니다. 우리의 세계는 보답할 것입니다. 뮤즈가 되다, 그 비밀을 발견하고 그를 진정으로 사랑하는 사람만이 사물과 현상의 본질을 꿰뚫어 볼 수 있습니다. 레오나르도가 살았던 방식에서, 그가 한 모든 일에서, 열렬한 사랑을 하고 있는 사람임이 분명했다.
마돈나의 이미지
작품 "수태고지"(1472-1475, 지붕 창문, 파리)는 경력 초기에 젊은 화가가 썼습니다. 성모 영보 대축일을 묘사한 그림은 피렌체에서 멀지 않은 수도원 중 하나를 위한 것이었습니다. 그녀는 위대한 Leonardo의 연구원들 사이에서 많은 논쟁을 불러 일으켰습니다. 특히 그 작품이 작가의 완전히 독립적인 작품이라는 사실과 관련이 있습니다. 꼭 말해야겠습니다, 저자에 관한 그러한 논쟁은 Leonardo의 많은 작품에서 드문 일이 아닙니다.
98 x 217 cm의 인상적인 크기의 나무 패널에서 수행되었습니다. 작품은 대천사 가브리엘이, 하늘에서 내려온 사람, 마리아에게 아들을 낳을 것이라고 말한다. 예수님께서 부르실 사람입니다. 전통적으로 그 당시 마리아는 이사야서의 예언의 바로 그 구절을 읽고 있었다고 믿어집니다. 그것은 미래의 성취를 언급합니다. 이 장면은 우연히 봄 정원을 배경으로 묘사되지 않았습니다. 대천사의 손과 발 아래의 꽃은 성모 마리아의 순결을 상징합니다. 그리고 정원 그 자체, 낮은 벽으로 둘러싸여 있고, 전통적으로 우리는 하느님의 어머니의 죄 없는 이미지를 가리키며, 그녀의 성실함으로 인해 외부 세계와 차단되었습니다.
흥미로운 사실은 가브리엘의 날개와 관련이 있습니다. 나중에 완성된 것이 그림에서 확연히 구별됩니다. 무명의 예술가가 매우 조잡한 그림 스타일로 연장한 것입니다. 레오나르도가 묘사한 원래의 날개는 식별할 수 있었습니다. 훨씬 더 짧고, 아마, 실제 새의 날개에서 작가가 스케치했습니다.
이 작품에서는 자세히 보면, Leonardo가 저지른 몇 가지 실수를 찾을 수 있습니다. 아직 경험이 부족한 사람, 관점을 구축하는 것입니다. 그 중 가장 눈에 띄는 것은 마리아의 오른손, 그녀의 전체 모습보다 시각적으로 시청자에게 더 가깝습니다. 옷의 커튼에는 아직 부드러움이 없습니다. 너무 무거워 보이고 얼어붙어 보입니다. 돌로 만든 것처럼. 여기서 우리는 이것이 레오나르도가 그의 멘토 베로키오에게 가르친 내용임을 고려해야 합니다. 이 각도와 날카로움은 그 당시 예술가들의 거의 모든 작품의 특징입니다. 그러나 앞으로, 자신만의 그림 같은 리얼리즘을 찾아가는 길, Leonardo는 자신을 발전시키고 다른 모든 예술가를 이끌 것입니다.
그림 "Madonna Litta"(1480년경, 에르미타주, 세인트 피터스 버그), Leonardo는 거의 유일한 제스처를 사용하여 매우 표현력이 뛰어난 여성 이미지를 만들 수 있었습니다. 캔버스에서 우리는 사려 깊음으로 가득 차 있음을 봅니다. 부드럽고 평화로운 어머니, 그녀의 아이를 존경하고, 이 표정에 집중하는 것은 감정의 충만함입니다. 머리의 그런 특별한 기울기 없이, 그래서 주인의 많은 작품의 특징, 그는 수십 개의 준비 도면을 만들기 위해 몇 시간 동안 공부했습니다. 끝없는 어머니의 사랑에 대한 인상이 많이 사라졌을 것입니다. 마리아의 입가에 드리운 그림자만이 미소의 가능성을 암시하고, 그러나 이것이 얼굴 전체에 얼마나 부드러움을 주는지. 크기에서, 작업량이 매우 적고, 42 x 33 cm, 가정예배를 목적으로 했을 가능성이 큽니다. 물론, 15세기 이탈리아에서는 마돈나와 아이의 그림 같은 이미지는 꽤 인기가 있었고, 그들은 종종 부유한 시민들에 의해 주문되었습니다. 아마도, "Madonna Litta"는 원래 밀라노의 통치자들을 위한 마스터에 의해 쓰여졌습니다. 그 다음에, 여러 소유자 변경, 그녀는 개인 가족 컬렉션으로 이사했습니다. 작품의 현대적인 이름은 Litta 백작의 이름에서 따온 것으로, 밀라노에서 가족 화랑을 소유한 사람. 1865년, 다른 여러 그림과 함께 에르미타주에 그것을 팔았던 사람이 바로 그 사람이었습니다.
아기 예수의 오른편에는 언뜻 보기에 거의 보이지 않는 새끼가 숨어 있고, 기독교 전통에서 하나님의 아들과 그의 어린 시절의 상징으로 봉사합니다. 캔버스를 둘러싼 논쟁이 있고, 그림의 너무 선명한 윤곽과 어린이의 부자연스러운 자세로 인해 많은 연구자들이 Leonardo의 학생 중 한 명이 그림을 만드는 데 적극적으로 참여했다고 가정합니다.
첫 그림, 주인의 재능이 드러난 곳, 1483년경 "동굴 안의 마돈나(Madonna in the Grotto)"라는 그림이었다. 루브르 박물관, 파리). 이 구성은 밀라노 성 프란치스코 교회의 예배당 제단을 위해 주문되었으며 삼부작의 중심 부분이 되어야 했습니다. 명령은 세 명의 주인에게 나누어졌습니다. 그들 중 하나는 제단 이미지를 위해 천사의 이미지로 측면 패널을 만들었습니다. 다른 하나는 완성된 나무의 조각된 틀입니다.
성직자는 Leonardo와 매우 상세한 계약을 체결했습니다. 그림의 가장 작은 세부 사항을 규정하고, 의상의 모든 요소와 색상을 구현하는 스타일과 기술까지, 예술가가 한 발짝도 벗어나지 말아야 할 곳. 그래서, 아기 예수와 세례요한의 만남을 이야기하는 작품이 탄생했다. 액션은 동굴 뒤편에서 이루어지며, 헤롯 왕이 보낸 박해자들로부터 어머니와 아들이 피난처로, 그는 하나님의 아들에게서 그의 권세에 대한 직접적인 위협을 보았다. 세례자는 예수님께 달려갑니다. 손을 꼭 잡고 기도했다. WHO, 차례로, 손짓으로 그를 축복합니다. 성찬에 대한 침묵의 증인은 천사 우리엘입니다. 뷰어를 찾고 있습니다. 지금부터, 그는 요한을 보호하기 위해 부름을 받을 것입니다. 4명의 인물은 모두 하나의 전체를 구성하는 것처럼 그림에 너무 능숙하게 배열되어 있습니다. 나는 전체 구성을 너무 부드러움으로 "음악적"이라고 부르고 싶습니다. 캐릭터의 조화와 부드러움, 몸짓과 시선으로 뭉쳤다.
작가에게 주어진 이 작품은 매우 어렵다. 기간은 계약서에 엄격하게 명시되어 있으며, 하지만, 화가에게 자주 일어났던 것처럼, 그는 그 안에 머물 수 없었고, 법적 절차를 밟게 된 것입니다. 오랜 소송 끝에 Leonardo는 이 작곡의 다른 버전을 작성해야 했습니다. 현재 런던 국립 미술관에 소장되어 있는 우리는 그것을 "바위의 마돈나"로 알고 있습니다.
밀라노 수도원의 유명한 프레스코
밀라노 산타 마리아 델라 그라치에 수도원의 성벽 안에서 더 정확하게는 식당에서, 회화의 가장 위대한 걸작 중 하나이자 이탈리아의 주요 국보가 보관되어 있습니다. 전설적인 프레스코 "최후의 만찬"(1495-1498)은 4.6 x 8.8 m의 공간을 차지하며, 그리고 극적인 순간을 묘사합니다. 제자들로 둘러싸여 있고, 그리스도께서는 "너희 중에 한 사람이 나를 팔리라"라는 슬픈 예언을 하십니다.
화가, 항상 인간의 열정에 대한 연구에 매료된 사람, 평범한 사람들을 붙잡고 싶었고, 역사적 인물이 아닌, 사도들의 이미지에서. 그들 각각은 이벤트에 고유한 방식으로 응답합니다. Leonardo는 저녁의 심리적 분위기를 전달하기 위해 최대한 사실적으로 작업을 설정했으며, 참가자들의 다양한 캐릭터를 전달하기 위해 심리학자의 정확성으로 자신의 심리적 세계와 상충되는 경험을 폭로합니다. 그림 속 주인공들의 다양한 표정과 몸짓에서 놀람에서 격렬한 분노에 이르기까지 거의 모든 감정을위한 장소가 있습니다. 혼란에서 슬픔으로, 단순한 불신에서 깊은 충격까지. 미래의 배신자 유다, 전통적으로 모든 예술가는 이전에 일반 그룹과 분리되어 있었고, 이 일에 다른 사람들과 함께 앉아 우울한 표정과 그림자로 자신을 분명히 구별하고, 마치 그의 몸 전체를 감싸듯. 그가 발견한 황금비의 원리에 비추어 볼 때, Leonardo는 수학적 정밀도로 각 학생의 위치를 확인했습니다. 열두 사도는 모두 거의 대칭적인 네 그룹으로 나뉩니다. 중앙에 있는 그리스도의 모습을 강조합니다. 그림의 다른 세부 사항은 캐릭터의 주의를 산만하게 하지 않도록 설계되었습니다. 그래서, 테이블을 의도적으로 지나치게 작게 만든 경우, 그리고 방 자체, 식사가 이루어지는 곳, 간단하고 간단합니다.
최후의 만찬 작업 중, Leonardo는 페인트로 실험을 수행했습니다. 하지만, 안타깝게도, 그는 토양과 페인트의 구성을 발명했습니다. 그는 기름과 템페라를 결합하여 완전히 불안정했다. 이것의 결과는 글을 쓴 지 불과 20년 만에, 작업은 빠르고 돌이킬 수 없이 악화되기 시작했습니다. 안정적인, 프레스코화가 있던 방에 나폴레옹의 군대가 마련한 이미 존재하는 문제를 악화시켰습니다. 결과적으로, 이 기념비적인 캔버스는 거의 역사 초기부터 현재에 이르기까지 복원 작업이 진행되었습니다. 그것 덕분에 여전히 그것을 보존할 수 있습니다.
긴 인생을 시작하면서, Ciu Leonardo da Vinci는 스무 개 이하의 그림을 그렸습니다. 그 중 일부는 미완성으로 남아 있습니다. 그러한 번식력, 당시에 놀라운, 고객을 안심시키지 않고, 그러나 주인이 그의 그림을 작업하는 데 사용했던 서두르지 않음은 완전히 대명사가 되었습니다. 산타 마리아 델레 그라치에 수도원 수도사의 회상, 그는 유명한 프레스코 "최후의 만찬"에서 화가의 작품을 관찰했습니다. 다음은 그가 레오나르도의 작업일을 설명한 방법입니다. 이른 아침에 화가는 그림 주변에 우거진 숲을 올라갔습니다. 밤늦게까지 붓을 떼지 못하고, 음식과 휴식을 완전히 잊어 버립니다. 그러나 다른 시간에, 그는 몇 시간을 보냈고, 날, 그의 창조물을 자세히 살펴보면, 한 번도 바르지 않고. 안타깝게도, 주인의 모든 노력에도 불구하고 실패한 실험과 재료로 인해 밀라노 수도원의 프레스코는 예술가의 가장 강력한 실망 중 하나가 되었습니다.
신비한 모나리자
그에 대한, 그림 "모나리자" 그의 인생에서 큰 자리를 차지했습니다. 그 유명한 캔버스를 쓰는 순간부터 그의 삶이 끝날 때까지, Leonardo는 그와 분리 할 수 없을 것입니다. 그의 가장 소중한 보물처럼. 77x53cm에 불과한 이 작은 사이즈의 사진이 만드는 그 장엄한 감동의 비결은 무엇일까요? 수백만 명의 관중이 한 번 이상 본 사람이 수세기 동안 궁금해했습니다.
Leonardo da Vinci의 녹음에서이 초상화에 대한 언급이 하나도 없다는 것은 매우 놀라운 일입니다. 정보가 없습니다, 그에게 캔버스 작업을 의뢰한 사람도, 그에게 모델이 된 사람도, 창조 과정이 어떻게 진행되었는지도 모릅니다. 아티스트, 평생을 기록해 온 사람, 한 번도 올빼미가 가장 위대한 창조물이라고 말한 적이 없습니다.
증빙서류는 전혀 없으며, 그러나 전문가의 탐구하는 마음은 그들의 추측에서 엄청나게 발전했습니다. 다른 시간에, 공작 부인 마투이 이사벨라 데스테, 당시 레오나르도가 작업한 초상화는 그 다음에는 파시피카 브란다노(Pacifica Brandano)라는 피렌체의 여주인이 있었습니다. 그는 고귀한 후원자 Giuliano Medici의 정부였습니다. 캔버스의 히로인 후보가되었습니다. 많은 연구자들은 모델이 전혀 없었다고 주장하지만, Leonardo는 여성의 완벽한 집단적 이미지를 만들었습니다. 다른 사람들은 그가 기억에서 어머니의 모습을 재현했다고 확신합니다. 또 다른 사람들은 이것이 여성복을 입은 청년이라고 주장하지만, 전학생, 그리고 아마도 화가 자신의 연인인 Jnan Giacomo Kaproti, 지난 26년 동안 레오나르도와 함께한 사람(참고로, 그에게 그림을 물려준 것은 예술가였다.) 잘, 마지막, 가장 인기 있는 버전 중, 모나리자는 레오나르도 다빈치 자신의 자화상이라고 합니다.
절대적으로 모든 추측에는 실제 증거가 없습니다. 공식 버전도 있습니다. 이 그림은 부유한 피렌체 상인 프란체스코 델 지오콘도(Francesco del Giocondo-Lisa Gerardini)의 아내를 묘사하고 있다고 명시되어 있습니다. 그림이 만들어진 정확한 날짜도 알 수 없지만, 모나리자에 대한 작업은 1503년에서 1513년 사이에 이루어진 것으로 믿어집니다. 아마도, 미래의 "모나리자", 다음은 Lisa Gerardini입니다. 그녀가 약 24세였을 때 포즈를 취했습니다. 접두사 "모나", 다시, 아마도, "마돈나"라는 단어의 약어에 지나지 않습니다. 이탈리아어로 "아가씨, 정부."
되살아난 이미지
전체 르네상스를 위해, 인간은 자연의 면류관으로 선포되었으며, 가장 완벽한 창조물. 결과적으로, 그리고 회화에서, 모든 것에서 자연을 닮고자 하는 사람을 묘사하는 능력은 예술가의 기술의 진정한 지표가됩니다. 게다가, 모델의 외형적 특징뿐만 아니라 특징을 전달하는 것이 중요했습니다. 가장 중요한 것은 인물의 개성을 드러내는 능력이었습니다. 여기에서 질문과 검색이 시작됩니다. 보이지 않는 것을 보여주는 방법, 캐릭터에 내재된 기질과 숨겨진 영적 특성을 그림으로 전달하는 방법은 무엇입니까?
레오나르도, 물론이야, 이 질문에 대한 자신의 대답이있었습니다. 작가는 영웅의 심리 상태를 반영하는 제스처로 영웅을 쓰라고 조언했습니다. “인물들이 특정한 몸짓을 하지 않는다면, 그리고 몸의 지체로 그들의 영혼을 표현하고자 하는 사람들, 그런 다음 이 인물들은 두 번 죽었습니다. 그림 자체가 살아 있지 않기 때문에 대부분 죽은 것입니다. 그러나 그것은 생명이 없는 생명체의 표현일 뿐이며, 움직임(제스처)의 활력이 함께 하지 않는다면, 그들은 한 번 더 죽은 것으로 밝혀졌습니다. "주인은 생각했다.
동시에, 복잡한 각도와 복잡한 움직임에 의존할 필요가 없습니다. 화가 자신은 결코 그렇게 하지 않았다. Leonardo는 외부 움직임이 거의 없는 상태에서 이미지의 채도와 깊이를 만드는 데 숙달의 높이를 달성할 수 있었습니다. 모나리자의 얼굴은 특별한 표정을 주는 미묘한 미소로 빛납니다. 초상화에서 바라보는 여성에서, 모든 것이 간단합니다. 자연스럽고 동시에 매우 신비롭습니다. 그녀는 무언가를 생각하거나, 또는 무언가를 기억합니다. 레오나르도가 만든, 과장 없이, 살아있는 사람의 완전히 살아있는 얼굴. 그는 그림을 그리지 못했지만, 캔버스에 그의 모델을 재현하기 위해 무서울 정도로 발랄하고 감동적인 이미지를 드러낸다. 보는 사람이 모나리자를 보고 있는 것은 아닌 것 같고, 그러나 그녀 자신은 그를 깊은 눈으로 바라보며, 의미있는 모습. Many argue that, being in the same room with the picture, it seems that the look of "Mona Lisa" is always directed at the viewer, wherever he moves. Some also claim that Gioconda’s face changes, depending on how you look at her. It turns out that this is not a picture, but the real presence of a heroine created by the greatest genius of Leonardo da Vinci.
타의 추종을 불허하는 장인 정신
How did the painter manage to create such an amazing effect? How to make your own life a layer of paints on a flat surface of a wooden panel? What kind of magic did Leonardo use, using only a brush and a palette, so that millions of viewers believed in the “Mona Lisa”, as in real?!
Art historians have carefully studied the picture. If we talk about the technique of its execution, then it should be noted that the work is made of almost transparent, unusually thin layers of applied color that cover the original drawing. When the previous coating dried, the master imposed the following, 그래서, many, many times, showing enviable patience and virtuosity.
The result of such painstaking work, this unusually multi-layered painting, was such a smooth transition of some colors to others that the original contour lines of the picture seemed to be dissolved. And it is precisely this lack of boundaries between light and shadow that gently merge with each other and create a sense of living volume. Another incredible achievement of Leonardo was an unprecedented picture of the thickness of air unprecedented for painting at that time. The artist fills the space of the picture with a barely noticeable haze, thanks to which depth appears in the work.
This effect of haze, diffused soft light, Leonardo called the Italian term "sphumato". The brush strokes of the artist were so small that neither an x-ray nor a microscope made it possible to detect any traces of his work or to determine the number of layers of paint applied. For hundreds of years, many artists have tried to repeat Leonardo’s technique, but none of them succeeded. Until now, "Mona Lisa" is considered unsurpassed in terms of painting techniques.
And all this despite the fact that we have the opportunity to see a rather altered picture. The masterpiece of the great Leonardo has been for many years, during this time some changes have occurred, in particular in the color palette of the canvas. The first biographer of the painter Giorgio Vasari, who lived in the 16th century, in his descriptions of the work admires raspberry shades in the colors of the palette used to write the face of Lisa Gerardini. 오늘, nothing like this can be seen in the picture.
The color ratio in the picture was also affected by the varnish coatings, which after Leonardo were applied to the surface of the masterpiece to ensure its better preservation, and they also created a cloudy effect. Now we are looking at the image of a lady who seems to shine through the thickness of sea water. The composition of the painting also underwent changes – two columns were completely lost, which were previously located on the sides of the main figure. But these architectural elements completely changed the perception of the composition, because thanks to them it was immediately clear that the heroine of the picture was sitting on the balcony of the track, and was not at all suspended in space, as it sometimes seems.
Laws of harmony
When creating a masterpiece, Leonardo naturally used the law of the "golden ratio" he discovered. All elements of the picture are located in a strictly defined way. They follow the law of divine, harmonious proportion. The figure of the Mona Lisa is correlated with the rule of the "golden triangle" with mathematical precision, perfectly matching all parts of the regular star pentagon. From the point of view of the viewer, which distinguishes surrounding objects in form, this is very important, although not recognized by the person himself.
Very often, intuitively, we find attractive and are attracted to those forms that obey the law of proportion. Ancient sages and masters knew this, and modern scientists have proved experimentally. This law is valid not only for painting, but also for psychology, industrial design. The creation of forms and images for modern advertising is based on the law of harmony, we just don’t know about it and don’t think about it.
The magic of true art
You can write a lot about the magic and incredibility of Leonardo’s masterpiece, but words are just words, to understand what “Mona Lisa” is, you need to see it. Just by looking into her eyes, you can feel everything that art critics, critics and ordinary people write about her.
안타깝게도, photographs and reproductions erase life from the face of the Mona Lisa, and the magic of her image disappears without a trace. Photography gives only a general idea of the work, it is only a hindrance for those who want to enjoy communicating with living creations. Photography is only a mediator, like any reasoning about a masterpiece of numerous art historians. Not a single book will tell you about what the stationary Gioconda will personally tell you. As the great creator of the picture himself said:"Who can go to the source, should not go to the jug." No knowledge will help to feel, in communication with true, living works of art you need only your own mental sensitivity. In a meeting with "Mona Lisa" everyone will have to look for a clue to her secret. It’s proven that in different people it evokes a variety of feelings and associations, someone revives personal memories, someone suggests. Some Sure that it is sad, others that pensive, the third it seems crafty, and even sinister to someone. 잘, someone will decide that she does not smile at all, and all her mystical mystery is fiction.
Reflection of the great Leonardo
A popular fact is that when Leonardo’s self-portrait is applied to the image of Mona Lisa, the upper part of the face will almost completely coincide with a scientific point of view. Art historians say that as the Creator put his soul into man, the painter puts a part of himself in his creation. Feeling how incredibly strongly he is literally connected with each of his own works, Leonardo da Vinci repeatedly argued that “the created figures very often resemble their masters. This happens because our judgment is what moves our hand in creating all the outlines of this figure. "
Looking at a work of art, the observer not only sees what is depicted on it. The most important thing that happens is that he comes into contact with the inner world of the painter and recognizes himself. Perhaps, 그러므로, the restrained, almost ephemeral smile of Gioconda has been exciting the hearts and minds of people with its incomprehensibility for so much time? It senses all the wisdom of knowledge of the true nature of surrounding objects, accumulated by Leonardo da Vinci. Perhaps, through his beloved brainchild, the artist himself looks at us with a slight grin. It seems that all the experience of the world, embodied in the form of a woman, is collected in this small portrait. To penetrate into the secret of the Mona Lisa is the same as to comprehend the genius of its creator.
And in Rome, and in Milan, and in his last refuge, the French Amboise, Leonardo never parted with this canvas. And after his death, he bequeathed "Mona Lisa" to his assistant and student, who soon sold the painting to the ardent admirer and last patron of the master, the French king Francis I.
Entire generations of monarchs admired the painting at Versailles, until Louis XV ordered to move it to the vault of the palace. After the French Revolution, Napoleon moved the masterpiece to his private bedroom in the Tuileries Palace. 나중, "Mona Lisa" came to the museums of Napoleon in the Louvre. Where she was abducted from on August 21, 1911. The kidnapper was an Italian who immeasurably revered the works of a great master, named Vincenzo. He dreamed of returning the canvas to the artist’s homeland and for almost three years hid a masterpiece in his own house. All this time, until his return to the Louvre, the Mona Lisa did not leave the covers of magazines and newspapers around the world. 그래서, already at the beginning of the 20th century, “Mona Lisa” became the most recognizable work in the history of world art, and debates and discussions about it continue to this day.
Look at yourself
Renaissance artists used to place the image of themselves somewhere in the depths of the paintings on which they worked. Perhaps Leonardo was no exception and portrayed himself in the role of a young shepherd in the preparatory drawing for the painting “Adoration of the Magi”. Among other things, it is believed that he often captured his features in order to study the proportions of the human face. 그럼에도 불구하고, all this is only speculation, which has no indisputable evidence. The only portrait of the artist whose authenticity is beyond doubt is “Self-portrait” (Royal Library, Turin), painted around 1515, measuring 33 x 21 cm, which is now printed in every illustrated publication dedicated to the life and work of Leonardo da Vinci.
One of the artists of the 16th century, Giovannp Lomazzo described him this way:"His head was covered with such long hair, and his brows were so thick and his beard so impressive that he seemed to be a true personification of the noblest scholarship that the ancient Prometheus and Druid Hermes used to be."
The master created his “Self-portrait” when he was already about sixty years old. Leonardo spent his whole life studying the world around him, nature and people, and now that his creative and life path was drawing to an end, the moment came to look at himself. The artist did this not just as they look in the mirror, but looked at himself from the perspective of an artist who can penetrate the deep essence of things and with confident movements of his hand capture what he sees and knows on a flat surface of a sheet.
This self-portrait, better than anything else, exposes the master not only to others, 하지만, first of all, to himself. Leonardo sketched a few lines with a piece of red sanguine, but it seems he could not be more honest. Only youth is the time for narcissism, maturity is no longer needed. Before us appears a man with the gaze of a sage, his features are harsh and at the same time calm. His image does not look like a weary old man, but rather a genius with incredible inner strength, whose soul is still full of passion. Leonardo is serious, focused, and as if full of determination. This quick drawing was able to convey the finished image, to which there is nothing more to add. The fate of the picture for a long time was not known. It was discovered only at the end of the 19th century, when the Italian monarch Karl Albert of Savoy bought it from an unknown collector and transferred it to the Royal Library of Turin for storage.
The great Leonardo da Vinci died on May 2, 1519. Centuries later, the master remains a symbol of the unlimited aspirations of the human mind, a creator, a genius and a seer, endowed with almost superhuman abilities. All attempts to penetrate the secrets that the artist left as a legacy to people are akin to the desire to understand the essence of art itself, as the highest manifestation of man.
<작은> Zhuravleva Tatyana
