J.M.W. 돌리는 사람, 디에프 항구 , 씨. 1826년, 캔버스에 오일, 173.7 x 225.4 cm(프릭 컬렉션, 뉴욕)
시각적으로 대담한
강박적인 실험가, 터너는 가시가 많은 악마였습니다. 영국 예술가가 제작한 작품 중 가장 시각적으로 대담한 작품으로 평가되는 화가, 전 연령대에 걸쳐, 사회적 격차를 넘어, 그는 여전히 이 나라에서 가장 유명하고 진정으로 가장 소중한 예술가입니다. 그가 우리에게 도전하기 때문에 우리는 그를 사랑합니다. 우리를 감히, 계속 찾고; 그리고 그가 그렇게 하면 할수록 우리가 볼수록; 그리고 보면 볼수록 더 깊이 우리는 사랑에 빠진다.
그리고 물론 그의 산출량의 순전한 볼륨이 있습니다. 범위와 규모에서 그는 눈부시게 아름다운 그림의 끝없는 흐름을 만들어 냈습니다. 똑같이 눈부신 범위의 주제를 다룬다:전투 장면, 난파선, 눈사태와 눈 폭풍. 이 그림, 그렇지만, 더 조용하고, 더 차분하고, 그것은 부분적으로 나를 그것에 끌어들이는 것입니다. 여러 가지 방법으로, 그것이 말하는 이야기는 장소에 대한 이야기가 적습니다. 디에프 항구, 햇빛의 극적인 효과에 대한 Turner의 증가하는 매혹에 관한 것보다.
디에프 항구
터너는 1826년에 그림을 완성했고, 왕립 아카데미에 전시한 지 1년, 그것의 동반자 조각과 함께 쾰른:패킷 보트의 도착:저녁 , 새벽에 설정한 것, 다른 하나는 황혼. 그의 대부분의 그림과 마찬가지로, 구성은 현장에서 만든 스케치에서 그려졌으며, 이것은 1821년 프랑스 여행으로 거슬러 올라갑니다.
워터프론트(디테일), J.M.W. 돌리는 사람, 디에프 항구 , 씨. 1826년, 캔버스에 오일, 173.7 x 225.4 cm(프릭 컬렉션, 뉴욕)
19세기 초 디에프 항구(프랑스 북부 해안)는 번화한 상업 중심지였습니다. 터너는 군중을 사로잡는 것을 기뻐하고, 일상적인 업무를 수행하는 사람들로 해안가를 채우고, 일부 근면, 다른 사람들은 그렇지 않습니다. 오른쪽으로, 수문은 군중 활동의 오염 효과를 상기시켜주는 항구 벽의 배출구를 통해 바다로 흘러 들어갑니다. 항구 가장자리에 흩어져 있는 수많은 빈 술병에 의해 포인트가 강화되었습니다.
그 놀라운 태양
세속적이고 추잡한 것에 대한 이러한 언급은, 하지만, 그림에서 가장 먼저 떠오르는 것은 오히려 그것은 그 놀라운 태양, 하늘에 거대한 빛의 공을 만들어 물 표면을 가로질러 금판처럼 퍼집니다. 미술사가들은 이 시기에 터너가 빛에 매료된 것이 1819년에 이탈리아를 방문했을 때 영감을 받았다고 주장합니다. 터너의 동시대 사람들도 이 점에 주목했습니다. 사실 어떤 사람들은 지중해의 빛을 북유럽의 배경으로 바꾼 것에 대해 그를 비판했습니다. 북부의 산업화 된 풍경과 대조적으로 이탈리아 시골을 일종의 목가적 인 목가로 이상화하는 경향을 드러내는 비판.
터너 자신도 아마도 이 견해에 동조했을 것이며 이 그림은 나폴레옹 전쟁에 뒤이은 국제 상업의 확장에 대한 낭만주의적 반응으로 읽힐 수 있습니다. 물이 무역을 용이하게 하는 반면, 자본의 자유로운 흐름을 허용하고, 영광스럽게도 숭고한 태양은 우리가 통제할 수 있는 존재가 아님을 상기시켜줍니다. 빛이 우리를 압도하고, 우리의 시각적 추론 능력을 차단하여 실제로 일어나고 있는 일상적인 활동에서 끊임없이 주의를 산만하게 하고 감정적이고 매우 개인적인 방식으로 그 장면을 경험하도록 강요받습니다.
터너와 클로드
그 구성에서, Turner는 17세기 프랑스 화가 Claude Lorrain의 작품에 크게 의존합니다. 좀 더 동정심 많은 현대 평론가들에게 잃지 않은 영향:
클로드 로랭, 빌라 메디치가 있는 항구 풍경 , 1638년, 캔버스에 오일, 102 x 133 cm (우피치 미술관, 피렌체)
"클로드도 그의 가장 행복한 노력에 우리 앞의 찬란한 구성을 뛰어 넘었다. "라고 적었다. 빌라 메디치가 있는 클로드의 항구 장면처럼, 터너가 자신의 작품에서 자주 언급하는 그림, 오른쪽에 보트에 의해 드리워진 그림자 디에프 항구 관객의 시선을 그림 속으로 끌어들이는 행위, repoussoir로 알려진 기술.
클로드처럼, 돛의 축소된 규모는 깊이의 환상을 더합니다. 그리고 Claude의 빌라 취급과 마찬가지로, Turner는 항구 가장자리의 계단과 캔버스 오른쪽에 있는 집들의 열과 같은 건축적 특징을 신중하게 작업했습니다. 이것들은 우리를 그림 속으로 안내하고 공간의 환상을 향상시키는 깔끔한 직각을 만듭니다. 또 다른 Claudian 장치는 빛을 사용하여 공중 관점을 만드는 것입니다. 태양의 눈부신 아래에서, 멀리 있는 물체는 지역 색상을 잃고 옅은 청회색으로 병합됩니다. 이것은 특히 부드럽고, 흐릿한 윤곽은 왼쪽 전경에 있는 돛의 거칠음과 병치됩니다. 이것 역시 우리를 데려가는 역할을 하고, 19세기 항구 도시에서 삶의 초라한 세부 사항에서 신성을 만지는 무언가로 우리를 이동합니다.
빛이 지배한다
몇 번이고 다시 빛으로 돌아옵니다. 영감을 주고 구성을 형성하는 단일 통합 기능입니다. Turner의 동시대 주석가 중 일부는 이에 대해 예외를 뒀고 Turner의 과도한 노란색 사용에 대해 황열병에 걸렸다는 농담까지 하는 사람도 있다.
J.M.W. 돌리는 사람, 레굴루스 , 1828년, 1836년 재작업, 캔버스에 오일, 89.5 x 123.8 cm(테이트 브리튼, 런던)
그렇게 쉽게 미룰 수 있는 사람이 아니라, 그렇지만, 앞으로 몇 년 동안 그는 자신의 대규모 풍경에서 극적인 조명 효과를 계속 실험했습니다. 에 레굴루스 1828년, 예를 들어, 노란색의 사용은 거의 눈을 멀게했습니다. 지평선을 부수고 단 하나를 조각하고, 컴포지션에 반짝이는 수직 축.
빛이 최고를 지배하는 이 원소 충돌은 터너의 후기 작품에서 점점 더 중요한 모티브가 되며, 그의 마지막 말이 과연, 전설에 따르면, "태양은 신이다. ” 거의 중요하지 않은 것 같습니다. 터너를 요약하자면, 다른 말이 통하지 않을 것 같습니다.
