안타깝게도, 가장 위대한 예술가 Alessandro da Marianno Vanni di Amedeo Filippepi의 삶에 대한 믿을만한 사실은 거의 없습니다. Sandro Botticelli라는 이름으로 우리에게 알려져 있습니다. 알레산드로는 1445년 피렌체에서 태너인 마르파노 필리페피와 그의 아내 에메랄다 가문에서 태어났다고 알려져 있다. 이미 세 명의 아들 Giovanni를 가졌던 시몬과 안토니오. Alessandro가 "Botticelli"( "통")라는 별명을 얻은 방법에 대한 정확한 정보는 없습니다. 그의 중간 이름이되었습니다. 아마도 이것은 그의 부모가 가족이나 그의 형 중 한 명에서 그를 불렀던 것입니다. 위대한 예술가의 어린 시절에 대한 빈약한 사실은 무두질의 넷째 아들이 매우 관찰력 있게 자랐다고 말할 뿐입니다. 호기심이 많은, 하지만 고통스러운 소년.
열세 살쯤, 산드로는 동생 안토니오의 지도 아래 보석을 공부하기 시작했고, 자신의 작업실을 갖고 있던 사람. 보석 예술, 스케치 단계에서 미래 제품의 모든 세부 사항을 세심하고 세심한 드로잉으로 그 청년의 마음을 사로잡고 그의 진정한 소명을 이해하도록 도왔습니다. 그래서, 이미 1460년대 초, 보티첼리는 당대 가장 유명한 이탈리아 화가 중 한 사람의 작업실을 방문하기 시작했습니다. 프라 필리포 리피(Fra Filippo Lippi, c. 1406-1469).
Fra Filippo는 풍부하고 특이한 전기를 가지고 있었습니다. 10년 이상 동안 그는 가르멜 수도사들의 명령을 받았습니다. 1431년에 그에게 버림받았습니다. 이미 유명한 예술가, 리피, 1456년, 젊은 수녀 Lucretia Buti에 대한 무한한 열정에 불을 붙였습니다. 그는 그녀와 결혼하기 위해 프라토의 수녀원에서 사랑하는 사람을 납치했습니다. 화가의 수호성인의 전구 덕분에, 코시모 데 메디치 공작, 신혼 부부는 상대적으로 안전하게 살 수있었습니다. 그런 특이한 삶은 주인의 성품에 눈에 띄는 각인을 남겼고, 그는 자유로운 사고와 완벽함과 발견에 대한 끊임없는 열망으로 구별되었습니다. 아이러니하게도, Lippi와 Lucretia Filippino의 아들, 산드로가 어려서부터 알고 지냈던 사람, 후에 그의 제자가 되었다.
조르지오 바사른, Botticelli의 전기 편집에 참여한 사람, "그는 스승의 추종자가 되었고 그를 너무 많이 모방하여 Fra Filippo가 그를 사랑했고 곧 아무도 생각할 수 없을 정도로 그를 키웠습니다." 안타깝게도, 이것은 예술가의 삶의이 기간에 대한 유일한 정보입니다.
Filippo Lippi의 혁명적인 작품 "The Madonna under the Veil"(1465, 우피치 갤러리, 피렌체), 피렌체 교회 중 하나의 제단 이미지로 그렸습니다. 이탈리아 르네상스 미술 역사상 처음으로 피렌체에서 온 젊은 여성이 하느님의 어머니의 모습으로 등장했습니다. 젊은 보티첼리를 너무 많이 놀라게 해서 그런 캔버스를 많이 만들었습니다. Sandro는 그의 작품 "천사와 함께한 마돈나와 아이"(1465-1467, 교육원 갤러리, 피렌체). 이 그림은 Lippi의 구성을 완전히 반복하며, 모든 세부 사항을 절대적으로 정확하게 재현하고, 마돈나의 머리를 덮고 있는 베일의 주름 위치까지. 매우 유사한 구성에는 예술가의 다른 여러 작품이 있습니다.
교사의 구성을 복사하여, 젊은 예술가는 그의 작품에 새로운 억양을 도입했습니다. 마돈나에 대한 그의 이미지는 더 사려 깊고 평화 롭습니다. 캔버스의 영웅들로부터 시청자를 산만하게하지 않기 위해, Botticelli는 복잡한 풍경 배경을 포기했습니다. 이미지에 집중하고, 신성한 위대함과 비정상적으로 서정적인 색채의 그늘을 지니고, 많은 작가의 초기 작품의 특징이 되었습니다.
리피의 그림의 정확성과 정교함을 충분히 이해하고, 캐릭터의 감정 상태를 전달하는 방식을 채택하고, 산드로는 1467년 그의 작업장을 떠났고, 스물두 살 때. 그러나 화가는 이것에 대한 훈련을 마치지 않았습니다. 자신의 능력을 확장하고 향상시키기 위해, 젊은 화가는 Andrea Verrocchio의 작업장을 방문했습니다. 유명한 이탈리아 조각가, 화가이자 보석상, 그의 학생은 Leonardo da Vinci와 Pietro Perugino를 포함했습니다.
그가 리피 보티첼리에게 선의 거장을 배웠다면, Verrocchio에서 그는 가벼운 공기 모델링을 통해 특별한 분위기를 만드는 기술을 채택했습니다. 여러 선생님들로부터 빌려온 지식의 도움으로, 산드로는 묵주기도의 마돈나(Madonna in Rosary, 1470년경, 우피치 갤러리, 피렌체), 로지아의 마돈나(1467년경, 갤러리 우피치, 피렌체)와 아기와 두 천사가 있는 마돈나”(1468-1469, 카포디몬테 박물관, 나폴리). 캔버스에 있는 모든 이미지는 비정상적으로 차분하고 숭고하게 정교하며, 그리고 작품의 구성 구성이 매우 사려깊습니다.
작가의 초기 그림은 복잡한 흑백 조형이 없다는 점에서 구별됩니다. 그들에서 주도적 인 역할은 표현 충동이 부여 된 그림에 부여됩니다. 단 한 줄의 도움으로, 보티첼리는 그의 신성한 기도의 흠 없이 깨끗하고 밝은 얼굴을 드러내고 변형시킨 것처럼, 세련미를 강조하고, 귀족과 다른 사람의 소유, 더 고귀한 세상. 이 이미지들을 작업하면서 화가는 현실 세계를 보여주려 하지 않았고, 그러나 어떤 이상적인, 상상 속에만 존재했던 꿈의 나라. 이미 Botticelli의 첫 번째 독립 작품에서 매혹적인 플라스틱이 나타났습니다. 이것은 화가의 개별 스타일을 영원히 결정할 것입니다.
무료 수영
1469년에 그의 마지막 스승을 떠나고, 보티첼리는 아버지 집에 자신의 작업장을 차리고, Santa Maria Novella의 Via Maria Novella 지역에 위치했습니다. 이 기간 동안, 예술가는 그의 유명한 제단화 "암브로조의 제단"("성녀 막달라 마리아와 함께 있는 성모님과 아기"로도 알려짐)을 만듭니다. 세례 요한, 프랜시스, 알렉산드리아의 캐서린, 코즈마와 데미안", 1467-1470, 우피치 갤러리, 피렌체).
그림의 구성은 그 당시에 매우 전형적이며 "아기 경배"라는 성경 주제의 변형입니다. 아기를 안고 있는 마리아가 캔버스 중앙에 앉아 있고, 성도들이 있는 곳. 위대한 순교자 코즈마와 다미안이 아기 예수와 그의 어머니를 숭배하는 사람들이라는 사실은 그 그림이 당시 피렌체의 메디치 가문에서 의뢰했을 수 있음을 시사한다. 그들의 천상의 후원자들은 이 성도들이었다. 보티첼리가 그림의 색상 구성을 계산한 수학적 정확성이 놀랍습니다. 빨간색을 능숙하게 배포하고, 바이올렛 블루, 파란색과 갈색 색상이 인상적입니다. 밝은 악센트를 사용하여, 작가는 주인공 마돈나의 인물을 강조 표시했습니다. 아기 예수, 코즈마와 데미안. 동시에, 캔버스의 건축적 배경은 평면적이고 연극적이며, 관점이 완전히 없기 때문입니다.
1470년에 산드로 보티첼리(Sandro Botticelli)가 마침내 그의 혹시, 첫 공식 주문. "힘"의 우화적 이미지를 묘사한 캔버스(우피치 미술관, Florence)는 그림 "덕"의 순환에 들어가게 되었고, 상업 법원의 주요 법정에서 의자 등받이를 장식하도록 설계되었습니다.
이 순서는 예술가의 경력에 큰 역할을했으며, 그가 메디치 가문과 가까운 피렌체 화가들의 모임에 들어가도록 허락했기 때문이다. 보티첼리가 연주했고, 그 시대의 취향에 초점을 맞춘다. 그는 이미지가 도덕적 힘을 의인화하는 여성 인물을 캔버스에 묘사했으며, 꽤, 결단력보다는 일종의 우울한 사려깊음. 보티첼리의 해석에 나타난 '힘'의 알레고리, 이상하게도, 절대 용감한 에너지를 가지고 있지 않습니다. 게다가, 고개를 살짝 기울이는 그녀의 모습, 힘없이 지팡이를 쥔 손의 우아한 움직임으로 강조, 내부 연약함의 느낌을 만들고, 그리고 심지어 부서짐. 작품의 여주인공이 편안한 의자에 앉아 있음에도 불구하고, 그녀의 포즈는 여전히 불안정한 인상을 줍니다.
주름의 해석에서, 여성 인물의 일반적인 모델링과 왕좌의 장식 요소에 대한 세심한 연구, Verrocchio의 영향이 명확하게 읽힙니다. 그러나 이미 이 그림에서 아주 어린 주인에 대한 그들 자신의 "예술적 발견"도 나타납니다. 얼굴을 만드는 섬세함과 특별하고 우아한 플라스틱 움직임.
많은 르네상스 예술가들처럼, 보티첼리는 종종 그의 영웅들에게 배신당했습니다. 그가 아는 사람들, 즉 친구, 고객, 그리고 아마도 연인. 예를 들어, 그림 "힘"의여 주인공을 알아 차리지 않는 것은 어렵습니다. 제단 이미지 "마돈나와 두 천사를 가진 아기"에서 성모 마리아, 제단화 "Sant'Ambrogio의 제단"의 성 캐서린뿐만 아니라 비정상적으로 비슷합니다. 미술사가들은 이 모든 작품에 대해 작가는 당시 피렌체에 살았던 것과 동일한 실제 모델을 사용했습니다.
이미 동시대인들 사이에서 어느 정도 인정을 받았지만, 1472년 보티첼리는 성 루가 길드에 가입했고, 그리하여 자신을 자유의 주인으로 선언합니다. 예술가는 조수와 견습생을 모으는 큰 워크샵을 열었습니다. Filippino Lippi는 그의 첫 번째 학생 중 하나였습니다.
1470년에서 1472년 사이, 보티첼리는 소위 "성체의 성모"(Isabella Stewart Gardner Museum, 보스턴). <마돈나와 두 천사를 품은 아이>의 구성을 거의 완벽하게 반복하며, 작가는 플롯의 상징적 해석에 집중했다.
아기를 안고 있는 마돈나는 건축 요소 뒤에 보이는 풍경을 배경으로 서 있습니다. 세례 요한이 그들 앞에 서서 옥수수와 포도 이삭이 달린 접시를 손에 들고, 그리스도의 속죄 희생의 상징으로 봉사합니다. 이러한 요소의 그림에 존재하는 이름을 부여했습니다. 종교적인 상징성이 있지만, 그 당시의 예술에서 매우 흔한, XV-XVI 세기의 작품에서 매우 일반적입니다. 그것은 보티첼리의 작품과 그의 그림의 배경에 있는 풍경 배경의 전형이 아니었습니다. 아마도 이러한 요소는 레오나르도 다빈치의 초기 그림에서 영감을 얻었을 것입니다.
캔버스 "성 세바스찬"(1473, 주립 박물관, 베를린)은 보티첼리가 산타 마리아 마조레 교회를 위해 만들었습니다. 작품은 고전적인 전통에 따라 만들어지므로, 피렌체 사람들은 긍정적으로 받아들입니다. 다음 해, 성 세바스찬의 날, 그림은 그것이 만들어진 교회의 기둥에서 일반 대중에게 제시되었습니다. 사실 예술가는 그의 고향에서 어떤 명성을 얻었습니다. 1474년에 화가가 캄포산토 묘지에 벽화를 그리기 위해 피사로 초청되었다는 증거가 있다. 피사 대성당 옆에 위치. 이유는 알려져 있지 않지만, 그러나 보티첼리는 의무를 다하지 않고 피렌체로 돌아갔다.
장엄한 후원자
위대한 화가의 운명에 결정적인 역할을 한 것은 그의 최고의 작품 중 하나인 "동방 박사의 숭배"(1473, 우피치 갤러리, 피렌체), 은행가 Giovanni (Gaspra) di Zanobi Lamy가 의뢰했습니다. 참으로 아름다운 작품은 라미 예배당을 장식하기 위함이었고, 마리아 노벨라 유적지 교회에 있습니다. 고객은 피렌체에서 매우 영향력 있는 사람이었고 메디치 가문의 대표자들과 따뜻한 우호적인 관계를 유지했습니다. 화가가 묘사한 종교적인 장면의 영웅들 중에서, 이 성의 구성원의 노골적인 초상화가 있습니다. 은행가가 보티첼리를 메디치 궁정에 소개한 것으로 밝혀졌습니다. 그래서 예술가는 성서적 줄거리의 구성에 피렌체 엘리트 대표자의 그룹 초상화를 포함시킬 것입니다.
구성의 중심 위치, 수락된 모든 규범에 따라, 거룩한 가족-성모 마리아, 예수와 요셉. 그들은 메디치 가문의 3대를 대표하는 여러 줄로 둘러싸여 있습니다. 장엄한 로렌조와 보티첼리 자신과 가깝고, 아기에게 절하기 위해 온 사람. 캔버스의 모든 캐릭터는 다소 이상화되어 있으며, 꽤, 특정 인물의 암시, 그의 초상화 사본보다. 그럼에도 불구하고, 이것은 동시대 예술가들에게 충분했습니다.
예를 들어, 노인의 모습으로, 정중하게 유아의 다리를 만지고, 동시대 사람들은 고 코시모 메디치를 쉽게 알아볼 수 있었습니다. 보티첼리의 첫 전기 작가, 바사리, “그리고 우리는 노인에게서 특별한 표현력을 봅니다. WHO, 우리 주님의 발에 입맞추고 부드러움으로 녹이며, 그가 긴 여정의 목표를 달성했음을 완벽하게 보여줍니다. 이 왕의 모습은 코시모 데 메디치 장로의 전신 초상화이며, 오늘날까지 살아남은 모든 것 중 가장 활기차고 가장 유사합니다. "노인 옆에, 우리는 동방 박사가 예수님 앞에 무릎을 꿇고 있는 것을 봅니다. 이들은 Cosimo의 늦은 아들인 Giovanni와 Pierrot입니다. 그리고 그림의 왼쪽에는 Cosimo Lorenzo Medici의 손자가 있습니다. Lorenzo는 그의 가장 친한 친구인 철학자 Pico della Mirandola에 둘러싸여 있습니다. 그의 손으로 거룩한 가족과 시인 Lngelo Polppsapo를 가리키며, 로렌조의 어깨에 고개를 숙인 사람.
그룹의 중심에는, 캔버스의 오른쪽에 위치한 우리는 Lorenzo의 남동생을 봅니다. 그의 공동 통치자 인 Giuliano, 어두운 망토를 입고. 그의 뒤에는 노인이 있고, 아마도 철학자 Giovanni Argiropulo, 철학자 바로 위에는 파란 옷을 입은 노인이 있고, 손가락으로 자신을 가리키며 - 이것은 작업의 고객입니다. 은행원 램프. 보티첼리 자신이 그림의 전경에 있고, 황금빛 황토색 망토에 싸여 있다.
이 작품은 화가에게 명성을 얻었을 뿐만 아니라, 뿐만 아니라 피렌체에서 가장 고귀하고 영향력 있는 가문의 대표자들의 선의, 따라서 그를 격동의 역사적 사건에 연루시킨다. 언제, 4월 26일, 1478년, 피렌체 대성당에서 엄숙한 미사 중에 나치 가문 출신인 그는 메디치 형제에 대한 거의 성공적인 암살 시도를 했습니다. 결과적으로, 줄리아노 사망 그리고 로렌조, 비록 그가 살아 남았지만, 급히 도시를 탈출해야 했다.
나중, 로렌츠 메디치가 완전히 자신의 위치를 되찾았을 때, 그는 먼저 국가의 모든 가족 구성원을 체포하고 처형하도록 명령했습니다. 누구에게도 예외 없이. 그 다음에, 메디치는 보티첼리에게 그의 궁전의 처형된 벽의 초상화를 그리라고 명령했고, 감히 그의 가족 대표의 삶을 침해하는 사람들에 대한 경고로. 순서의 이상함에도 불구하고, 그는 화가의 명성을 높이는 데 도움을 주었습니다. 따라서 Lorenzo 자신의 특별한 배치를 받았습니다. 이 놀라운 벽화는 우리 시대에 이르지 못했습니다.
앞으로 몇 년 동안, 보티첼리는 그의 새로운 후원자들의 수많은 주문에 독점적으로 관여했습니다. 거장의 작품 대부분은 카스텔로의 호화로운 메디치 별장을 장식하기 위한 것이었다. 작가의 가장 유명한 두 작품 - "봄"(1478, 우피치 갤러리, 피렌체)와 "비너스의 탄생"(1484, 우피치 갤러리, Florence)는 산드로의 삶의 이 고요하고 풍요로운 시기에 속합니다.
그의 "봄"을 만들기 위해 노력하고 있으며, 작가는 Ovid의 시적 달력인 "Fasti"에서 영감을 얻었습니다. 작품의 복잡한 구성 구성은 개별적으로 배열된 여러 그룹으로 구성되며, 내부 움직임에 의해서만 상호 연결됩니다. 동시에, 이러한 세부 사항 덕분에 캔버스의 리듬뿐만 아니라 어느, 보이지 않는 음악처럼 작품에 스며들어 이미지는 하나의 전체가 됩니다.
그림의 오른쪽에는, Botticelli는 날개 달린 마시멜로를 찾았습니다. 님프 클로리스의 비범한 아름다움에 매료되어 바람의 신은 그녀와 강제로 결혼하기 위해 그녀를 사로잡으려 한다. 하지만, 그들의 행위를 회개하고 Zephyr는 사랑하는 사람을 Flora로 바꾸고, 같은 영웅 그룹에서 볼 수 있습니다. 화가는 변형이 시작되는 바로 그 순간을 포착합니다. 클로리스의 모습은 그의 다음 화신으로 합쳐지는 것 같습니다. 이 두 여성 인물의 옷은 마스터가 솜씨 좋게 칠해져 있다는 사실이 서로 다른 방향으로 펄럭이며, 이 두 이미지가 아직 연결되지 않았으며 그대로, 존재의 다른 공간에서.
젊고 아름다운 Flora가 쉽게 앞으로 나아갑니다. 말 그대로 섬세한 꽃으로 주변 공간 전체를 샤워, 봄이 오는 것을 상징합니다. 컴포지션의 중앙에는 짙은 녹지를 배경으로 우아한 금성의 모습이 있습니다. 그녀의 드레스는 최고급 원단으로 만들어졌으며, 금실로 꿰매었다. 그녀가 사랑의 여신이라는 사실, 그녀의 의상을 돋보이게 해주는 상징적인 고급스러운 진홍색 망토를 강조합니다.
캔버스 속 비너스의 이미지는 보티첼리의 해석으로, 이전에 그가 만든 성모 마리아의 이미지처럼. 그리스 여신의 얼굴은 슬픔을 표현하고, 겸손과 수줍음, 그리고 그녀의 머리 자체, 약간 오른쪽으로 기울어져 있고, 이러한 특성만을 강조하는 매우 얇은 가스 베일로 덮여 있습니다.
날개 달린 황금 눈의 큐피드는 금성 위로 솟아오르고, 그의 활에서 캔버스의 왼쪽에서 춤추는 신성하고 아름다운 은총의 그룹을 조준합니다. 백설 공주 실크 눈가리개, 장난꾸러기 꼬마의 눈에 묶여 정확한 샷을 하지 못하도록 설계되었습니다. 이 감동적인 캐릭터 덕분에 보티첼리는 우리의 주의를 세 명의 님프(상징적 의미는 오른쪽에서 왼쪽으로 읽고, 뷰티처럼, 순결과 쾌락), 천천히 빙글빙글 빙글빙글 도는 춤. 가느다란 몸은 늘씬한 비율을 강조했고, 우아하고 부드러운 움직임은 명확하게 구축 된 형태를 형성합니다. 리드미컬한 원형 운동. 세 은혜의 자형의 쉬운 회전과 굴곡, 그들의 손과 발의 우아한 연결은 춤의 앞으로의 리듬을 전달합니다.
소녀의 인물에 대한 가능한 모델은 미녀 Simonetta Vespucci와 Katerina Sforza입니다. 마지막은 아름다움으로 묘사됩니다. 숲속의 아름다움을 이미지로 만들고, 화가는 헤어 스타일의 이미지에서 독창성을 보여줍니다. 은혜 중 하나에서, 머리카락은 롤빵에 모이고, 다른 쪽에서는 가벼운 파도로 어깨에 흐르고, 그리고 세 번째로, 등은 자유로운 황금빛 흐름으로 덮여 있습니다.
그림의 왼쪽 가장자리에는 딜러 옆에는 머큐리 신의 전령이다. 그의 시선, 하늘을 겨냥하고, 이 축복받은 낙원을 위협하는 뇌우에 시청자의 주의를 이끕니다. 가벼우면서도 자신감 넘치는 몸짓으로 그 청년은 그가 멋진 정원에 들어가는 것을 허락하지 않고, 촘촘하게 엮인 오렌지 나무 가지가 전체 작업의 단일 리듬을 강화하고, Botticelli는 비정상적으로 능숙하게 제작되었습니다.
작가는 그림에 묘사된 다양한 식물의 이미지에 세심한 주의와 정확성을 보였다. 그는 피렌체 근처에서 봄에 자라는 모든 것을 신중하게 연구했습니다. 그래서, 연구자들은 캔버스에서 50종의 허브와 꽃을 "식별"했습니다. Flora의 머리에 달린 화환과 그녀의 목걸이 수레 국화에서만, 데이지, 헬레 보어, 계곡의 백합, 머틀 잎, 대 수리, 잊어 버린 것, 석류 꽃, 양귀비 씨앗, 미나리, 제비꽃, 딸기의 꽃과 열매가 선명하게 보입니다.
이러한 사실은 보티첼리가 자신의 작품을 구성하는 복잡한 리드미컬한 결정뿐만 아니라, 뿐만 아니라 그들의 모든 세부 사항, 모든 배우들의 위치에 대한 미묘한 논리적 사려까지, 엄격한 규칙을 따릅니다.
마스터의 또 다른 걸작 - "비너스의 탄생", 약간 다른 방식으로 작성됩니다. 그림, 그것은 세계에서 가장 유명한 예술 작품 중 하나이며, 봄처럼, 예술가에게 영감을 준 시적인 원형이 있습니다. 그림의 문학적 랜드마크는 호메로스의 텍스트, Poliziano의 "Stans"와 Virgil의 작품.
'봄'과 달리 "비너스의 탄생"이라는 그림에서 우리는 에덴동산의 한 구석을 볼 수 없습니다. 울창한 초목에 의해 세상으로부터 숨겨져 있는 것처럼, 그러나 하늘과 바다의 열린 공간. 보티첼리는 이른 아침의 시대를 묘사하고, 방금 흩어진 밤 안개가 아름다운 금성을 세상에 선보였을 때. 아름다움의 여신, 바다의 거품에서 막 태어난, 거대한 조개껍데기에 서서 Zephyrs의 공격에 의해 해안으로 쫓겨났습니다. 지상의 아름다움의 모습은 의기양양합니다. 장미는 발 아래에서 날아가고, 그리고 여신 Oro는 그녀를 만나기 위해 서둘러, 젊고 아름다운 귀한 망토를 짊어지고 섬세한 꽃이 수놓아져 있습니다.
그림의 구성 구조는 매우 간단하고 명확합니다. 금성 그 자체가 이상적인 아름다움의 화신 역할을 하며, 그녀의 기능은 흠잡을 데 없이 조화를 이룹니다. 보티첼리의 많은 여성 이미지와 마찬가지로, 비너스의 얼굴에 슬픔의 그림자가 드리우고, 바람에 의해 발달된 금빛 머리카락으로만 강조됩니다. 여신의 전체 포즈는 Venus Pudik의 유명한 고대 동상과 비슷합니다(라틴어에서 - "겸허한, 순결한, 부끄럽다"), 메디치의 비너스라고도 합니다.
구성의 구성은 묘사된 모든 형태에 움직임을 부여하는 미묘한 선형 리듬에 의해 지배됩니다. 그들에게 볼륨을 부여하고 공간과 깊이의 환상을 만듭니다. 투명한, 차갑고 밝은 색, 옅은 색상 조합(바다의 옅은 녹색 톤, 금성의 황금빛 머리카락, 마시멜로의 파란 옷, 하얀 드레스와 그녀를 만나는 님프의 짙은 진홍색 망토), 작품에 특별한 조화와 표현력을 부여하십시오. 이 일, 봄처럼, 화가의 가장 유명한 그림 중 하나가되었습니다.
바티칸 승인
10월 27일, 1480년, 보티첼리, 아티스트 Cosimo Rosselli와 함께 피에트로 페루지노, 도메니코 기를란다이오, 다른 사람들은 로마로 여행을 갑니다. 교황 식스토 4세가 초청한 곳, "Great Chapel"의 프레스코를 장식하기 위해, 후에 시스티나라고 불렸다.
이때까지, 예술가의 영광은 이미 너무 커서 Sixtus IV는 그를 작업에 관련된 다른 화가의 머리로 삼았습니다. 동시대 사람들이 다른 어떤 작품보다도 작가의 연주곡 "일어나는 레위인의 형벌"을 정확히 높이 평가했다는 점을 감안할 때, “그리스도의 세 가지 시험”과 “모세의 청년기”, 이것은 정당화되었다. 주인의 프레스코화는 15세기의 가장 크고 엄숙한 기념비 앙상블 중 하나를 완벽하게 보완했습니다. 빠른 템포의 액션이 눈에 띈다. 이미지의 역동성과 감성.
웅장한 프레스코 "모세의 청년"(1480-1482, 시스티나 예배당, 로마)는 주인의 가장 기념비적인 작품 중 하나이며 구약의 인물 모세의 이야기를 들려줍니다. 그의 임무는 이집트에서 유대인을 제거하는 것이었다. Botticelli는 성서 영웅의 삶에서 여러 장면을 묘사했습니다. 그것은 다른 시간에 발생했으며 하나의 구성에 예술가에 의해 포함되었습니다. 그림의 구성에 대한 이러한 접근 방식은 초기의 유명한 기념비적 예술 사례에 대한 화가의 매력을 나타냅니다. 작품의 사건은 오른쪽에서 왼쪽으로 전개됩니다. 여기서 모세는 이집트인을 죽입니다. 그 다음에, 파라오의 복수에서 도망치고, 그가 미디안 땅에 이르러 요셉의 딸들에게 양을 먹이는 일을 돕습니다. 그 다음에, 모세가 신을 벗고 불타는 떨기나무로 가는데 주님께서 그를 부르신 곳, 그에게 그의 백성의 포로로부터의 구원의 사명을 부여합니다. 마지막 에피소드는 이스라엘 자손의 이집트 탈출을 보여줍니다. 구성이 과도해 보이지만, 각 장면은 일반 시리즈에서 쉽게 골라낼 수 있습니다. 모든 이미지는 매우 조건부로 예술가의 큰 상상력으로 해석됩니다. 관객은 많은 영웅들이 현대 보티첼리 의상을 입고 있는 다소 이상화된 고대 세계를 보게 됩니다. 모든 캐릭터 이미지는 조화롭고 아름답게 강조됩니다.
프레스코 "레위인의 형벌"(1481-1482, 시스티나 예배당, 로마)는 여러 장면으로 구성되어 있습니다. 왼편에는 레위인이 있고, 모세를 돌로 치려는 자, 그리고 대제사장 아론의 향로를 피우는 장면이 있습니다. 그 불꽃, 모세의 지휘봉을 흔들며 반역자를 불태웁니다. 구성은 배교자 그룹에 의해 닫히고, 지구 자체가 흡수하는 것. 프레스코의 의미론적 내용은 교황의 권위를 확립하는 데 기여해야 했습니다. 고객에 대한 존경의 표시로, 예술가는 종종 Sixtus IV의 전령 상징과 그의 국장의 색상 조합인 파란색과 노란색의 프레스코화에 참나무를 묘사했습니다. 성경의 모든 장면은 장엄한 풍경을 배경으로 펼쳐집니다.
"그리스도의 세 가지 유혹"(1481-1482, 시스티나 예배당, 로마), 또한 로마 예배당을 위해 Botticelli가 만들었습니다. 복음의 에피소드를 묘사합니다(마태복음 4장, 누가:4), 마귀가 예수님을 시험한 것에 대해 이야기합니다. 첫 번째 줄거리에서, 왼쪽 상단 모서리에 위치한 그는 돌을 떡으로 만들기 위해 그리스도를 제물로 바치고, “사람이 떡으로만 살 것이 아니요”라는 대답을 받음. 구성의 중앙 부분은 사원의 지붕에 서있는 것을 묘사하고, 유혹자가 주의 아들을 설득하여 급히 내려오는 곳; 세 번째 플롯, 왼쪽 상단 모서리에 위치한 마귀가 예수님께 절을 하는 장면을 묘사하고 있습니다.
장면 자체는 작은 크기의 Botticelli가 만들었고, 그리고 작품의 전체 전경은 문둥병자를 정결케 하는 의식으로 가득 차 있다. 이 작품에서는 동방 박사의 숭배에서와 같이, 예술가는 그의 동시대를 묘사하고, WHO, 그의 계획에서, 진행중인 정화의 증인입니다. 작곡의 왼쪽 하단 모서리에는 보티첼리의 자화상과 그의 학생이자 친구인 필리피노 리피의 초상화가 그려져 있다고 믿어집니다. 반대편에는 교황 식스토 4세의 조카가 있고, 지롤라모 리아리오, 빨간 망토에 싸여 있다.
화가의 전기 작가로서, 바사리, 보티첼리는 다음과 같이 썼다. 예배당 벽화 작업, "최고의 명성과 영광을 얻었고, 그리고 교황으로부터 상당한 양의 돈을 받고, 그는 로마에 있는 동안 즉시 그것을 낭비하고 낭비했습니다. 평소처럼 부주의하게 살았기 때문이다. 1482년 가을, 모든 프레스코화가 완성되었고, 그리고 그들에게 작업한 화가들은 로마를 떠나 그들의 고향인 피렌체로 갔다. "
성공과 명성
보티첼리의 작업실, 이미 가장 큰 명성을 얻었던 1480년대에는 엄청난 수의 주문으로 넘쳐났고, 예술가가 혼자서는 감당할 수 없는 일, 그러므로, 작업의 모든 주요 부분은 그의 학생들에 의해 수행되었으며, 화가의 그림 같은 스타일을 완벽하게 모방한 사람. 이 유예 기간 동안, 보티첼리는 그의 후원자 로렌조 디 피에르 프란체스코 메디치로부터 새로운 주문을 받습니다.
작품 "팔라스와 켄타우로스"(1482, 우피치 갤러리, 피렌체)는 메디치 왕조가 얼마나 강력하고 강력했으며 피렌체를 얼마나 현명하게 통치했는지를 전 세계와 후손들에게 보여주기 위함이었습니다. Lorenzo Magnificent의 요청으로, 작품은 피렌체의 "황금기"의 알레고리로 연주되었고, 메디치 시대부터
보티첼리, 자신의 자유 의지로, 플롯의 범위를 더욱 확장하고, 거기에 선과 악 사이의 투쟁에 대한 아이디어를 추가합니다. 그림의 구성은 여신의 아름다운 이미지와 추한 켄타우로스를 대조하는 대조를 기반으로합니다. Pallas 드레스는 Medici 하우스의 상징으로 풍부하게 장식되어 있습니다. 여신은 머리 위로 맑고 깊은 하늘이 있는 아름다운 풍경을 배경으로 묘사됩니다. 켄타우로스 뒤에, 우리는 무지와 혼돈을 상징하는 낡은 고대 건물을 봅니다.
이 캔버스 제작에 대한 영감은 철학자 Marsilio Ficino의 아이디어로 작용한 것으로 믿어집니다. "우리 안의 짐승은 본능입니다. 우리 안의 사람은 이성이다." 이 가정은 작업에 대한 또 다른 가능한 해석을 추가합니다. 보티첼리는 시각적으로 사람을 두 가지 원칙으로 나눕니다. 영의 영역과 연결되어, 높은 열망과 이유, 그리고 동물 - 전적으로 육체의 필요를 나타냅니다. 그러한 줄거리 해석의 관점에서, Pallas의 제스처는 자연 본능에 대한 힘의 의인화됩니다. 흥미로운 사실은 Centaur의 얼굴이 깊은 고통을 묘사한다는 것입니다. 이는 Botticelli의 그림에서 성인 이미지의 특징적인 표현입니다.
작품 "금성과 화성"(1482-1483, 국립 미술관, 런던), 마스터의 또 다른 다면적 작품이다. 벌레들이 맴도는 말벌의 둥지, 컴포지션의 오른쪽 상단 모서리에 표시된 그림이 Vespucci 하우스의 대표자에 의해 의뢰되었음을 나타냅니다. 그 중 그것은 속의 전령 상징입니다. 이 캔버스를 쓰는 가능한 이유는 집 구성원 중 한 사람의 결혼식이었습니다. 첫 번째 계획 전체, 가로로 길게, 비너스의 인물이 차지하고 있습니다. 생각에 기대어, 그리고 여유로운, 잠자는 화성. 그들 바로 뒤에는 강력한 전쟁의 신의 무기를 들고 있는 작은 사티로스들이 있습니다.
피렌체에서는 XV 세기 후반, 점성술이 널리 퍼졌고, 그래서 캔버스에 묘사된 캐릭터들은 행성의 우화적 이미지로 해석될 수 있고, 올림픽 신들 뿐만이 아닙니다. 작품의 색은 장엄한 구속으로 구별되며, 캔버스 자체가 평화를 호흡합니다. 구성 구성이 가볍고 매우 균형이 잡혀 있습니다.
1485년, 보티첼리는 또 다른 놀라운 작품인 "바르디의 제단"(주립 박물관, 베를린). 제단 이미지, 전체 이름이 "마돈나와 세례자 요한과 복음사 요한"처럼 들리며, Giovanni Agnolo Bardi의 명령에 의해 그렸고 Santo Spirito 교회에 있는 그의 가족 예배당을 위해 의도되었습니다.
엄격한 정경은 주인의이 작품의 구성 구성으로 구별됩니다. 사진 중앙에는, 화려한 왕좌에 하늘의 여왕이 앉으시고, 그녀의 팔에 아기와 함께, 그 양쪽에는 성도들이 있습니다 - 세례 요한과 신학자 요한. 모든 인물은 3개의 아치가 있는 정원 전망대의 배경에 있습니다. 이미지를 골동품 동상에 비유합니다.
바르디 제단은 다른 제단과 매우 다르며, 보티첼리의 초기 작품. 모든 라인은 미세 조정되고 명확하며, 다소 딱딱하더라도 이것은 단풍으로 형성된 "장식"에서 분명히 눈에.니다. 마돈나의 이미지, 작가가 이전에 매우 장엄하고 엄숙하게 묘사했던, 완전히 새로운 억양으로 가득 차 있습니다. 여기, 우리는 무엇보다도 어머니를 봅니다. 불안과 슬픔으로 가득 차 있고, 그녀의 아들의 험난한 운명을 예상하여. 특히 마리아의 얼굴 특징과 길쭉한 손은 연약합니다. 그녀의 천박한 이미지를 강조한다. A significant role in the work is played by theological symbols hinting at the incarnation of Christ - lilies, olives, palms and laurels.
Such compositions attract the artist more and more, starting from the 1480s. It is the altar images that he most carefully studies himself, choosing them among the many incoming orders. The most outstanding works of this period are The Altar of St. Barnabas (another name is Madonna on the Throne with Saints Catherine of Alexandria, Augustine, 바바라, John the Baptist, Ignatius and Archangel Michael, circa 1487, Uffizi Gallery, Florence), Madonna with pomegranate ”(circa 1487, Uffizi Gallery, Florence) and“ Madonna Magnificat ”(another name is“ The Majesty of the Madonna ”, circa 1483-1485, Uffizi Gallery, Florence).
Thanks to these and other works, the fame of Botticelli thundered throughout Italy. There is a known case when the Duke of Milan inquired who is the best painter in Florence, and heard a definite answer - Botticelli, "who can perfectly write both on the wall and on the board, and whose paintings are extraordinary in strength and perfect proportions."
The portrait, although it was not a favorite genre of the painter, still occupied a significant place in his work. In the images of his contemporaries, Botticelli strove to adhere to the prevailing traditions of the Florentine profile portrait, although he sometimes allowed himself to bring into the work some of the achievements of the Dutch masters. Not all the works now attributed to the painter can be considered his own work. Most likely, some of them were written by his students. The earliest portrait attributed to the brush of the great Botticelli is the “Portrait of a Young Man” (1470, Palatine Gallery, Florence). Depicted on it is a very young Florentine, with big eyes arrogantly looking at the viewer, wearing a red jacket and a traditional dark cherry color cappuccino. A young man stands against a transparent blue sky.
Around 1474, Botticelli wrote the mysterious Portrait of an Unknown Person with the Cosimo Medici Elder Medal (Uffizi Gallery, Florence). The work has a number of features. 그래서, a young man pictured against a magnificent spring landscape, with both hands presses a medal to his chest with a portrait of Cosimo Medici engraved on it. Botticelli somewhat idealized the image of the model, softening its features, while emphasizing its characteristic features - a clear contour of the face contour and a clear direct look. Intense black and red colors, in the costume of the person portrayed, create an unusually strong color chord. The surrounding landscape brings in emotional overtones. The whole intonation of the work gives out tension - obvious unnaturalness in turning the head, a sad look, an uncertain gesture of hands and a sharp color contrast of the hero’s background and clothes.
Compositionally, the construction of works has been changing since the second half of the 1470s. The painter no longer uses the landscape background, and the entire surrounding space is greatly simplified, while the figure of the model, usually located in three quarters or a profile, occupies almost the entire space of the picture. Female portraits are clearly idealized, 예를 들어, “Portrait of Simoneta Vespucci” (circa 1480, State Museum, Berlin), and the models are mainly located in profile. The four surviving versions of Portrait of Giuliano Medici (National Gallery of Washington, Carrera Academy in Bergamo, Armchair Collection in Milan and the State Museum in Berlin) are distinguished by a very peculiar style of writing. It is not known for certain whether at least one of these works belongs to the brush of Botticelli himself.The compositional construction of all versions of the portrait of Giuliano is almost identical. The model is always located almost in profile against a light background. A thin, smooth line is the main means of expression.
Most of the portraits owned by Botticelli, was characterized by a special melancholy intonation. The identities of most of the young men depicted by the master remained unknown to us. Although, the painter preferred to paint people whom he knew well or admired for their spiritual qualities. In portraits executed in the years 1482-1490, the artist’s desire for a more realistic interpretation of the image is manifested. Portraits of the master’s brush become more psychological, innovations also appear in compositional construction, 예를 들어, in the painting “Portrait of a Young Man” (circa 1483, National Gallery, London), the model is located in front of the portraitist.
Sharp turn
The turbulent political events in Florence in the early 1490s significantly influenced the life of Sandro Botticelli. In 1492, Lorenzo the Magnificent died. Piero Medici, who inherited power from his father, turned out to be a mediocre ruler, who brought the entire Medici home into exile from his hometown due to a number of gross political mistakes. As a result, a fierce fighter for faith and asceticism came to power, the Dominican monk Girolamo Savonarola.
Savonarola has long opposed the tyranny of the Medici family, accusing him of corruption and excessive love of luxury and debauchery. Even the Pope came from a fierce champion of faith, the fiery sermons of the monk resonated in the souls of many citizens, which later brought Savonarola to power. I must say that the people really voluntarily followed the monk, apparently tired of the luxurious lifestyle of their rulers, even in the heart of Botticelli, the Dominican was able to raise doubts about the loyalty of the chosen creative path. There was no one to support the painter, his students and friends were also impressed by the new ruler, and his beloved brother Giovanni died. As a result, the artist took a wait-and-see position, not joining either side of the conflict between Savonarola and the Medici.
The militant monk arranged a real "day of judgment" for Florence. On February 7, 1497, a fire was kindled in Signoria Square, in which the townspeople, impressed by the Dominican sermon, burned musical instruments, jewelry, luxurious women’s dresses, paintings that did not meet Christian morality, as well as those condemned by Savonarola as the embodiment of sin. This day became fatal for the history of art - many young artists, including students of Botticelli himself, brought and threw their works into the “purifying flame”. The painter did not directly participate in the act of repentance of "sinners", perhaps because his weakened legs no longer allowed him to walk independently.
The reign of Savonarola was not very long, on May 23, 1498, the people of Florence burned the slandered monk with the same fanaticism with which he burned magnificent works of art a year earlier. Oddly enough, on Botticelli, the execution of the Dominican made an even greater impression than his sermons. The painter began to be tormented by guilt and bouts of hopelessness, his soul rushed to the dream of religious renewal. As a result, doubts and pain in the soul of the artist made him unsociable. The fame of the master began to fade, orders became less and less.
In the late period of his work, Botticelli creates several paintings either commissioned by the devotees of Savonarola, or painted under the influence of his sermons. The latter include two altar images “Mourning of Christ” (1495, Museum of Poldi Pezzoli, Milan and 1500, Old Pinacoteca, Munich). The works stand out for the artist’s new interpretation of Christian drama - as intolerable human grief. All the characters depicted in these two works are gripped by endless grief over an innocent victim. By order of the “piagnoni” (literally “crybaby”) - adherents of Savonarola, the painter writes “The Last Communion of St. Isronim” (circa 1498, Metropolitan Museum of Art, New York) for Francesco del Puglieze; and "St. Augustine" (1490-1495, Uffizi Gallery, Florence), for Giacomo and Giovannidi Bernardo.These rare orders allowed the artist to somehow stay afloat.
In 1502, the master’s health was finally undermined. 이때, according to the slander of ill-wishers and envious people, a lawsuit was instituted against Botticelli on charges of his sodom sin. The most likely reason for such suspicion was that the painter had never entered into a legal marriage in his entire life. These events further complicated the life of the master, and eight years later, at the age of sixty-five, the great Sandro Botticelli passed away. He is buried in the cemetery at the Florentine church of Onis.
